Sous la direction de Pierre Hantaï, le chœur Taipei Chamber Singers s’associe à Formosa Baroque et à Le Concert Français pour une lecture vivante et profondément inspirée de quatre grandes cantates de Jean-Sébastien Bach (BWV 129, 107, 99 et 137).

Enregistré dans la somptueuse salle du National Kaohsiung Center for the Arts à Taipei, ce projet réunit des solistes germanophones de premier plan, les instrumentistes de Formosa Baroque et une nouvelle génération d’artistes asiatiques, autour d’une exigence stylistique commune. À l’occasion de son retour à la tête du Concert Français, Pierre Hantaï inscrit cette collaboration dans une démarche de transmission et de cohérence musicale.

À travers ce dialogue entre Orient et Occident, l’œuvre de Bach s’affirme comme un langage universel, portée par une interprétation à la fois rigoureuse, raffinée et intensément incarnée.

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Deux sessions d’enregistrement, séparées de plus de trente ans, réunissent les pages majeures que Camille Saint-Saëns a consacrées au violoncelle : le Concerto n° 1 (1872), capté en 1996 avec l’Orchestre Symphonique Français, le rare Concerto n° 2 (1902), enregistré à Budapest en 2022 avec le Hungarian Symphony Orchestra, ainsi que La Muse et le Poète (1910), dialogue lumineux entre violon, violoncelle et orchestre.

Sous l’archet de Marie-Claude Bantigny et la direction de Laurent Petitgirard, ces interprétations révèlent une vision cohérente et intemporelle de Saint-Saëns.

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Fondé par Bruno Procopio, le Jeune Orchestre Rameau (JOR) est un projet musical d’envergure dédié à la redécouverte et à la transmission du répertoire de Jean-Philippe Rameau. Il réunit de jeunes musiciens issus des plus grands conservatoires internationaux, aux côtés de professionnels confirmés, dans une démarche exigeante d’interprétation historiquement informée sur instruments d’époque.

L’ambition du JOR est de constituer un orchestre d’environ 50 musiciens, à l’image de l’orchestre de l’Académie Royale de Musique du temps de Rameau, afin de restituer toute la richesse et la puissance sonore de ce répertoire.

Ses enregistrements, publiés chez Paraty et distribués par PIAS-Universal, ont été largement salués par la critique internationale. Son premier album, Guerre et Paix, a reçu le Prix d’Excellence du disque décerné par la revue Scherzo et a été sélectionné parmi les meilleurs disques de l’année 2022.

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Dans Debussy in Resonance, la pianiste et compositrice Joanna Goodale propose une relecture profondément poétique de l’univers de Claude Debussy, en faisant dialoguer ses œuvres avec ses propres créations pour piano, gongs chinois et bols chantants tibétains. Inspiré par la nature, le rêve et les cultures d’Asie orientale qui ont tant nourri l’imaginaire de Debussy, l’album trace un parcours sensoriel où le son devient espace, souffle et résonance.

Conçu comme une genèse du vivant, le programme chemine de l’eau à la lune, de la terre au sacré, mêlant pages emblématiques de Debussy (Rêverie, Clair de lune, La Cathédrale engloutie, Pagodes) à des compositions originales de Joanna Goodale. L’usage d’instruments rituels, d’objets sonores et de techniques étendues du piano enrichit la palette timbrale, révélant les correspondances mystérieuses entre nature, imagination et spiritualité.

Enregistré dans l’acoustique exceptionnelle de la Salle de Musique de La Chaux-de-Fonds par RTS – Espace 2, Debussy in Resonance est une invitation à l’écoute profonde, à la contemplation et à la reconnexion au vivant — un projet singulier, à la croisée du répertoire classique, de la création contemporaine et des traditions sacrées d’Orient.

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Octetology – Neotango

En 1955, Astor Piazzolla revient à Buenos Aires après deux années décisives à Paris. Nourri par l’enseignement de Nadia Boulanger, l’effervescence du jazz parisien et ses rencontres avec des figures comme Gerry Mulligan, il opère une rupture radicale avec le tango traditionnel. Avec l’Octeto Buenos Aires, Piazzolla invente un tango instrumental, affranchi de la danse et du chant, traversé par le jazz et l’écriture classique : le point de naissance du Tango Nuevo.

Faute de succès immédiat, Piazzolla détruira lui-même les partitions de ce répertoire visionnaire, rendant toute reprise impossible pendant des décennies.
Aujourd’hui, Octetology redonne vie à cette musique disparue grâce à un minutieux travail de recherche et de transcription, restituant les arrangements originaux de l’Octeto. Neotango fait renaître l’un des chapitres fondateurs du tango moderne, dans toute sa force, sa liberté et sa modernité.

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Avec les Variations Goldberg de Johann Sebastian Bach, Fanny Vicens aborde une œuvre fondatrice du répertoire pour clavier à travers le prisme singulier de l’accordéon. Cette transcription s’appuie sur une réflexion approfondie sur le souffle, la continuité du son et la circulation des voix, éléments au cœur de l’écriture de Bach.

L’accordéon, par sa capacité à soutenir et modeler le son, met en lumière la polyphonie, la respiration interne de la musique et l’architecture rigoureuse des variations. Chaque ligne trouve sa place dans un équilibre précis, permettant une lecture claire, articulée et profondément musicale de l’œuvre.

Cette interprétation s’inscrit dans une démarche exigeante et réfléchie, attentive à la structure, au contrepoint et à la dimension méditative des Variations Goldberg. Sans chercher l’effet, Fanny Vicens propose une écoute renouvelée de cette œuvre majeure, où la rigueur formelle dialogue avec une grande liberté de respiration et de timbre.

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Madre Selva est une ode à la nature et à la terre-mère, imaginée par Diana Baroni et Ronald Martin Alonso dans le prolongement de leur désir de relier mémoire, territoires et traditions transmises. Conçu comme un hommage, une offrande et un appel, le programme évoque les forces du vivant — l’eau, la terre, le feu et l’air — ainsi que la responsabilité humaine de préserver ce qui protège et équilibre le monde.

Pensé comme une traversée musicale, l’album réunit un répertoire ancré dans l’héritage ancestral de l’Amérique latine, des Andes au Mexique, des Caraïbes aux plateaux boliviens. Chants en langues indigènes, traditions orales, poésie, rythmes et sources anciennes y dialoguent dans un espace artistique commun où se rencontrent les mémoires au-delà des frontières.

Autour de Diana Baroni, Ronald Martin Alonso et de l’Ensemble Vedado, Madre Selva déploie une alchimie sonore singulière, nourrie par les percussions de Keyvan Chemirani et d’Abraham Mansfarroll, la kora de Tunde Jegede, ainsi que la jarana et les aérophones précolombiens de Rafael Güel Frías. Entre recueillement, célébration et invention, cet album propose une expérience musicale profondément vivante et poétique.

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Dans les Variations Goldberg, Johann Sebastian Bach déploie une architecture musicale d’une richesse et d’une complexité inépuisables, où virtuosité, rigueur et imagination s’entrelacent à chaque instant. Œuvre monument du répertoire pour clavier, elle constitue un véritable défi pour l’interprète, tant sur le plan technique que dans la construction d’un discours musical cohérent et vivant.

Dans cet enregistrement, Bruno Procopio propose une lecture personnelle et profondément réfléchie de ce cycle. Entre clarté des lignes, sens du phrasé et attention portée aux contrastes, il explore la tension constante entre unité et diversité, silence et résonance, donnant à chaque variation une identité propre tout en conservant la cohérence de l’ensemble.

Portée par une vision à la fois analytique et sensible, cette interprétation s’inscrit dans une approche contemporaine du répertoire, où la tradition se nourrit d’une écoute renouvelée. Elle révèle ainsi toute la modernité des Goldberg, œuvre intemporelle où l’individuel et le collectif se répondent avec une intensité singulière.

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Album consacré à , XASAX plays Leoš Janáček propose un parcours riche et contrasté dans l’univers du compositeur tchèque à travers des transcriptions originales pour quatuor de saxophones.

Porté par les personnalités fortes de l’ensemble XASAX (Pierre-Stéphane Meugé, Marcus Weiss, Jean-Michel Goury, Serge Bertocchi), le programme traverse plusieurs cycles emblématiques : chants moraves, œuvres pour piano (Sur un sentier broussailleux), esquisses tardives (Intimes) et extraits de la Messe glagolitique.

Entre écriture vocale, folklore et modernité, ces pièces révèlent toute la singularité du langage de Janáček, ici sublimé par la chaleur et la plasticité sonore des saxophones, dans un dialogue constant entre tradition et réinvention.

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Avec Jeu de rôles, l’ensemble Les Mondes Baroques propose une traversée singulière de la musique française du milieu du XVIIIe siècle, placée sous le signe du métissage et de la curiosité. Au cœur de ce programme se trouvent les sonates pour basse de Joseph Bodin de Boismortier, dont l’écriture hybride mêle goût français et goût italien, formes savantes et inspirations populaires. Ces œuvres dialoguent avec des airs connus, des danses et des chansons issues de sources variées, réunies comme autant de pièces d’un cabinet de curiosités musical.

Autour de ces sonates se déploient Les Sauvages de Jean-Philippe Rameau, Lisette quitté la plaine attribuée à Antoine Albanese, La Curieuse associée à Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville, ainsi que des pièces de Louis-François Joseph Patouart et des Danses de Chypre rapportées par Charles-Henri de Blainville. Certaines pages, chantées en créole haïtien du XVIIIe siècle ou inspirées de traditions extra-européennes, témoignent de la circulation des styles, des récits et des imaginaires à l’époque baroque. La percussion, intégrée de manière dramaturgique, renforce cette dimension narrative et rituelle.

Porté par Anne-Charlotte Dupas et Xavier Marquis, Jeu de rôles réunit un effectif aux couleurs rares : violoncelle, basson, chalumeau, clavecin, archiluth, percussions et contrebasse, auxquels s’ajoute la voix de Julie Roset. L’ensemble Les Mondes Baroques affirme ici une vision vivante et incarnée du répertoire, où l’interprétation s’appuie autant sur la recherche historique que sur la liberté du jeu et de l’imaginaire, faisant résonner la musique française baroque dans toute sa diversité expressive.

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Métamorphoses explore les multiples visages de la mélodie française entre la fin du XIXe siècle et le premier XXe siècle, dans un programme où la poésie et la couleur instrumentale occupent une place centrale. À travers un choix d’œuvres de Debussy, Fauré, Saint-Saëns, Ravel, Taffanel et leurs contemporains, cet album met en lumière une esthétique du changement, de la transformation et du passage, où le texte, la ligne vocale et la flûte dialoguent étroitement.

Le programme associe mélodies célèbres et pages plus rares, révélant la richesse expressive de ce répertoire et la diversité des écritures. Les compositeurs convoqués explorent tour à tour l’intimité du chant, la suggestion poétique, l’élan lyrique ou la transparence impressionniste. La flûte, tour à tour partenaire, prolongement ou commentaire de la voix, contribue à cette impression de mouvement et de métamorphose permanente, soutenue par une écriture pianistique raffinée.

Porté par Belinda Kunz, mezzo-soprano, Sandrine François à la flûte et Valentin Mansard au piano, Métamorphoses s’inscrit dans une tradition de musique de chambre attentive au texte et à la respiration musicale. L’album propose une lecture sensible et structurée de la mélodie française, où l’écoute collective et la clarté du discours servent une traversée poétique cohérente et profondément incarnée.

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Les Sonates oubliées de Charles-François Grégoire de La Ferté accompagnent l’Ensemble La Ferté depuis 2022, année de leur redécouverte et de leur premier déchiffrage. Dès les premières lectures, les musiciens ont été frappés par l’originalité de ce répertoire, profondément personnel, qui ne se rattache ni aux modèles de Rebel, ni à ceux de Jacquet de La Guerre ou de Marchand. Cette musique révèle un langage singulier, nourri de l’héritage lulliste, d’influences italiennes assumées et d’un sens très développé de la danse et de la ligne de basse.

Publié en 1707, le Premier livre de sonates pour violon et basse de La Ferté témoigne d’un moment charnière dans l’histoire de la musique française, où la sonate italienne s’intègre progressivement au goût national. Structuré en deux parties de six sonates, le recueil explore une grande variété de formes, de caractères et de tonalités. Pour cet enregistrement, l’Ensemble La Ferté propose un ordre pensé comme une traversée musicale, respectant les grands pôles harmoniques du recueil tout en mettant en valeur la diversité expressive de chaque sonate.

Fondé par Paulo Castrillo, Manon Chapelle et Nicolas Mackowiak, l’Ensemble La Ferté se consacre à l’exploration du premier répertoire français pour violon et basse continue à travers une approche fondée sur les pratiques historiques. Position basse du violon, tenue d’archet à la française, ornementation inspirée des traités du tournant des XVIIe et XVIIIe siècles, usage du clavecin et de l’orgue positif participent à une lecture vivante et engagée de ces sonates. Ce premier enregistrement constitue à la fois l’aboutissement de plusieurs années de recherche collective et le point de départ d’un projet artistique dédié à la redécouverte d’un patrimoine musical encore largement méconnu.

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Entre Paris et Bruxelles, autour de 1830, la guitare romantique connaît un âge d’or discret mais raffiné. Cet album explore un répertoire rare, situé à la croisée de l’élégance française et du romantisme cosmopolite, à travers des œuvres de Victor Magnien, Marco Aurelio Zani de Ferranti et Napoléon Coste, figures aujourd’hui trop peu présentes au disque mais essentielles à l’histoire de l’instrument.

Pour servir ce programme, Élodie Brzustowski s’appuie sur trois guitares historiques, instruments signés Joseph Klimits (1824), Jean Joseph Coffe-Goguette (vers 1830) et René Lacote (1841), dont les timbres spécifiques éclairent chaque œuvre selon son contexte esthétique et géographique. Fantaisies concertantes, nocturnes bibliques et pièces de caractère composent un parcours sensible, où la guitare devient tour à tour voix lyrique, instrument de salon et soliste virtuose.

À travers ce choix exigeant et cohérent, l’album propose une redécouverte de la guitare romantique comme instrument de narration intime et d’expressivité profonde. Paris – Bruxelles, 1830 s’inscrit ainsi dans une démarche musicologique rigoureuse autant que poétique, offrant un regard renouvelé sur un répertoire à la fois savant, expressif et profondément incarné.

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Cet album réunit sept œuvres contemporaines écrites entre 2018 et 2025 pour sept saxophones différents, toutes issues d’une collaboration directe entre compositeurs et interprète. En plaçant le saxophone au cœur de la création actuelle, ce projet rend hommage à l’héritage d’Adolphe Sax tout en affirmant une orientation résolument tournée vers l’avenir. Chaque pièce explore un visage singulier de l’instrument, de l’alto au baryton, du sopranino au saxophone ténor en ut historique de 1880.

Les compositeurs réunis ici, Christian Lauba, Mayu Hirano, Yumiko Yokoi, Benjamin Attahir, Juan Arroyo, Mathieu Bonilla, Stefano Gervasoni et Víctor Ibarra, développent des langages contrastés, faisant appel aussi bien aux techniques étendues qu’à une écriture fondée sur le souffle, la vibration et la poésie sonore. Certaines œuvres dialoguent avec des références littéraires, spirituelles ou mythologiques, tandis que d’autres interrogent le rapport entre modernité et historicité de l’instrument, notamment à travers l’usage d’un saxophone ancien.

Interprété par Carl-Emmanuel Fisbach, cet enregistrement propose un parcours exigeant et cohérent au sein du répertoire contemporain du saxophone. À la croisée de l’expérimentation, de la virtuosité et de la réflexion esthétique, cet album s’inscrit comme une contribution majeure à l’enrichissement du répertoire soliste de l’instrument, témoignant du rôle central de l’interprète dans la création musicale d’aujourd’hui.

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Ce disque est consacré à la dernière période de l’œuvre pour piano de Franz Liszt, marquée par une écriture dépouillée, introspective et visionnaire. À travers un choix de pièces tardives, le programme explore un Liszt éloigné de la virtuosité démonstrative, tourné vers une esthétique de la concentration, de la fragmentation et du silence. Ces pages, souvent brèves et énigmatiques, annoncent les ruptures du XXe siècle tout en conservant une profonde charge expressive.

Les œuvres réunies ici témoignent d’une recherche formelle radicale, où l’harmonie se libère des cadres traditionnels et où le piano devient un espace de méditation. Entre pièces contemplatives et visions plus sombres, Liszt interroge le temps, la mémoire et la finitude. Ce parcours met en lumière la cohérence d’un langage tardif longtemps marginalisé, aujourd’hui reconnu comme l’un des fondements de la modernité musicale.

Ferenc Vizi aborde ce répertoire avec une attention particulière portée à la clarté du discours, aux résonances et à la respiration du temps musical. Son interprétation privilégie l’équilibre entre rigueur structurelle et liberté poétique, donnant à entendre ces œuvres comme un cheminement intérieur, du recueillement à l’effacement progressif du son.

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L’Enchanteur réunit quatre musiciennes autour d’un répertoire français du tournant des XIXe et XXe siècles, pensé comme un hommage à la flûte et à son pouvoir évocateur. Au cœur du projet se trouve un instrument rare, une flûte Louis Lot de 1869 ayant appartenu à Gaston Blanquart, figure majeure de l’École française de flûte. Cet enregistrement met en regard l’héritage instrumental et les écritures musicales qui ont façonné l’esthétique française moderne, entre impressionnisme, lyrisme et raffinement timbrique.

Le programme traverse les grandes figures du répertoire pour flûte, voix et piano, de Claude Debussy à Maurice Ravel, en passant par Gabriel Fauré, Philippe Gaubert, Albert Roussel, Reynaldo Hahn et Pauline Viardot. La flûte dialogue tour à tour avec le piano, la voix et le violoncelle, explorant des atmosphères contrastées, de la rêverie du Prélude à l’après-midi d’un faune aux couleurs radicales des Chansons madécasses. Certaines œuvres sont proposées dans des versions rares ou inédites, soulignant la cohérence historique et artistique du projet.

Porté par Alice Szymanski à la flûte, aux côtés de Mélanie Bracale au piano, Lucile Richardot mezzo-soprano et Marie Ythier au violoncelle, L’Enchanteur se construit comme un parcours de transmission et de partage. L’album affirme une vision de la musique de chambre où l’écoute mutuelle, la clarté du discours et la mémoire des interprètes d’hier nourrissent une lecture contemporaine, fidèle à l’esprit des œuvres comme à leur liberté expressive.

Enregistré sur le clavecin historique Ioannes Ruckers de 1612, conservé au Musée de Picardie à Amiens, cet album réunit des œuvres majeures de Jan Pieterszoon Sweelinck, William Byrd et Orlando Gibbons. Ce programme met en regard trois figures centrales du clavier européen au tournant des XVIe et XVIIe siècles, dont les langages dialoguent entre l’Angleterre, les Provinces-Unies et les traditions continentales. Le choix de ce Ruckers exceptionnel, restauré avec soin et rarement enregistré depuis plusieurs décennies, éclaire ces œuvres sous un jour sonore fidèle à leur contexte d’origine.

Claveciniste et pédagogue, Hélène Diot propose ici une lecture attentive aux filiations stylistiques et aux pratiques d’écriture propres à chaque compositeur. Les toccatas, fantaisies et variations de Sweelinck révèlent une synthèse personnelle entre influences italiennes et anglaises. Les pièces de Byrd et de Gibbons, issues notamment du Fitzwilliam Virginal Book et du recueil Parthenia, témoignent d’un art du clavier à la fois rigoureux, expressif et profondément lié à la rhétorique musicale de leur temps.

Intitulé Le voyage immobile, ce programme explore les multiples destinations musicales offertes par un même instrument, sans quitter le clavier. Par son tempérament mésotonique, sa disposition et sa richesse de timbres, le Ruckers de 1612 permet de faire entendre les contrastes d’affects, les jeux d’écho et la clarté contrapuntique qui fondent ce répertoire. Cet enregistrement s’inscrit ainsi à la fois comme une contribution à la connaissance du patrimoine instrumental et comme une traversée cohérente de l’âge d’or du clavier européen.

Enregistré sur l’orgue Schnitger (1688) de l’église St. Ludgeri à Norden, Experiencing Vibrations with Buxtehude réunit un choix emblématique de chorals, préludes, toccatas et variations de Dietrich Buxtehude, figure majeure de l’école d’orgue baroque d’Allemagne du Nord. Cet instrument historique, restauré dans le respect de sa facture d’origine, offre une palette sonore exceptionnelle, fondée sur une spatialisation unique et un tempérament mésotonique modifié, particulièrement adapté au langage de Buxtehude.

Organiste et thérapeute en Somatic Experiencing®, Arnaud Van de Cauter aborde ce répertoire comme une expérience sensible du son et de la vibration. Sa lecture met en valeur la rhétorique musicale propre au baroque nord-allemand : alternance des affects, jeux d’écho hérités de Sweelinck, contrastes entre écriture libre et polyphonie rigoureuse. Les œuvres majeures du programme, telles que Nun lob mein Seel’ den Herren, Wie schön leuchtet der Morgenstern, la Passacaglia en ré mineur ou la Toccata en ré mineur, révèlent une écriture profondément liée à l’architecture et à l’acoustique de l’orgue de Norden.

Conçu comme un parcours immersif, cet enregistrement relie patrimoine organistique, recherche interprétative et attention portée à l’expérience corporelle de l’écoute. Plus qu’une simple anthologie, Experiencing Vibrations with Buxtehude propose une approche où la musique devient espace de résonance, mettant en relation l’histoire, l’instrument et l’auditeur dans une continuité vivante.

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