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La Chapelle Rhénane

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Fondée en 2001 par le ténor Benoît Haller, la Chapelle Rhénane est un ensemble de chanteurs et instrumentistes solistes. L’équipe se consacre à la relecture des grandes œuvres du répertoire vocal européen. Son ambition est, par le biais du concert et du disque, de révéler dans ces œuvres l’émotion, l’humanité et la modernité capables de séduire un large public contemporain. Le défi constamment relevé par la Chapelle Rhénane consiste à démontrer que la musique dite classique n’appartient pas au passé, qu’elle n’est pas une somme de monuments sonores à contempler avec distance et respect, qu’elle n’est pas l’affaire d’une élite savante et privilégiée.
Par sa valeur intemporelle et universelle, la musique pratiquée par la Chapelle Rhénane a sa place dans le monde et la société́ actuels : de par la nature éphémère de tout phénomène sonore, elle nous donne l’occasion et l’obligation systématiques de la recréer, de lui donner naissance, de la faire vivre en nous et en nos publics, avec spontanéité, intelligence, et émotion. La musique des siècles passés peut devenir un formidable vecteur d’accomplissement personnel pour le musicien comme pour l’auditeur, ainsi qu’un facteur efficace de lien social.
L’essor de la Chapelle Rhénane est intimement lié à deux compositeurs baroques allemands, Heinrich Schütz et Johann Sebastian Bach, mais l’ensemble se consacre aussi à renouveler l’interprétation des œuvres de Händel, Monteverdi, Charpentier ou Purcell. La Chapelle Rhénane s’est produite sur toutes les grandes scènes et festivals de France : Cité de la Musique de Paris, Arsenal de Metz, Scènes nationales de Sceaux, Grenoble et Aix- en-Provence, Opéra national du Rhin, festivals de La Chaise-Dieu, Sablé, Saintes, Sinfonia en Périgord, Abbaye de Saint-Michel-en-Thiérache.
Elle a également diffusé son activité de concert en Allemagne, en Suisse, en Autriche, en Pologne, au Pérou, en Colombie, au Chili et au Canada. En 2018, elle a été invitée par le prestigieux BachFest de Leipzig à interpréter la Passion selon Matthieu de Bach à la Thomaskirche, lieu-même de sa création.
Qualité artistique éminente et ouverture du répertoire baroque au plus grand nombre, c’est
dans cette double optique que se construit le travail de la Chapelle Rhénane. Résidences dans
les établissements scolaires, séances dédiées aux jeunes et aux publics empêchés, concerts
sonorisés en plein air, répétitions publiques et tournées en territoire rural sont autant de projets de médiation menés avec conviction par la Chapelle Rhénane, qui assure ainsi sa mission de service public.

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La Note Brève

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La Note Brève est un ensemble de musique ancienne, constitué d’un collectif soudé de chanteurs et musiciens spécialisés dans le répertoire. Née d’une volonté de valoriser les musiques du Moyen Âge et de la Renaissance, La Note Brève redécouvre une musique séculaire dans le respect des dernières recherches musicologiques, travaille à partir de traités d’époque, de facsimile, et sur instruments anciens. Depuis sa création, La Note Brève se produit dans les plus grands festivals en France et en Europe. Elle entretient par ailleurs un partenariat durable avec le Musée des Tissus, à Lyon, ville où l’ensemble s’est épanoui.

website La Note Brève

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La Quinta Pars

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Morgan Marquié Lute
Ondřej Hanuš Recorders
André Costa Violin
Haruna Nakaie Viola da gamba
Lucas Alvarado Viola da gamba

L’ensemble La Quinta Pars

Une des particularités de La Quinta Pars réside dans la diversité culturelle de ses cinq musiciens, aux spécialisations artistiques variées et issus des quatre coins du globe.

En écho aux tableaux de la Renaissance représentant des musiciens concertant au moyen d’un mélange éclectique d’instruments anciens tels que les violes de gambe, flûtes à bec, violons et luths, La Quinta Pars associe avec générosité la diversité sonore et expressive de son instrumentarium. Cette variété de timbres permet de souligner l’indépendance de chaque ligne de la polyphonie et l’individualité de chaque artiste, tout en nourrissant une large texture sonore, ample et unitaire.

À travers une démarche d’interprétation cherchant à valoriser les richesses esthétiques et humaines de l’Europe de la Renaissance, l’ensemble propose une relecture approfondie de certaines des innombrables sources imprimées et manuscrites de cette période nous étant parvenues.

Conscients des limites artistiques d’une transmission musicale par l’écriture, restreintes à un texte brut devant être enrichi par l’interprète en fonction de sa personnalité et de critères techniques informés, les musiciens de La Quinta Pars rejoignent les procédés d’oralité propres à une interprétation collective, spontanée et imparfaite.

Depuis sa création, l’ensemble s’est produit au sein d’institutions lyonnaises telles que la Chapelle de l’Hostel Dieu, l’Auditorium de l’Orchestre National de Lyon, l’Auditorium de L’ENS et l’Auditorium des Archives départementales de Lyon. En région, l’ensemble se produit régulièrement dans le cadre de festivals et d’associations de Musiques Anciennes tels que les festivals de Mars en Baroque, Besançon/Montfaucon, Buëch Durance, La Plaine au Coteau, Orgues et Patrimoine en Maurienne, les Orgues du Pays Roussillonais, Saint-Antoine l’Abbaye… En Europe, l’ensemble s’est produit en République Tchèque dans le cadre du festival Musica ad Confluentem (České Budějovice), du St. Wenceslas Music Festival (Ostrava) et des soirées musicales de la National Gallery (Prague).

​En 2021, La Quinta Pars est Lauréate du concours de musique de chambre du festival de Sinfonia en Périgord.

En 2023, L’ensemble est diplômé du Master de Musique de Chambre du CNSMD de Lyon et enregistre son premier CD en collaboration avec Rolf Lislevand (Moose Studio, Norvège).

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La Quintina

La Quintina | direction Jérémie Couleau

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La Quintina

Fondé en 2019, l’ensemble tire son nom d’un idéal de la musique Sarde. La quintina est cette cinquième voix produite, sans être chantée, par les harmoniques de chanteurs en état de grâce. Ce sommet musical et esthétique constitue un héritage vivant d’une culture européenne dont les origines remontent au Moyen Âge et à la Renaissance. Réunis autour de Jérémie Couleau, les musiciens de La Quintina font revivre certaines polyphonies oubliées sans se limiter dans le temps ni dans l’espace.

website La Quintina

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Photo 2 Laterna Magica pour CD Mimesis

Laterna Magica

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L’ensemble Laterna Magica prolonge, dans la présente édition discographique, les intentions d’un des plus grands compositeurs d’opéras italiens, en offrant des arrangements inédits d’airs célèbres de Haendel remaniés pour deux flûtes à bec et basse continue. Très répandu à l’époque, l’emprunt d’œuvres préexistantes est une pratique courante dans la composition musicale : plus encore que Bach, Haendel puise son inspiration dans le répertoire, en plagiant, sans scrupule, des thèmes ou des passages entiers sans apporter de modifications majeures, dans le but de donner une nouvelle vie à l’original, en l’intégrant parfaitement sous un habit nouveau, sans hiatus stylistique.

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L.Cabasso - n°1 - ok

Laurent Cabasso

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L.Cabasso - n°1 - ok

Premier Prix de Piano et de Musique de Chambre du Conservatoire National Supérieur de Musque de Paris à l’âge de 18 ans, il fut l’élève de Désiré N’Kaoua, puis d’Yvonne Loriod, Jean Hubeau, Ventsislav Yankoff et Christian Ivaldi. Dans le cadre du cycle de perfectionnement, il a également suivi les cours de Nikita Magaloff, György Sebok, György Sandor et Norbert Braïnin. Il se perfectionne ensuite auprès de la grande pédagogue et disciple d’Arthur Schnabel, Maria Curcio-Diamand. Lauréat de grands concours internationaux (Prix Géza Anda de Zürich en 1982, Tokyo en 1983, finaliste du concours Clara Haskil à Vevey en 1987), Laurent Cabasso entame alors une importante carrière musicale internationale. Il donne de nombreux récitals et concerts à Paris, (Théâtre des Champs-Élysées, Salles Pleyel, Gaveau, Philharmonie…), Zurich, Amsterdam et se produit dans de grands festivals (La Roque d’Anthéron, la Folle journée de Nantes, Piano aux Jacobins, Besançon, Montpellier ainsi qu’en Amérique et en Asie). Invité de grands orchestres, dontl’Orchestre National de France, passionné de musique de chambre, il se produit régulièrement dans de nombreuses formations aux côtés des meilleurs musiciens d’aujourd’hui. Laurent Cabasso est professeur au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon. Il donne régulièrement des masterclass en France et à l’étranger.

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L Ramezan

Layla Ramezan

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L Ramezan

La pianiste iranienne Layla Ramezan a toujours cherché à créer des liens entre ses origines persanes et la musique contemporaine qu’elle côtoie quotidiennement.

Elle noue des contacts privilégiés avec des personnalités musicales marquantes telles que Helmut Deutsch, Jean-Claude Pennetier ,William Blank et Philippe Albera, se produit avec des musiciens tels que Jean-Marc Luisada, Eliane Reyes, Christophe Beau, Brigitte Balley et le Trio Chemirani, et travaille aux côtés de compositeurs du monde entier comme Tristan Murail, Luis Naon, Nicolas Bolens et Michael Jarrell.

Elle se produit régulièrement en France, en Suisse comme à l’international : Collège des Bernardins à Paris, Victoria Hall à Genève, Royal Irish Academy of Dublin, Carnegie Mellon University à Pittsburgh,Musée Aga Khan de Toronto, Roodaki Hall de Téhéran, Hafez Hall de Shiraz, ainsi que dans des festivals comme Les Athénéennes de Genève, Schubertiade de Sion, Alba en Italie.

Ses concerts sont diffusés notamment par Radio France, RFI, Radio Suisse Romande, NPO Radio Néerlandais, CBC Radio Canada, Deutschlandfunk Kultur, WDR 3 Kultur et Radio Calssique de Norvège.

Egalement pianiste de Matka, un ensemble de musique contemporaine basé à Genève, elle ne cesse de participer à des projets d’échanges interculturels en lien avec la communauté internationale : elle joue aux Nations Unies à Genève pour un évènement spécial contre la violence à l’égard des femmes aux côtés de dix ambassadrices africaines, elle est l’instigatrice de plusieurs projets d’échanges musicaux avec l’Iran tels que des conférences, résidences et concerts réunissant compositeurs iraniens, français et américains, elle est la fondatrice et directrice artistique du Barbad Piano Prize à Shiraz en Iran, elle a été membre du jury de la 10ème édition du Festival national de musique pour les jeunes de Téhéran.

Elle prépare actuellement l’enregistrement d’une série de quatre disques consacrés au projet 100 ans de musique classique iranienne pour piano chez le label Paraty. Le premier volume de cette tétralogie Compositeurs iraniens des années 1950 est sorti en janvier 2017 et le deuxième volume, Scheherazade d’Alireza Mashayekhi est sorti en mai 2019.

Elle a débuté son éducation musicale et pianistique à Téhéran avec Mustafa-Kamal Pourtorab, Raphael Minaskanian et Delbar Hakimova puis, arrivée à Paris en 2001, elle poursuit sa formation, en tant que boursière de la fondation Albert Roussel, à l’École Normale de Musique de Paris Alfred Cortot dans les classes de Jean Micault et de Devi Erlih, au Conservatoire National de Saint-Maur des Fossés et de Créteil avec Jacqueline Bourgès-Maunoury et Christophe Bukudjian où elle obtient un Diplôme d’Études Musicales avec hautes distinctions. À Lausanne, où elle vit actuellement, elle a obtenu deux Masters en interprétation et en accompagnement à la Haute École de Musique auprès de Christian Favre et Marc Pantillon.

Sa sonorité, son phrasé, sa sensibilité particulière pour le rythme et son interprétation raffinée du déroulement du temps musical sont d’ailleurs les qualités premières de son jeu pianistique. Son sens esthétique a été forgé par les différences comme par les ressemblances qui se croisent parfois au sein des cultures à travers lesquelles elle se meut librement. Elle ne cesse de chercher à les exprimer, s’inspirant de l’une ou de l’autre, avec des accents singuliers, loin des clichés.

Layla Ramezan est lauréate de la Fondation Engelberts pour l’Art et la Culture en Suisse et la Fondation Albert Roussel en France. Elle est soutenue également par la Ville de Lausanne.

 

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Photo: Marco Borggreve

Le Parnasse français

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Photo: Marco Borggreve

Créé en 2000 par le chef Louis Castelain, le Parnasse français est un ensemble spécialisé dans la musique ancienne du xvie au xviiie siècle. L’ensemble, à géométrie variable, se produit aussi bien en grande formation dans des programmes de grands motets (chœur, orchestre et solistes), qu’en orchestre seul ou en petit effectif pour des programmes de madrigaux ou de motets. L’une des spécificités du Parnasse français est de proposer, à chacun de ses concerts, au moins une recréation mondiale, fruit de recherches musicologiques dans diverses bibliothèques. Louis Castelain est ainsi amené à restituer des partitions à partir de manuscrits en recomposant, le cas échéant, les parties manquantes. Reflet de ce travail et des productions du Parnasse français, l’ensemble possède sa propre collection de partitions (collection « Les maîtres du Parnasse français ») au sein des éditions du Centre de Musique Baroque de Versailles.

Depuis 2001, le Parnasse français est invité à se produire dans plusieurs festivals (Festival de Sablé, Grandes Journées Charpentier en 2004 et Lully en 2008, Automne musical du Centre de Musique Baroque de Versailles, Oudemuziek Utrecht, Festival de Pontoise…). Ses concerts ont fait l’objet d’enregistrement pour la télévision (pour Arte : documentaires Lully l’incommode et Rameau l’incompris magnifique, Maestro sur la musique au temps d’Henri IV), pour le disque (Grands motets de Mondonville et Campra chez MBF) et pour la radio (France Musique, Radio Classique, Radio Suisse Romande…).

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Les Lunaisiens

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Nous semblerait-il concevable aujourd’hui, que des auteurs tels que Jacques Brel, Léo Ferré, Barbara, Nougaro, Brassens et d’autres encore, disparaissent à jamais de notre quotidien ? Que du jour au lendemain, les paroles et les mélodies de ces grands artistes ne résonnent plus dans les refrains fredonnés de notre mémoire collective ?

Mais qu’en est-il de ce temps où Charles Cros et Edison n’avaient pas encore inventé le gramophone ?

Les voix se sont tues à jamais…les chansons sont oubliées, éteintes et parfois mortes ; dans le meilleur des cas, cloisonnées dans des recueils délaissés. Et l’on sait pourtant qu’une chanson ne vit que par le temps de son interprétation.

Il s’avère donc urgent de prospecter et d’interpréter tout un répertoire historique de la chanson française. Faire chanter la mémoire, fredonner les paroles des premières « chansons à textes ». Etre convaincus, tout comme Nerval, Chateaubriand, Baudelaire ou Verlaine que la Chanson Française est la garante d’une belle langue, notre langue, la langue française, une langue tout simplement encore vivante.
Sortir des concerts traditionnels, nourrir les individus d’une musique essentielle qui puisse apporter une certaine harmonisation à la Cité. Car la musique, comme les autres arts, n’a pas seulement pour mission le divertissement : elle doit avant tout faire réfléchir l’individu, chose essentielle contre cette industrie de masse, où l’on fait croire à l’être que le seul loisir est la consommation !

Avec ce parcours, cette initiation dans l’univers musical de la chanson, La clique des LUNAISIENS veut proposer au public une découverte, une aventure qui n’est en fait, que la réappropriation d’un art qui appartient à la mémoire collective.
Poursuivre cette quête en s’entourant d’artistes, de musicologues et d’historiens convaincus que la chanson est une passeuse ; qu’elle est gardienne d’une noble poésie, d’une poésie populaire qui chante à nos oreilles et à nos âmes.

Retracer les aventures de cette belle chanson français, montrant ainsi que les textes du passé n’ont rien à envier à ceux de nos contemporains !

Directeur artistique : Arnaud Marzorati

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Gordis2019-3

Lillian Gordis

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Gordis2019-3

Née en 1992, Lillian Gordis découvre le clavecin à l’âge de 9 ans et s’y consacre immédiatement. À la suite des encouragements de Pierre Hantaï, elle s’installe en France à l’âge de 16 ans afin d’étudier avec lui. Elle bénéficie également des conseils de Skip Sempé et de Bertrand Cuiller. En 2018, elle obtient avec la mention très bien un master d’interprétation des musiques anciennes, délivré par l’université Paris-Sorbonne en partenariat avec le Pôle Supérieur Paris-Boulogne.

Lillian a été invitée comme soliste dans l’émission Génération Jeunes Interprètes sur France Musique et se produit régulièrement comme soliste dans des festivals en France, en Europe et aux États-Unis. Elle joue en duo avec Jérôme Hantaï et maintient une activité régulière en tant que chambriste.

Elle a été quatre fois lauréate de la Fondation Royaumont (en 2013 et de 2015 à 2017) et elle est soutenue par la Fondation d’entreprise Safran. Son premier album solo, dédié aux sonates de Domenico Scarlatti, sort en 2019 chez Paraty (Harmonia Mundi-PIAS).

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