Cet album met en regard deux compositeurs viennois portant le même prénom, Franz Schubert et Franz Lachner, à un moment charnière de leur parcours, autour de l’année 1825. Tous deux évoluent alors dans le même milieu musical, fréquentent les mêmes cercles et participent à l’essor du Lied et de la musique de chambre dans une Vienne encore marquée par l’héritage classique et déjà tournée vers le romantisme. Le programme propose une lecture croisée de leurs œuvres vocales et instrumentales, révélant des affinités esthétiques souvent méconnues.

À travers une alternance de Lieder et de pièces instrumentales, ce disque éclaire les liens entre écriture vocale et langage de chambre, entre intimité poétique et formes héritées. Les œuvres de Schubert dialoguent avec celles de Lachner, compositeur aujourd’hui moins joué mais figure centrale de la vie musicale viennoise du début du XIXe siècle. Ce rapprochement permet de replacer Schubert dans un contexte artistique plus large et de redonner toute sa place à un répertoire rarement exploré au disque.

L’Ensemble Double Face réunit autour de ce programme une formation originale mêlant voix, cordes, vents, guitare et pianoforte. Cette combinaison instrumentale restitue la diversité des pratiques musicales de l’époque et met en valeur la souplesse des écritures comme la richesse expressive des œuvres. L’interprétation privilégie la clarté des lignes, l’équilibre des timbres et l’attention portée au texte, offrant une lecture cohérente et historiquement informée de ce moment viennois partagé par les deux Franz.

‍

Ce deuxième album du JOR – Jeune Orchestre Rameau, dirigé par Bruno Procopio, est consacré aux Pièces de clavecin en concerts de Jean-Philippe Rameau dans une version en sextuor fondée sur des partitions manuscrites datées de 1768. Ces sources, conservées dans la bibliothèque du collectionneur Decroix, témoignent d’une adaptation tardive de l’œuvre, distincte des versions aujourd’hui les plus connues. Le manuscrit précise que cette version n’était pas pensée pour un sextuor de solistes strictement individuels, mais pour un partage des parties, notamment dans les passages à doubles cordes, ouvrant la voie à une interprétation élargie.

À partir de ce matériau, le JOR propose une adaptation pour douze musiciens, afin de renforcer la dimension orchestrale de l’œuvre tout en conservant l’esprit concertant voulu par Rameau. La partie de clavecin concertant, issue de la version originale, est réintégrée afin d’assurer la cohérence du discours et d’apporter une impulsion rythmique et expressive à l’ensemble. Cette approche s’inscrit dans la continuité des travaux menés par Bruno Procopio autour des Pièces de clavecin en concerts, déjà explorées au disque et en concert sous différentes formes, y compris dans les versions pour grand orchestre arrangées par Rameau lui-même.

Le JOR – Jeune Orchestre Rameau est conçu comme un laboratoire orchestral dédié à l’interprétation du répertoire français du XVIIIe siècle. Réunissant de jeunes musiciens issus de grandes institutions européennes et internationales, l’ensemble bénéficie du soutien des Éditions Rameau et de plusieurs conservatoires partenaires. À travers ce projet, le JOR affirme une double ambition : renouveler l’écoute de l’œuvre de Rameau par un travail sur les sources et les formats, et contribuer à la transmission d’un répertoire encore largement à redécouvrir, au cœur d’un engagement durable en faveur de l’excellence orchestrale.

‍

Cet enregistrement est consacré à l’œuvre pour orgue de Domenico Zipoli, figure majeure de la musique baroque active entre l’Italie et l’Amérique latine au début du XVIIIe siècle. Le programme réunit l’ensemble des pièces publiées à Rome en 1716 ainsi que des œuvres attribuées issues du manuscrit Sones mo organo, conservé à San Rafael de Velasco en Bolivie, témoignant de la diffusion et de l’adaptation de ce répertoire dans le contexte des missions jésuites.

L’album a été enregistré sur l’orgue historique Almeida e Silva de Diamantina, construit en 1787 et récemment restauré. Cet instrument brésilien, réalisé à partir de matériaux locaux et influencé par les traditions ibériques, offre un cadre sonore directement lié à l’histoire coloniale et religieuse du Minas Gerais. L’enregistrement a été réalisé à l’église Notre-Dame du Mont-Carmel de Diamantina, en privilégiant des prises intégrales afin de restituer la continuité musicale et l’acoustique du lieu.

Par ce projet, Marco Brescia met en perspective les liens entre la tradition organistique européenne et son prolongement en Amérique latine. L’interprétation s’attache à faire entendre la diversité stylistique de l’écriture de Zipoli, entre héritage italien et influences ibéro-américaines, tout en plaçant l’orgue au centre du propos comme témoin vivant des échanges culturels et spirituels du monde baroque.

‍

Ce disque rassemble l’intégrale des sonates pour piano de Frédéric Chopin, composées entre 1828 et 1844, depuis la Première Sonate op. 4, œuvre de jeunesse encore ancrée dans les modèles classiques, jusqu’à la Troisième Sonate op. 58, sommet de maturité formelle et expressive. À travers ces trois partitions, se dessine un parcours qui accompagne l’émancipation progressive du langage pianistique de Chopin et son affranchissement des cadres hérités de la sonate classique.

La Deuxième Sonate op. 35, dite « Marche funèbre », occupe une place centrale dans ce cycle. Construite autour de son célèbre mouvement lent, elle marque une rupture radicale par son audace formelle, son écriture fragmentée et la puissance expressive de son discours. La Troisième Sonate, quant à elle, élargit la forme vers une architecture plus fluide, où le lyrisme du chant, l’héritage du bel canto et la densité harmonique s’intègrent dans une continuité dramatique assumée.

Véronique Bonnecaze aborde ces sonates comme un ensemble cohérent, en soulignant les filiations autant que les contrastes entre les œuvres. Son interprétation met en lumière la tension permanente entre rigueur structurelle et liberté poétique, entre virtuosité et intériorité, offrant une lecture qui restitue la singularité de chaque sonate tout en faisant entendre l’unité profonde de l’univers pianistique de Chopin.

‍

Ce disque réunit deux cycles majeurs du répertoire pianistique romantique, les Moments musicaux de Franz Schubert et de Sergueï Rachmaninoff. Séparées par près de soixante-dix ans, ces œuvres partagent une même appellation sans constituer un genre au sens strict. Elles s’inscrivent toutefois dans une tradition de formes brèves issues de l’improvisation, où le piano devient le lieu d’une expression immédiate, condensée et libre.

Chez Schubert, les Six Moments musicaux D. 780, rassemblés en 1827, offrent une synthèse intime de son univers, fait de simplicité apparente, de retenue et de profondeur émotionnelle. Avec Rachmaninoff, les Six Moments musicaux op. 16, composés en 1896, élargissent cette forme vers une écriture plus expansive et virtuose, où le piano acquiert une dimension orchestrale et dramatique. Le dialogue entre ces deux cycles met en lumière une continuité poétique autant qu’une transformation du langage pianistique entre le romantisme viennois et la tradition russe de la fin du XIXe siècle.

Véronique Bonnecaze aborde ces œuvres comme un parcours cohérent, attentive aux contrastes d’échelle, de densité et de climat entre Schubert et Rachmaninoff. Son interprétation souligne à la fois l’intimité du geste schubertien et l’ampleur expressive de l’écriture de Rachmaninoff, donnant à entendre le passage de la miniature à la fresque au sein d’un même esprit musical.

‍

Ce disque réunit les grandes pages pour piano de Sergueï Prokofiev autour d’un axe central : la transformation du langage pianistique au XXe siècle. Des Visions fugitives aux Contes de la Vieille Grand-Mère, de la Sonate n°6 aux pages issues de Roméo et Juliette et de Guerre et Paix, le programme traverse plusieurs périodes de la création du compositeur, entre radicalité rythmique, tension harmonique et lyrisme mélodique.

Chez Prokofiev, le piano cesse d’être un instrument purement lyrique pour devenir un espace orchestral, percussif et dramatique. L’écriture confronte violence et ironie, énergie mécanique et profondeur introspective, tout en conservant une clarté formelle héritée de la tradition classique. Les œuvres réunies ici témoignent de cette dualité constante, où la modernité s’affirme sans rupture avec la tonalité.

Véronique Bonnecaze aborde ce répertoire dans une lecture structurée et engagée, attentive à la diversité des styles et des climats. Son interprétation met en lumière la cohérence d’un parcours pianistique où la puissance expressive, la précision rythmique et le sens narratif forment un tout indissociable.

‍

Claude Debussy occupe une place centrale dans l’histoire du piano par la transformation profonde qu’il opère du langage musical à l’aube du XXe siècle. Les œuvres réunies dans cet enregistrement couvrent une période décisive de sa création, depuis la Suite bergamasque jusqu’aux Préludes, en passant par L’Isle joyeuse, Images et La plus que lente. Ce parcours met en lumière l’évolution d’une écriture où la recherche du timbre, de la couleur et de la suggestion renouvelle la perception du clavier.

Véronique Bonnecaze aborde ce répertoire comme une traversée cohérente, attentive aux correspondances entre les œuvres et à la continuité du geste musical. Le programme fait dialoguer pièces emblématiques et cycles majeurs, révélant une conception du piano pensée comme un instrument orchestral, capable de suggérer paysages, mouvements et atmosphères, sans jamais revendiquer une posture d’avant-garde.

Enregistré à la Ferme de Villefavard en mars 2018 et publié par Paraty, cet album s’appuie sur des textes de Stéphane Friédérich et une prise de son de Cyrille Métivier. Il propose une lecture approfondie et documentée de l’univers pianistique de Debussy, fidèle à l’esprit du compositeur et à la tradition française d’exigence sonore et stylistique.

‍

Frédéric Chopin a composé les Études op. 10 entre 1829 et 1831, puis les Études op. 25 entre 1832 et 1836. Souvent décrites comme une encyclopédie de la technique pianistique, ces deux séries constituent aussi une réflexion esthétique où la virtuosité est indissociable de l’expression, des émotions et de la poésie.

Dans cet enregistrement, la pianiste Véronique Bonnecaze interprète l’intégralité des Études op. 10 et op. 25. Le programme met en regard la diversité des caractères, des tempos et des écritures, et souligne la manière dont Chopin condense, en quelques mesures, un discours musical complet.

Réédition Paraty d’un album enregistré en 1999, ce disque a été réalisé avec une supervision artistique de N. Delle-Vigne Fabbri, une prise de son, un montage et un mastering de Th. De Marre, une création graphique de Leo Caldi, et des textes de Véronique Bonnecaze

‍

Ce disque est consacré au répertoire pour flûte, alto et harpe, formation singulière dont l’histoire s’est construite à la croisée de la musique de chambre et de la pensée orchestrale. Loin d’être une simple juxtaposition d’instruments, ce trio trouve son identité dans la manière dont les timbres se fondent, se répondent et structurent le discours musical.

Au centre du programme figure la Sonate pour flûte, alto et harpe de Claude Debussy, œuvre tardive composée en 1915, qui a profondément marqué l’histoire de cette formation par son écriture résolument moderne et son traitement orchestral des couleurs. Autour de cette partition majeure s’articulent des œuvres de Théodore Dubois, Arnold Bax, Leo Smit et Tōru Takemitsu, chacune apportant un regard singulier sur cet effectif, de la fin du XIXe siècle à la fin du XXe siècle.

Ces œuvres, éloignées dans le temps et dans leurs esthétiques, témoignent néanmoins d’une continuité dans la recherche de textures, de climats et de rapports poétiques au son. Du Terzettino de Dubois, antérieur à Debussy, à And then I knew ’twas Wind de Takemitsu, inspiré par un poème d’Emily Dickinson, le programme se déploie comme une traversée où la mémoire musicale se transforme sans jamais se rompre.

Fondé en 2017, le Trio Zerline réunit la flûtiste Alice Szymanski, l’altiste Estelle Gourinchas et la harpiste Joanna Ohlmann. Attachées à la fois à la création contemporaine et à la redécouverte du répertoire, les trois musiciennes défendent une approche exigeante de la musique de chambre, nourrie par le dialogue avec les compositeurs et par un travail approfondi sur les sources et l’instrumentarium. Les instruments historiques choisis pour cet enregistrement participent pleinement à l’unité sonore du programme, en offrant une palette de timbres adaptée à un répertoire couvrant près d’un siècle de création.

‍

Ce disque propose un parcours à travers un siècle de musique viennoise pour trio avec piano, depuis la fin du classicisme jusqu’aux seuils du modernisme. Les œuvres réunies dessinent une trajectoire historique et esthétique cohérente, où les langages évoluent tout en conservant un lien fort avec la tradition formelle et expressive de Vienne.

Le programme associe le Trio avec piano no 2 op. 22 de Johann Nepomuk Hummel, composé en 1799, le Trio avec piano no 2 op. 87 de Johannes Brahms, écrit en 1882, et Verklärte Nacht d’Arnold Schönberg dans un arrangement pour trio avec piano. Ces trois partitions permettent d’observer le passage progressif du classicisme à un romantisme pleinement affirmé, puis l’émergence d’un langage annonçant les bouleversements du XXe siècle.

Fondé en 2011, le Trio Khaldei réunit Barbara Baltussen au piano, Pieter Jansen au violon et Francis Mourey au violoncelle. L’ensemble s’est imposé sur les scènes belges et internationales par un travail approfondi sur le répertoire pour trio avec piano et une attention particulière portée à la cohérence des programmes. Cet enregistrement prolonge cette démarche en mettant en relation œuvres majeures du répertoire et réflexion sur l’évolution des formes et du langage musical.

‍

Installé à Vienne à partir de 1792, Ludwig van Beethoven y forge les fondements de son langage musical tout en s’imposant comme virtuose et improvisateur. Les œuvres réunies dans ce disque témoignent de cette période décisive, marquée par une intense activité créatrice et par un dialogue constant entre héritage classique et affirmation d’une voix personnelle.

Le Trio pour piano, clarinette ou violon et violoncelle op. 11, composé en 1798, se distingue par la richesse de ses contrastes et par l’équilibre entre les trois instruments. Conçu pour séduire par son élégance et sa clarté, il articule virtuosité, lyrisme et sens du théâtre musical, notamment dans le mouvement final fondé sur des variations.

En 1803, Beethoven réalise la transcription pour trio op. 38 de son Septuor op. 20, œuvre déjà très appréciée de son vivant. Conservant l’esprit de la sérénade et du divertimento, ce trio développe une succession de mouvements où se mêlent invention mélodique, raffinement formel et énergie rythmique.

Ce programme est interprété par le DSCH – Shostakovich Ensemble, formation à géométrie variable fondée et dirigée par le pianiste Filipe Pinto-Ribeiro, avec Pascal Moraguès à la clarinette et Adrian Brendel au violoncelle. Leur lecture met en valeur la vitalité, la souplesse et la richesse expressive de ces pages, inscrivant ces trios au cœur du Beethoven viennois.

‍

Avec ce premier enregistrement, le Trio Bagatelle consacre un programme aux trios avec piano de Wolfgang Amadeus Mozart, composés à Vienne entre juin et octobre 1788. Les œuvres choisies, les trios en mi mineur K.542, en ut majeur K.548 et en sol majeur K.564, illustrent trois caractères distincts et complémentaires, intime et douloureux pour le premier, majestueux et brillant pour le second, d’une simplicité lumineuse pour le dernier.

Ces trios appartiennent à une période particulièrement féconde de la vie de Mozart. Écrits dans les mois qui voient également naître les symphonies n°40 et n°41, ils témoignent d’un équilibre subtil entre écriture de chambre et pensée orchestrale. Le dialogue entre le piano, le violon et le violoncelle y est constamment renouvelé, chacun des instruments participant pleinement au discours musical.

Le Trio Bagatelle aborde ce répertoire dans un esprit de conversation et de théâtre sonore, fidèle à l’esthétique mozartienne. Enregistré au studio Sequenza sous la direction artistique de Thomas Vingtrinier, ce disque propose une lecture attentive et vivante de ces œuvres, mettant en valeur la richesse expressive et la clarté formelle des trios de Mozart.

‍

Chic à la française est le deuxième enregistrement du Trio Atanassov et réunit trois œuvres qui occupent une place centrale dans son parcours de concert. Le programme associe le Trio en sol majeur de Claude Debussy, le Trio de Maurice Ravel et le Trio de Philippe Hersant, dessinant un panorama de la musique française pour trio avec piano, du tournant du XXᵉ siècle à la création contemporaine.

Ces trois œuvres, très différentes par leur langage et leur contexte, partagent une même attention à la clarté du discours, à l’équilibre des formes et à la richesse des couleurs instrumentales. Le Trio de Debussy, œuvre de jeunesse redécouverte tardivement, révèle déjà une personnalité singulière, marquée par la liberté harmonique et le refus des conventions académiques. Le Trio de Ravel, composé en 1914, s’impose comme un sommet du répertoire, où la virtuosité instrumentale et la sophistication formelle sont portées par une écriture d’une grande fluidité. Le Trio de Philippe Hersant prolonge cette tradition en faisant dialoguer l’héritage de Marin Marais avec une écriture contemporaine personnelle, fondée sur le jeu de la mémoire et de la variation.

À travers cet enregistrement, le Trio Atanassov affirme une conception du « chic à la française » fondée non sur l’effet ou l’ostentation, mais sur l’élégance du geste musical, la précision de l’interprétation et la cohérence du discours. Fidèle à son exigence artistique et à son éclectisme, l’ensemble propose une lecture approfondie et engagée de ces œuvres, qui mettent en valeur la continuité et la vitalité du répertoire français pour trio avec piano.

‍

Troisième enregistrement du Trio Atanassov, Bohemian Rhapsodies est consacré à Antonín Dvořák, figure centrale de la musique tchèque de la fin du XIXe siècle. Le programme réunit le Trio pour piano no 2 op. 26, les Dumky op. 90 et l’Élégie op. 23 de Josef Suk, offrant un parcours qui met en regard la diversité formelle et l’élan narratif propres à cette musique.

À travers ces œuvres, le trio met en lumière une écriture où la liberté du discours, la souplesse de la forme et la présence de la danse et du chant populaire s’inscrivent dans une grande tradition de la musique de chambre. Les Dumky, succession de tableaux contrastés, occupent une place centrale dans ce récit musical, tandis que le Trio op. 26 révèle un Dvořák en pleine affirmation stylistique. L’Élégie de Suk, écrite sous l’influence du poète Julius Zeyer, vient clore l’album comme un prolongement naturel de cet univers bohémien.

Fondé en 2007, le Trio Atanassov réunit Perceval Gilles, Sarah Sultan et Pierre-Kaloyann Atanassov. Reconnu pour la clarté de son discours et l’exigence de son travail collectif, l’ensemble s’est distingué dans de nombreux concours internationaux et se produit régulièrement sur les grandes scènes européennes. Avec Bohemian Rhapsodies, le trio poursuit son exploration des grandes figures du répertoire en proposant une lecture engagée et cohérente de ces œuvres majeures.

‍

Concert pour Debussy est le fruit d’une collaboration de plusieurs années entre le Trio Antara, composé d’Emmanuelle Ophèle à la flûte, Audile Auboin à l’alto et Ghislaine Petit-Volta à la harpe, et le compositeur et directeur artistique Benoît Sitzia. Le projet prend pour point d’ancrage la Sonate pour flûte, alto et harpe de Claude Debussy, œuvre centrale du cycle inachevé des Six Sonates pour divers instruments, composées entre 1915 et 1917. Ce travail s’inscrit dans une réflexion approfondie sur la pensée musicale de Debussy, amorcée dès les premières recherches du trio autour de cette sonate.

Véritable laboratoire de la poétique debussyste, la Sonate pour flûte, alto et harpe a profondément marqué l’histoire de la musique de chambre et inspiré de nombreuses créations ultérieures. Sa structure, son rapport à la tradition musicale française et sa mise en perspective des courants modernistes ont servi de creuset à l’élaboration du programme de cet enregistrement. L’album se construit ainsi comme un concert au sens baroque du terme, associant hommages explicites, évocations poétiques et résonances imaginaires, afin de questionner ce que Debussy représente encore aujourd’hui.

Le programme réunit des transcriptions de Debussy, dont les Six épigraphes antiques et La plainte au loin du faune de Paul Dukas, ainsi qu’une œuvre originale de Benoît Sitzia, …à un grand oiseau impatient de la lumière…, composée pour le Trio Antara. Cette création, conçue comme une suite d’images et de tableaux, dialogue avec l’héritage de Debussy et ses prolongements chez Messiaen et Boulez. Complété par la transcription de Des pas sur la neige, cet enregistrement propose une traversée musicale qui éclaire moins la figure historique de Debussy que la permanence et la fécondité de son influence.

‍

Fétiches réunit un ensemble d’œuvres du compositeur Tomás Bordalejo, écrites entre 2013 et 2019, et constitue le point d’aboutissement d’un cycle de recherche consacré au geste musical, à la matière sonore et à leur transformation dans le temps. Le programme rassemble des pièces solistes et de musique de chambre, dont plusieurs premiers enregistrements, conçues en étroite collaboration avec les interprètes et issues de commandes institutionnelles ou de partenariats artistiques au long cours.

Au cœur de ce projet se trouve une réflexion sur le son comme expérience physique et perceptive. Le travail de Tomás Bordalejo explore les zones intermédiaires entre hauteur et bruit, continuité et rupture, stabilité et déséquilibre. Chaque pièce développe une dramaturgie propre, fondée sur la circulation des énergies, la densité des textures et l’évolution des gestes instrumentaux, dans un rapport constant à l’espace et au temps. Le geste du musicien, immédiat et singulier, devient ainsi le moteur de la forme musicale.

Interprété par un collectif d’artistes étroitement liés au parcours du compositeur, Fétiches met en lumière une approche artisanale de la création contemporaine, fondée sur l’écoute, l’expérimentation et la transmission. À la manière d’objets rituels, ces œuvres témoignent des matériaux sonores, des instruments et des interprètes qui ont marqué le cheminement de Tomás Bordalejo, tout en ouvrant de nouvelles perspectives dans son écriture.

‍

Cet enregistrement réunit les sept Toccatas pour clavier de Johann Sebastian Bach, composées alors que le compositeur n’avait pas encore vingt-cinq ans. Œuvres de jeunesse mais déjà d’une grande maturité, ces toccatas constituent un laboratoire formel dans lequel Bach explore librement le prélude, la fantaisie improvisée, le fugato et les structures inspirées du concerto italien. Chacune d’elles apparaît comme une recherche autonome sur le son, le geste et la forme, sans autre ordre que celui de leur publication.

Interprétées par Laurent Cabasso, ces pages témoignent de l’esprit du stylus phantasticus hérité de la tradition nord-allemande et nourri par l’influence déterminante de Buxtehude. La musique alterne récitatifs libres, épisodes virtuoses, mouvements méditatifs et fugues structurées, dans un jeu constant de contrastes entre liberté apparente et rigueur contrapuntique. À travers ces œuvres se dessine la progression du jeune Bach vers une pensée formelle unifiée, fondée sur l’idéal baroque d’une unité dans la diversité.

L’enregistrement a été réalisé sur le piano Stephen Paulello opus 102, dont la clarté des registres, la longueur du son et la lisibilité polyphonique offrent un éclairage particulier sur l’écriture de Bach. Ce choix instrumental permet de mettre en valeur la vitalité et l’inventivité de ces toccatas, tout en respectant leur exigence rhétorique et expressive.

‍

Con Fuoco révèle d’emblée l’univers de Stéphane de Carvalho : celui d’un guitariste habité par la couleur, le contraste et l’élan narratif. Le programme traverse plusieurs traditions de la guitare, de Turina à Ginastera, en passant par Mertz, Ponce, Roland Dyens, Napoléon Coste et deux sonates de Scarlatti transcrites par l’artiste lui-même. L’ensemble dessine un parcours cohérent, où le lyrisme, la danse, l’énergie rythmique et la virtuosité s’enchaînent avec une grande fluidité.

Formé auprès de grandes figures de la guitare telles que Pedro Ibañez, Alexandre Lagoya et Roberto Aussel, Stéphane de Carvalho a développé un jeu profondément personnel, nourri à la fois par l’exigence du répertoire classique et par une sensibilité très marquée pour les climats, les timbres et la respiration du discours. Son parcours l’a conduit à explorer un vaste territoire musical, du XIXe siècle aux compositeurs du XXe siècle, avec une affinité particulière pour les répertoires hispaniques et latino-américains.

Avec Con Fuoco, il propose bien davantage qu’un simple récital : un voyage intérieur, tendu entre élégance, intensité et liberté. De la lumière andalouse de Turina aux fulgurances de Ginastera, en passant par la poésie de Ponce et l’invention rythmique de Roland Dyens, ce disque affirme une identité artistique forte, celle d’un musicien qui fait de la guitare un véritable instrument de récit.

‍