Pianiste franco-suisse d’origine anglo-turque, Joanna Goodale relie le répertoire de musique classique aux musiques sacrées d’Orient. Ses albums parus chez Label Paraty — Bach in a Circle (Bach & musique soufie) et Debussy in Resonance (Debussy & créations pour piano, bols et gongs) — ont été salués par Le Monde, France Musique, RTBF et RTS, et co-produits par la Radio Télévision Suisse (Espace 2) avec le soutien de la Fondation Tempo, de la Fondation Engelberts et de My Big Geneva.

Diplômée d’un Master de piano (Genève) et d’un Master d’anthropologie (Londres), elle a reçu les conseils d’Alice Ader, Alain Kremski, Cédric Pescia, Menahem Pressler et Anne Queffélec, ainsi que le soutien de la Fondation L’ABRI. Inspirée par des pianistes-improvisateurs (Gabriela Montero, Jean-François Zygel, Alain Kremski, Marc Vella, Édouard Ferlet), elle intègre à ses concerts ses propres comprovisations, en résonance avec Bach, Debussy et le grand répertoire pour piano.

Active sur les scènes européennes, Joanna Goodale développe des projets hybrides : Extase en Contrepoints avec le danseur Nour Joseph Gebrael, l’Afshan Trio avec Pouya Khoshravesh (kamantché) et Simon Leleux (percussions), des concerts-lectures avec Leili Anvar, « Les Gourmandises de Satie » avec Pascale Bessard, et un duo kora-piano avec Sankoum Cissokho. Elle mène également des ateliers d’initiation à l’improvisation et au piano préparé dans les écoles, festivals et en marge de ses concerts.

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Formé au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris auprès de Christophe Rousset et Pierre Hantaï, Bruno Procopio mène depuis la fin de ses études une carrière internationale de chef d’orchestre et de claveciniste. Invité dans de grands festivals et salles en Europe, en Amérique latine et en Asie, il s’est produit notamment à l’Edinburgh International Festival, à Bozar, au Théâtre des Champs-Élysées, à la Salle Simón Bolívar, à la Fundação Gulbenkian et au Centro Cultural de Belém à Lisbonne, tout en dirigeant des tournées en Chine, en Inde, en Iran et en Indonésie.

À la tête d’orchestres prestigieux tels que le Brazilian Symphony Orchestra, le Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela, l’Orchestre Philharmonique Royal de Liège, Les Siècles, l’Orchestre National des Pays de la Loire ou l’OSESP, Bruno Procopio développe un parcours marqué par l’exigence artistique et la redécouverte de répertoires. Ses productions lyriques avec le Brazilian Symphony Orchestra, notamment Oro non compra amore de Marcos Portugal et Renaud de Sacchini en coproduction avec la Fondation Bru Zane, ont été saluées par la critique. Au disque, ses enregistrements consacrés à Bach, Rameau, Couperin et Marcos Portugal témoignent de cette même cohérence artistique. Son album Rameau in Caracas, enregistré avec le Simón Bolívar Symphony Orchestra, a notamment reçu un CHOC de Classica et 5 Diapasons.

Pédagogue engagé, Bruno Procopio a fondé le JOR – Jeune Orchestre Rameau, qui réunit en France 55 musiciens venus de 22 pays, et enseigne régulièrement dans plusieurs universités d’Amérique latine, ainsi qu’en Chine et en Italie. En parallèle, il a créé le label Paraty, aujourd’hui distribué mondialement par Universal, qui réunit près de 500 albums et 170 artistes. Récompensé par une Victoire de la Musique Classique en 2010 pour le meilleur disque de l’année, Paraty a récemment été salué par Le Monde pour son modèle économique.

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Fondé à Paris par le gambiste et chef franco-cubain Ronald Martin Alonso, l’Ensemble Vedado est né d’un désir de circulation entre les répertoires, les époques et les cultures. Son nom, emprunté à un quartier emblématique de La Havane, reflète d’emblée une identité artistique ouverte, nourrie par le dialogue entre la musique ancienne, les traditions populaires et la création d’aujourd’hui.

Le parcours de Ronald Martin Alonso éclaire pleinement cette démarche. Formé à La Havane, puis en France, il développe un chemin singulier qui unit l’exigence des pratiques historiquement informées à une sensibilité profondément marquée par le métissage culturel. Avec Vedado, il réunit des artistes venus d’horizons variés autour de programmes où le concert devient un espace vivant de rencontre, de mémoire et de réinvention.

En quelques années, l’Ensemble Vedado s’est affirmé comme une présence originale sur la scène musicale, en France comme à l’international. Ses créations, ses enregistrements et ses résidences témoignent d’un projet cohérent, à la fois exigeant et accessible, porté par une même ambition : faire entendre la musique comme un lieu de transmission, d’émotion et d’ouverture.

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Née à Rosario, en Argentine, Diana Baroni a très tôt fait de la musique un territoire d’exploration. Formée d’abord dans son pays, puis en Europe grâce à une bourse à la Yehudi Menuhin Academy de Gstaad, elle construit depuis un parcours singulier de flûtiste et chanteuse, marqué par une liberté rare face aux répertoires. Son site la présente comme une « musicienne entre les mondes », une formule qui résume avec justesse une trajectoire nourrie à la fois par les musiques anciennes, les traditions populaires de transmission orale, les corpus poétiques et les écritures contemporaines.

Cette identité artistique s’est affirmée au fil de collaborations majeures et d’un travail de fond sur les croisements esthétiques. Membre fondatrice de l’ensemble Café Zimmermann, Diana Baroni appartient à une génération d’interprètes qui ont profondément marqué la scène baroque, tout en développant en parallèle des projets personnels ouverts à d’autres imaginaires musicaux. Son univers fait dialoguer musique baroque, répertoires latino-américains, création contemporaine et formes hybrides, avec une même attention à la couleur, à la mémoire et à la présence scénique.

Artiste de scène, de transmission et de création, Diana Baroni est également régulièrement invitée comme pédagogue par des institutions telles que le Centre de musique baroque de Versailles, la Dartington International Summer School ou l’Académie internationale de Sablé. Ses albums et projets, salués par plusieurs médias spécialisés, prolongent cette démarche d’exploration et de passage entre les cultures. À travers eux, elle affirme une voix profondément personnelle, qui fait de chaque programme non pas un simple assemblage de répertoires, mais un véritable paysage à traverser.

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Fondé en 1975 au sein d’El Sistema, le Simón Bolívar Symphony Orchestra s’est imposé comme l’un des grands symboles de la vie musicale vénézuélienne et comme un ambassadeur international d’une vision de la musique à la fois artistique, collective et profondément formatrice. Né de l’impulsion de José Antonio Abreu, l’orchestre s’est construit dans un dialogue constant entre excellence orchestrale, transmission et ouverture au monde.

Depuis la nomination de Gustavo Dudamel à sa direction musicale en 1999, son rayonnement n’a cessé de s’élargir, avec des tournées marquantes dans les grandes salles et festivals d’Europe et d’Amérique, du Carnegie Hall aux BBC Proms, en passant par Salzbourg, Berlin, Paris, Madrid ou Londres. L’ensemble a également collaboré avec des chefs majeurs comme Claudio Abbado, Sir Simon Rattle, Daniel Barenboim, Krzysztof Penderecki, Esa-Pekka Salonen ou Lorin Maazel, affirmant un profil orchestral à la fois virtuose, engagé et immédiatement reconnaissable.

Au sein du catalogue Paraty, cette aventure prend une couleur singulière avec Rameau in Caracas, projet né de la rencontre avec Bruno Procopio autour d’un programme entièrement consacré à Jean-Philippe Rameau. Pour les musiciens vénézuéliens, cette immersion dans le baroque français a constitué une expérience fondatrice, révélant la curiosité, la souplesse stylistique et l’énergie collective qui caractérisent l’orchestre.

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Sébastien Llinares s’est construit à la croisée de plusieurs mondes musicaux. Formé dans la lignée de l’école espagnole auprès de Rafael Andia à l’École Normale de Musique de Paris, il développe un parcours qui dépasse les frontières habituelles de la guitare classique. Son travail puise aussi bien dans les musiques anciennes que dans le jazz, les répertoires populaires ou la création, avec une même exigence de clarté, de style et de liberté.

Au fil des années, il affirme une identité d’interprète, d’arrangeur, de transcripteur et de compositeur. Son site met en avant une démarche personnelle où se rencontrent, sans effet de collage, des univers aussi divers que Satie, Turina, Gershwin, Hendrix ou Rufus Wainwright. Cette capacité à faire dialoguer les langages donne à son parcours une couleur singulière : celle d’un musicien qui ne se limite pas à interpréter les œuvres, mais cherche à les faire résonner dans un idiome qui lui est propre.

Artiste de scène et passeur de musique, Sébastien Llinares est également producteur de l’émission Guitare, guitares sur France Musique. À travers ses concerts, ses enregistrements et son travail de diffusion, il défend une vision ouverte de la guitare, à la fois savante et accessible, nourrie par la curiosité, l’écoute et le goût des passages entre les styles.

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Très tôt distingué par un double Premier Prix de piano et de musique de chambre au Conservatoire national supérieur de musique de Paris, Laurent Cabasso s’inscrit dans une filiation pianistique française d’excellence, nourrie ensuite par l’enseignement de Maria Curcio-Diamand. Lauréat de grands concours internationaux, notamment Géza Anda à Zurich, Tokyo et Clara Haskil, il construit dès lors un parcours de soliste et de musicien de chambre qui l’amène sur de nombreuses scènes en Europe, au Japon et aux États-Unis.

Au fil des années, Laurent Cabasso s’est imposé comme un interprète reconnu pour la profondeur de son approche et l’étendue de son répertoire. Sa discographie, de Beethoven à Prokofiev, de Schumann à Bach, a été régulièrement saluée par la critique, avec notamment un Grand Prix du Disque de l’Académie du disque français, plusieurs distinctions majeures dans la presse spécialisée, ainsi qu’un accueil particulièrement remarqué pour ses enregistrements en solo. Son parcours dessine celui d’un musicien qui conjugue exigence stylistique, liberté d’interprétation et fidélité aux œuvres.

Cette trajectoire artistique s’accompagne d’un engagement durable pour la transmission. Professeur au CRR de Strasbourg depuis 1993, puis au CNSM de Paris et au CNSMD de Lyon, Laurent Cabasso occupe une place importante dans la formation de nouvelles générations de pianistes. Concertiste, chambriste et pédagogue, il incarne ainsi une figure de musicien complet, dont l’autorité artistique s’est construite dans le temps, entre scène, studio et enseignement.

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Constance Luzzati appartient à cette génération d’interprètes qui élargissent leur instrument autant qu’elles l’habitent. Harpiste soliste, musicologue et conférencière, elle a fait de la transcription de la musique ancienne et de la création contemporaine le cœur de son parcours. Dans le prolongement de son doctorat d’interprète, elle a notamment adapté à la harpe des œuvres de Rameau, Couperin, Royer, Forqueray, Duphly, Scarlatti et Bach, construisant ainsi un chemin singulier où la recherche nourrit directement la scène.

Cette démarche a donné lieu à des projets remarqués au disque comme au concert. Ses albums Enharmonique (2023), consacré à Rameau, et Jupiter (2024) ont été salués par la critique, de Classica à Télérama et Mediapart. Dédicataire d’œuvres pour harpe seule de Bruno Mantovani et d’Édith Lejet, elle défend également la création d’aujourd’hui et a créé récemment des œuvres de Vincent Trollet et Joséphine Stephenson. En soliste, elle s’est produite à la Philharmonie de Paris, à la Maison de la Radio et au Petit Palais, ainsi que dans de nombreux festivals en France et à l’étranger, en Europe, au Japon et aux États-Unis.

À cette trajectoire d’interprète s’ajoute un engagement fort pour la transmission et la pensée musicale. Lauréate de six concours internationaux, distinguée notamment par les Avant-scènes du CNSMDP, Cultures France, la Fondation Marcel Bleustein-Blanchet et le prix Tissier-Grandpierre, Constance Luzzati enseigne l’histoire de la musique au Conservatoire de Paris – CNSMDP depuis 2021. Son parcours, nourri aussi par le théâtre et par des formes scéniques mêlant musique, texte et arts du cirque, dessine le portrait d’une artiste complète, pour qui jouer, transmettre et inventer procèdent d’un même élan.

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Fondé en 1992, le Taipei Chamber Singers s’est progressivement imposé comme l’un des ensembles vocaux de référence en Asie. D’abord constitué comme ensemble vocal, puis développé en chœur de chambre avant d’élargir encore son spectre artistique, le groupe s’est construit sur une même exigence : faire dialoguer excellence vocale, curiosité stylistique et ouverture aux répertoires. Cette trajectoire de plus de trente ans a donné naissance à une identité forte, portée par une pratique chorale à la fois précise, souple et résolument tournée vers la scène internationale.

Sous l’impulsion de ses directrices et directeurs artistiques successifs, le Taipei Chamber Singers a développé un répertoire allant de la musique ancienne à la création contemporaine, tout en affirmant une attention particulière à la musique chorale moderne. L’ensemble a remporté plus de distinctions internationales que tout autre chœur taïwanais, et a été le premier ensemble de Taïwan invité aux ISCM-ACL World Music Days à Hong Kong en 2007, avant de participer au World Symposium on Choral Music au Danemark en 2008. Ce parcours a contribué à inscrire durablement son nom parmi les formations chorales les plus remarquées du continent.

Aujourd’hui, le Taipei Chamber Singers poursuit ce travail de rayonnement par des collaborations d’envergure et une présence active dans les grands projets vocaux. Son activité récente témoigne de cette vitalité, notamment à travers des productions distinguées comme sa collaboration autour des cantates de Bach, ou encore sa reconnaissance aux Golden Melody Awards for Traditional Arts and Music. À travers ce chemin construit dans la durée, l’ensemble affirme une ligne artistique lisible : faire entendre, depuis Taïwan, une voix chorale exigeante, contemporaine et profondément ouverte sur le monde.

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La Chacana est un ensemble imaginé et dirigé par Pierre Hamon, né d’une recherche de longue haleine autour des gestes, des souffles et des sons fondamentaux de l’humanité. Son nom renvoie à un symbole sacré très ancien des cultures andines, lié aux civilisations incas et pré-incas. Le projet explore les mondes sonores des traditions précolombiennes, amérindiennes et andines, en les mettant en dialogue avec les répertoires anciens européens.

Flûtiste, compositeur et chercheur, Pierre Hamon a participé depuis les années 1980 au développement des musiques anciennes en France, notamment dans les répertoires médiévaux et renaissants. Collaborateur régulier de Jordi Savall depuis 1995, professeur au CNSMD de Lyon, il mène depuis de nombreuses années un travail singulier sur les flûtes anciennes, les instruments du monde et les traditions orales, jusqu’aux univers précolombiens et amérindiens.

Autour de lui, La Chacana réunit des artistes issus de pratiques complémentaires : voix, flûtes, percussions, guitare Renaissance, vihuela, harpes et instruments andins. Avec Clémence Niclas, Ananda Brandão, Bor Zuljan et Louis Capeille, l’ensemble construit un langage à la croisée de la recherche, de l’imaginaire et de la création, où les sources anciennes, les instruments conservés et les héritages vivants ouvrent un espace sonore entre mémoire, rituel et transmission.

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Alice Szymanski appartient à cette génération de musiciennes qui font de la curiosité un véritable fil conducteur. Diplômée des CNSMD de Lyon et de Paris, ainsi que de la Haute École de Musique de Genève en musique ancienne sur flûtes historiques, elle développe un parcours où la flûte moderne, le piccolo, le traverso et l’improvisation coexistent avec une rare fluidité. Son site la présente comme une « flûtiste curieuse et audacieuse », une formule qui résume bien une trajectoire construite dans l’ouverture des répertoires, du baroque à la création contemporaine.

Au fil de ce parcours, Alice Szymanski affirme une identité d’interprète particulièrement souple, attentive autant aux langages anciens qu’aux écritures d’aujourd’hui. Elle se produit aussi bien en musique de chambre qu’au sein d’ensembles et d’orchestres, et développe des projets personnels qui prolongent cette exigence d’exploration. Parmi eux, le Trio Zerline, fondé en 2017, défend à la fois la singularité du répertoire pour flûte, alto et harpe et la création de nouvelles œuvres, révélant une musicienne engagée dans la vie du répertoire autant que dans son renouvellement.

À cette activité de concertiste s’ajoute un engagement fort pour la transmission. Titulaire du Certificat d’Aptitude, Alice Szymanski enseigne au CRR de Toulouse depuis 2018, tout en accompagnant de jeunes musiciens dans leur formation pédagogique et artistique. Lauréate de la bourse Yamaha, soutenue par l’Adami, elle poursuit ainsi un parcours où l’interprétation, la recherche instrumentale et l’enseignement avancent de concert, dans une même fidélité au son, au style et au partage

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Né du compagnonnage artistique d’Aurélienne Brauner et Lorène de Ratuld, Au bord du rêve s’inscrit dans le prolongement d’une collaboration commencée au CNSMD de Paris et approfondie dès 2011 avec la fondation du Duo Luperca. Après un premier enregistrement consacré aux grandes sonates de l’école française, les deux musiciennes ont choisi d’emprunter un tout autre chemin : celui d’un recueil poétique de formes brèves, conçu comme un espace d’apaisement, de suspension et d’évasion intérieure.

Cette poésie du programme s’appuie sur deux parcours de haut niveau. Aurélienne Brauner, nommée super-soliste à l’Orchestre National de France en 2021, mène une carrière remarquée en soliste et en musique de chambre sur les grandes scènes internationales. Lorène de Ratuld, formée au CNSMD de Paris auprès notamment de Brigitte Engerer, défend un vaste répertoire allant de la période romantique à la musique française, tout en accordant une place importante aux œuvres rares et aux compositeurs d’aujourd’hui. Ensemble, elles font de Au bord du rêve bien davantage qu’un simple album : une traversée sensible, portée par l’exigence musicale et par un imaginaire commun.

Formée au CRR de Boulogne-Billancourt puis au CNSMD de Lyon auprès d’Hortense Cartier-Bresson, Marie Vermeulin a également approfondi son parcours auprès de Lazar Berman en Italie, avant de se perfectionner auprès de Roger Muraro. Très tôt distinguée dans de grands concours internationaux, notamment à Barcelone et au Concours Olivier Messiaen, elle s’est imposée comme une pianiste dont le parcours conjugue exigence, singularité et profondeur stylistique.

Au fil des concerts, Marie Vermeulin a construit une identité artistique particulièrement reconnaissable, à la croisée du grand répertoire, de la musique française du XXe siècle, de la création contemporaine et des œuvres plus rares. Plusieurs biographies de référence soulignent à la fois la sensibilité de ses interprétations, l’étendue de sa palette de couleurs et son engagement constant pour des répertoires moins fréquentés, notamment celui des compositrices. Cette ligne artistique se prolonge naturellement au disque, avec des enregistrements consacrés notamment à Messiaen, Debussy, Schumann ou encore à des programmes plus singuliers, toujours portés par un regard personnel.

Artiste de scène, Marie Vermeulin se produit en récital, en musique de chambre et avec orchestre, sur des scènes et dans des festivals en France comme à l’international. Son parcours dessine ainsi le portrait d’une musicienne qui ne se contente pas d’habiter le répertoire : elle le relit, l’éclaire et l’élargit, avec une fidélité rare à la fois au texte, au son et à l’esprit des œuvres.

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L’Ensemble Hexaméron est une formation à géométrie variable sur instruments anciens, réunie autour d’un noyau associant pianoforte, flûte, violon et violoncelle. Depuis sa fondation en 2016, son travail porte sur la musique de chambre avec piano de la fin du XVIIIe au XIXe siècle, en lien avec les pratiques historiques d’interprétation, d’arrangement et de circulation du répertoire.

Son nom renvoie à l’Hexaméron, œuvre collective composée par Liszt, Chopin, Thalberg, Pixis, Herz et Czerny pour le salon parisien de la Princesse de Belgiojoso. Cette référence situe le projet de l’ensemble dans l’univers du salon romantique, lieu de transformation musicale où opéras, concertos, symphonies, pièces de chambre et transcriptions circulaient dans des formats adaptés à l’écoute privée.

Pour son premier album chez Paraty, Weber – Eine Welt in meinem Innern, l’Ensemble Hexaméron prolonge cette recherche autour de Carl Maria von Weber. Le programme fait dialoguer musique de chambre, lieder, airs écossais, extraits d’Oberon et arrangement du Konzertstück, avec Luca Montebugnoli, Roldán Bernabé-Carrión, Nicolas Bouils, Amaryllis Jarczyk, Coline Dutilleul et David Witczak.

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Né à Matsuyama, au Japon, Iori Hayashi se forme d’abord au piano à l’Université des Arts de Kyoto, avec l’ambition de devenir pianiste spécialisé dans la musique romantique. Sa rencontre avec le clavecin, puis avec la musique de Jacques Duphly — en particulier Les Grâces — marque un tournant décisif : cette révélation l’amène à quitter le piano pour se consacrer pleinement au clavecin. Iori HAYASHI

Installé en France depuis 2014, il poursuit sa formation au CNSMD de Lyon auprès de Jean-Marc Aymes, Yves Rechsteiner et Dirk Börner, puis au CNSMD de Paris auprès d’Olivier Baumont et Blandine Rannou, où il obtient en 2019 son Master avec la mention Très Bien à l’unanimité et les Félicitations du jury. Il se perfectionne également auprès de Christophe Rousset, Pierre Hantaï, Skip Sempé et Bibiane Lapointe.

Son parcours s’affirme ensuite sur scène et dans les médias : en 2020, il est invité comme soliste par l’Orchestre Symphonique Royal du Maroc pour trois concerts autour du Concert champêtre de Francis Poulenc ; en 2022, il interprète Duphly sur France Musique dans l’émission Générations France Musique, le Live. Avec Révélations, il revient à l’œuvre qui a orienté son destin musical, dans un programme consacré aux Pièces de clavecin de Jacques Duphly, enregistré au Studio Sequenza sur un clavecin Marc Ducornet d’après Ruckers-Taskin.

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Né au CNSMD de Lyon dans la classe de Pierre Hamon, le Consort Brouillamini s’est construit autour d’un projet rare : faire du consort de flûtes à bec un espace de recherche, de vitalité sonore et de liberté de répertoire. Réunissant cinq flûtistes, l’ensemble s’est d’abord spécialisé dans les musiques de la Renaissance, avant d’affirmer une identité plus large, fondée sur ses propres transcriptions d’œuvres de la Renaissance et du baroque, ainsi que sur un engagement réel en faveur de la création contemporaine.

Très vite, ce travail a été distingué à la fois par les jurys et par le public : 1er prix du Concours international des Journées de Musiques Anciennes de Vanves en 2016, prix du public de la saison musicale 2014/2015 du Musée de Grenoble, ainsi que 1er prix et prix du public au Concours international de musique ancienne de Gijón en 2012. À travers ces reconnaissances, le Consort Brouillamini a affirmé une signature immédiatement identifiable, saluée aussi pour son homogénéité sonore et son sens du collectif.

Leur parcours au disque prolonge cette exigence. Leur premier album, Flûtes en fugue, consacré à leurs propres transcriptions d’œuvres de Bach, a été remarqué par la presse et les radios, tandis que The Woods so Wild, dédié au répertoire instrumental anglais de la Renaissance à Purcell, a reçu un Opus d’or en 2020. Régulièrement invité dans de nombreux festivals en France et à l’étranger, le Consort Brouillamini s’impose aujourd’hui comme un ensemble qui conjugue rigueur historique, esprit d’invention et présence scénique.

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Pianiste parmi les plus reconnus de la scène portugaise, Filipe Pinto-Ribeiro a construit un parcours où l’activité de soliste, la musique de chambre et la direction artistique se rejoignent naturellement. Un moment décisif de cette trajectoire survient en 2006, lorsqu’il fonde à Lisbonne le DSCH – Shostakovich Ensemble, en hommage à Dmitri Chostakovitch, dont l’ensemble reprend la célèbre signature musicale. Dès l’origine, le projet se distingue par une ambition claire : créer une formation de géométrie variable capable de réunir, autour de grands répertoires, des musiciens d’exception venus de différents horizons.

Au fil des années, le DSCH – Shostakovich Ensemble s’est imposé comme l’un des projets chambristes les plus marquants de son paysage musical, avec une activité régulière en Europe et une identité artistique fondée sur l’excellence collective. Installé à Lisbonne, l’ensemble a accueilli au fil de ses programmes plusieurs interprètes de tout premier plan et a développé une discographie remarquée. En 2018, il entame celle-ci avec ce qui est présenté comme le premier enregistrement mondial de l’intégrale de la musique de chambre avec piano et cordes de Chostakovitch, confirmant la cohérence d’un projet qui associe exigence musicologique, rayonnement international et intensité de la scène.

Cette aventure collective éclaire aussi le profil singulier de Filipe Pinto-Ribeiro : celui d’un musicien qui ne se limite pas à l’interprétation, mais qui conçoit des cadres artistiques durables, capables de faire dialoguer les œuvres, les artistes et les publics. À travers le DSCH – Shostakovich Ensemble, il affirme une vision de la musique de chambre à la fois exigeante, ouverte et profondément incarnée, portée depuis près de vingt ans par une même fidélité au répertoire et à l’esprit du partage musical.

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Fondé en 1989, l’Ensemble Orchestral Contemporain s’est imposé parmi les premiers ensembles indépendants français entièrement dédiés à la musique contemporaine. Au fil des créations, des tournées et des commandes, il a construit une place singulière dans le paysage musical, avec plus de 700 œuvres à son répertoire, dont 300 premières. Réunissant une quinzaine d’instrumentistes capables d’assumer aussi bien le jeu collectif que le rôle de soliste, l’EOC défend une vision ouverte de la création, où le concert instrumental dialogue aussi avec l’électroacoustique, la danse, l’opéra, la littérature ou les arts visuels.

Depuis janvier 2020, cette dynamique est portée par Bruno Mantovani, directeur artistique et musical de l’ensemble. Compositeur, chef d’orchestre, pédagogue et musicologue, formé au CNSMD de Paris puis à l’Ircam, il mène depuis les années 1990 un parcours international remarquable. Ses œuvres ont été jouées dans des lieux majeurs comme le Concertgebouw d’Amsterdam, la Philharmonie de Berlin, la Scala de Milan, le Carnegie Hall ou la Philharmonie de Paris, tandis que son activité de chef l’amène à diriger aussi bien des ensembles spécialisés que de grands orchestres. Cette double expérience, à la fois de créateur et d’interprète, donne à son compagnonnage avec l’EOC une cohérence particulièrement forte.

À travers cette rencontre entre un ensemble de création et une figure majeure de la musique d’aujourd’hui, se dessine un projet artistique lisible : défendre la musique des XXe et XXIe siècles avec exigence, imagination et esprit de transmission. Ancré dans la Loire, reconnu bien au-delà de son territoire, l’EOC poursuit en parallèle un travail important de médiation, de formation et de découverte, afin d’ouvrir la création musicale à tous les publics. Cette alliance entre rayonnement, curiosité et engagement fait aujourd’hui de l’Ensemble Orchestral Contemporain et de Bruno Mantovani un tandem particulièrement marquant de la scène contemporaine française.

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