Formée au CRR de Paris puis au CNSM de Paris auprès de Billy Eidi, Patrick Cohen, Pierre Cazes et Kenneth Weiss, Natalia Valentin a ensuite approfondi son travail auprès de Susan Alexander-Max et Arthur Schoonderwoerd. Très tôt récompensée par plusieurs Premiers Prix, elle développe un parcours centré sur l’interprétation sur instruments historiques, avec une attention particulière au pianoforte et aux pratiques d’exécution des XVIIIe et XIXe siècles.

Ce qui distingue son parcours est la manière dont elle articule recherche, scène et transmission. Le site de Paraty souligne son engagement en faveur d’une pédagogie moderne du pianoforte, fondée sur les traités, les méthodes et les témoignages d’époque. Cette identité s’incarne aussi dans ses activités récentes : la Philharmonie de Paris la présente comme une spécialiste des pianos historiques, tandis que plusieurs institutions l’invitent pour des conférences, master-classes et projets pédagogiques consacrés à l’histoire et à l’évolution du pianoforte.

À cette dimension de pédagogue s’ajoute une activité de concertiste nourrie de collaborations et de projets transversaux. La biographie publiée par Paraty évoque notamment plus de trente concerts en Europe et dans les Amériques en partenariat avec le Palazzetto Bru Zane, témoignant d’un parcours international déjà solidement construit. Pianiste et pianofortiste, Natalia Valentin affirme ainsi une ligne artistique claire : redonner voix aux claviers historiques tout en les inscrivant dans une relation vivante avec les publics d’aujourd’hui.

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Fondé en 2007 à l’initiative de Sheikha Moza bint Nasser, le Qatar Philharmonic Orchestra s’est rapidement imposé comme l’une des grandes institutions culturelles du Golfe et du Moyen-Orient. Son concert inaugural, dirigé par Lorin Maazel en 2008, donnait déjà la mesure de cette ambition : construire depuis Doha un orchestre de niveau international, capable de porter une identité artistique à la fois exigeante et ouverte.

Ce qui singularise le Qatar Philharmonic Orchestra est sa mission même : faire dialoguer la tradition symphonique occidentale et le patrimoine musical arabe, afin d’inspirer les publics du Qatar et du monde arabe. Cette ligne artistique, au cœur de son projet, se traduit par un orchestre international rassemblant aujourd’hui 78 musiciens issus de 28 pays, et par une activité qui associe répertoire classique, créations, médiation et rayonnement culturel.

Au fil de plus de 500 concerts, le Qatar Philharmonic Orchestra a porté cette vision sur de grandes scènes internationales telles que La Scala de Milan, le Konzerthaus de Vienne, le Théâtre des Champs-Élysées, Santa Cecilia à Rome, le Kennedy Center à Washington ou encore le Royal Albert Hall à Londres. À travers ce parcours, l’orchestre affirme une place singulière : celle d’un ensemble qui ne se contente pas de représenter un pays, mais qui incarne un véritable projet de dialogue culturel par la musique.

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Né en Argentine, Silas Bassa découvre le piano à l’âge de cinq ans et donne très tôt ses premiers concerts publics, avant de poursuivre sa formation au Conservatoire national de Buenos Aires auprès d’Aldo Antognazzi. Un tournant décisif intervient lorsqu’il est remarqué lors de masterclasses de Bruno Gelber, qui lui permettent de venir travailler en Europe. Installé à Paris à partir de 2002, après sa rencontre avec la pédagogue Monique Deschaussées, il construit peu à peu un parcours singulier de pianiste classique et de compositeur-interprète.

Ce qui distingue son chemin, c’est précisément cette volonté de ne pas se limiter au récital traditionnel. Son site insiste sur une démarche personnelle qui mêle interprétation du grand répertoire, composition, et création de concerts-performances associant parfois musique, danse, vidéo ou théâtre. Cette ouverture a trouvé un premier aboutissement marquant avec Oscillations en 2015, album publié chez Paraty et distribué par Harmonia Mundi, salué par la critique, porté à la première place des ventes Fnac en musique classique contemporaine et retenu par France Musique parmi les meilleurs disques de l’année. Il est ensuite invité par Katia et Marielle Labèque à participer à la soirée “Labèque and friends” à la Maison de la Radio à Paris.

Depuis, Silas Bassa poursuit une trajectoire de plus en plus personnelle, entre récitals, créations scéniques et albums centrés sur son propre univers musical, comme Dualità, Silas et SELF. Son parcours dessine ainsi le portrait d’un artiste qui fait dialoguer la rigueur d’une formation classique avec une recherche de liberté formelle, dans un langage où se rencontrent poésie, énergie et imaginaire.

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Né en 1964 dans une famille d’artistes, Pierre Hantaï découvre très tôt la musique de Bach, qui devient le point de départ d’un parcours décisif. D’abord autodidacte sur un petit clavecin, il approfondit ensuite sa formation auprès d’Arthur Haas, puis à Amsterdam avec Gustav Leonhardt, dont l’influence marque durablement son rapport à l’instrument et au répertoire. De cette naissance presque intérieure à la musique est issue l’une des trajectoires les plus singulières du clavecin contemporain.

Très vite, Pierre Hantaï s’impose comme une figure majeure de l’interprétation sur instruments anciens. Son activité de récitaliste, de chambriste et de chef l’a conduit dans les grandes salles et festivals internationaux, tandis que sa discographie a largement contribué à faire rayonner son art. Son site officiel met en avant une relation particulièrement profonde à Bach, mais aussi à Scarlatti, Couperin ou Rameau, au fil d’enregistrements devenus des références. Cette autorité artistique s’appuie moins sur l’effet que sur une pensée du son, du style et de la liberté d’interprétation, qui fait de chacun de ses programmes une expérience intensément incarnée.

À travers ce parcours, Pierre Hantaï apparaît comme un musicien qui a su faire du clavecin un instrument pleinement vivant pour les scènes d’aujourd’hui. Ses concerts, tels qu’ils sont présentés sur son site, témoignent d’une présence internationale toujours active, avec des récitals et projets de musique de chambre programmés encore en 2026. Cette fidélité au concert, alliée à une exigence artistique rare, explique la place éminente qu’il occupe depuis plusieurs décennies dans le monde de la musique baroque.

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Formée au Conservatoire de Bordeaux puis au Conservatoire national supérieur de musique de Paris auprès de Ventsislav Yankov, Véronique Bonnecaze a également poursuivi son travail auprès de Germaine Mounier, Vladimir Nielsen et Oxana Yablonskaya à la Juilliard School de New York. Très tôt remarquée dans plusieurs concours internationaux, elle a construit un parcours de pianiste concertiste fondé sur une exigence de style, une culture du son et une relation directe avec le public, au cœur même de sa démarche artistique.

Au fil des années, elle s’est affirmée comme une interprète fidèle au grand répertoire romantique et français, avec une discographie saluée par la critique. Son site officiel met en avant cette recherche d’une interprétation où le respect de la partition se conjugue avec une expression profondément personnelle, dans une volonté d’échange avec l’auditeur. Cette ligne artistique se prolonge aussi dans ses récitals, ses enregistrements et ses projets plus récents, notamment autour de son album Moments musicaux.

À cette activité de concertiste s’ajoute un engagement durable pour la transmission. Véronique Bonnecaze enseigne le piano à l’École normale de musique de Paris – Alfred Cortot, où elle a également eu la charge des Concerts de Midi et Demi. Son parcours dessine ainsi le portrait d’une musicienne complète, à la fois interprète, pédagogue et passeuse de répertoire, dont l’autorité artistique s’est construite dans le temps entre scène, studio et enseignement.

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Fondé en 2010, le Quatuor Tana s’est imposé comme l’un des quatuors les plus singuliers de sa génération, en faisant du quatuor à cordes un laboratoire pour le XXIe siècle. Dès ses débuts, l’ensemble a choisi de faire dialoguer le grand répertoire et la création contemporaine, non comme deux mondes séparés, mais comme un même champ d’exploration. Cette ligne artistique lui a permis de construire un parcours immédiatement identifiable, fondé sur la curiosité, l’engagement auprès des compositeurs et une vision résolument vivante de la musique de chambre.

Au fil des années, le Quatuor Tana est devenu un acteur majeur de la musique contemporaine, en créant plus de 250 œuvres et en collaborant étroitement avec des compositeurs tels qu’Ivan Fedele, Philippe Hurel, Hèctor Parra, Franck Bedrossian, Raphaël Cendo ou Yann Robin. Son parcours a été distingué par de nombreuses récompenses, parmi lesquelles le Fuga Prize de l’Union des compositeurs belges, un Octaves de la Musique pour la musique contemporaine, un Coup de Cœur de l’Académie Charles Cros et un Prix HSBC au Festival d’Aix-en-Provence. Sa discographie a également fortement contribué à son rayonnement, notamment avec Shadows, l’intégrale des quatuors de Philip Glass et, plus récemment, Bleu Ébène.

Composé aujourd’hui d’Antoine Maisonhaute et Selinsu Düz aux violons, Ondine Simon à l’alto et Jeanne Maisonhaute au violoncelle, le Quatuor Tana affirme une identité qui conjugue excellence instrumentale, recherche et ouverture. Sa présence régulière sur les scènes internationales, de la Philharmonie de Paris au Festival d’Aix-en-Provence, confirme la place qu’il occupe désormais dans le paysage musical européen : celle d’un ensemble capable de réinventer le quatuor à cordes sans jamais rompre le lien avec son héritage.

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Marie-Claude Bantigny s’inscrit dans la lignée des grands violoncellistes français, après une formation marquée notamment par l’enseignement de Maurice Gendron, André Navarra et Roland Pidoux, au CNSM de Paris, où elle obtient un Premier Prix de violoncelle et de musique de chambre. Très tôt, son parcours se construit à la rencontre de l’exigence instrumentale et d’une recherche artistique plus intérieure, nourrie par le goût du répertoire, de la parole et de la transmission.

Cette singularité s’exprime autant dans sa carrière orchestrale que dans ses projets personnels. Violoncelle solo de l’Orchestre Colonne, elle mène parallèlement un travail de concertiste en récital et en musique de chambre, avec une attention particulière aux programmes porteurs de sens. Son premier album, Je est un autre, conçu autour d’Arthur Rimbaud, de Bach, Eric Tanguy et Laurent Petitgirard, révèle cette démarche : faire dialoguer musique et texte, passé et présent, dans un même espace poétique et spirituel. Plus récemment, son enregistrement de l’intégrale des sonates de Brahms avec Karolos Zouganelis a été présenté comme unanimement salué par la critique.

À travers ce parcours, Marie-Claude Bantigny affirme le profil d’une musicienne à la fois sobre, généreuse et profondément habitée par son art. Interprète, chambriste et pédagogue, elle construit une trajectoire fidèle à une certaine idée de la musique : exigeante dans la forme, libre dans l’inspiration, et toujours tournée vers une expérience sensible et partagée.

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Figure majeure de la musique ancienne en France, Martin Gester mène depuis plusieurs décennies un parcours où se rejoignent l’orgue, le clavecin, le pianoforte, la direction et la transmission. Formé à Strasbourg, il a très tôt développé une double culture de musicien et de lettré, avant de fonder en 1990 l’ensemble Le Parlement de Musique, qui deviendra l’un des axes structurants de son travail. Cette trajectoire dessine le portrait d’un artiste pour qui l’interprétation, la recherche de répertoire et la construction de projets vont de pair.

Au fil des années, Martin Gester s’est imposé comme un interprète et chef particulièrement engagé dans la redécouverte des musiques baroques et classiques, à la tête de projets menés avec Le Parlement de Musique, Génération Baroque ou encore Arte dei Suonatori. Sa discographie, riche de plusieurs dizaines d’enregistrements, a été largement saluée par la critique, avec notamment des distinctions majeures pour certains enregistrements consacrés à Charpentier, à la Passion selon saint Matthieu de 1667 retrouvée à Uppsala, ou plus récemment à J. S. Bach, avec la parution en juin 2025 des 18 Chorals de Leipzig et des Variations canoniques.

À cette activité de concertiste et de chef s’ajoute un engagement constant pour l’enseignement. Ancien responsable du département de musique ancienne du Conservatoire de Strasbourg, Martin Gester poursuit aujourd’hui encore une intense activité de récitals, concerts, académies et masterclasses. Son parcours affirme ainsi une fidélité rare à la scène comme à la transmission, dans un rapport à la musique ancienne qui allie exigence stylistique, imagination sonore et esprit de partage.

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Les Fleurs Noires sont un orchestre féminin de tango contemporain réunissant dix musiciennes argentines et françaises autour de la pianiste et compositrice Andrea Marsili. L’ensemble s’est imposé par une identité très singulière : un tango d’aujourd’hui, nourri de ses racines, mais ouvert à d’autres langages, loin des clichés du tango traditionnel comme de l’électro-tango.

Au cœur du projet, Andrea Marsili transforme l’essence du tango en une écriture actuelle, traversée par de nouveaux timbres, des espaces d’improvisation et des influences venues notamment de la musique expérimentale, du post-minimalisme et du jazz. De cette matière naît une musique sensuelle, nerveuse, contrastée, portée par la diversité culturelle et la forte personnalité des interprètes.

Avec Tangos aumentados, cinquième album annoncé en 2026, Les Fleurs Noires affirment plus que jamais cette ligne artistique audacieuse : un orchestre de haute tenue, profondément collectif, qui fait de la scène un lieu d’invention, d’énergie et de renouvellement du tango.

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Fondé et dirigé par le claveciniste Olivier Spilmont, l’Ensemble Alia Mens réunit chanteurs et instrumentistes sur instruments historiques autour d’un travail exigeant sur la musique baroque, avec une attention particulièrement approfondie portée à l’œuvre de Jean-Sébastien Bach. Depuis ses débuts, l’ensemble développe une lecture à la fois rigoureuse, intérieure et intensément expressive de ce répertoire.

Leur premier disque, La Cité Céleste, consacré à trois cantates de Weimar de Bach, a été très remarqué, puis Anti-Melancholicus a confirmé la singularité de leur approche. La critique a souligné la profondeur, la sobriété, la précision expressive et la force poétique de leur interprétation, autant de qualités qui façonnent aujourd’hui l’identité de l’ensemble.

Présent sur des scènes et festivals en France et à l’international, Alia Mens poursuit un parcours en pleine affirmation, entre grands programmes sacrés, nouvelles explorations stylistiques et rayonnement croissant. En résidence à Boulogne-sur-Mer depuis 2021, l’ensemble s’impose comme l’une des présences marquantes du paysage baroque français.

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Alice Ader est une figure singulière du piano français, dont le parcours conjugue très haut niveau d’exigence, liberté artistique et fidélité profonde à des répertoires choisis par nécessité intérieure. Formée au Conservatoire national supérieur de musique de Paris, puis à Vienne auprès de Bruno Seidlhofer, elle mène depuis des décennies une carrière de récitaliste et de soliste marquée par une rare indépendance de goût.

Son chemin l’a conduite aussi bien vers les grandes pages du répertoire classique que vers la musique du XXe siècle et la création contemporaine, avec une affinité particulière pour les œuvres où le son, la couleur et l’intériorité occupent une place essentielle. Sa discographie reflète cette singularité, de Messiaen à Debussy, de Scarlatti à Mompou, dans une approche où la profondeur poétique se conjugue à une forte personnalité d’interprète.

Avec Música Callada, consacré à Federico Mompou, Alice Ader poursuit cette quête d’une musique du silence, de la résonance et de la lumière intérieure. Cet enregistrement s’inscrit dans le parcours d’une artiste libre, dont chaque projet semble répondre à une nécessité musicale profonde plutôt qu’à une logique de répertoire.

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Fondé au début des années 1990, Alla francesca s’est imposé comme l’un des ensembles de référence dans l’interprétation des musiques médiévales, des chansons monodiques et polyphoniques aux pièces instrumentales, du XIe au XVIe siècle. Placé aujourd’hui sous la direction de Brigitte Lesne, l’ensemble défend une approche à la fois savante, vivante et profondément incarnée, nourrie par un long travail de recherche, de pratique et de transmission.

Invité dans les grands festivals en France, en Europe et bien au-delà, Alla francesca a construit un parcours international salué pour la qualité de ses interprétations, l’originalité de ses programmes et l’alliance rare de la rigueur musicologique, de la poésie du chant et du sens de la scène. Son répertoire explore aussi bien l’univers des troubadours et trouvères que les traditions instrumentales et les résonances entre les musiques anciennes et certaines traditions vivantes.

Chez Paraty, les parutions Variations amoureuses, Le Chansonnier de Bayeux et Tre donne belle reflètent pleinement cette identité artistique : un art du texte, de la couleur et de la narration, porté par des interprètes familiers de ce répertoire et par un goût affirmé pour les programmes à forte personnalité.

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Fanny Azzuro s’est imposée comme une pianiste à la personnalité très singulière, portée par un goût affirmé pour la couleur, l’imaginaire sonore et les grandes architectures poétiques du répertoire. Formée dans plusieurs institutions européennes majeures, elle a développé un parcours où l’exigence pianistique s’allie à une vraie liberté de conception, nourrie aussi bien par le romantisme que par les musiques du XXe siècle.

Son parcours discographique reflète cette ligne artistique très cohérente. D’abord attirée par le répertoire russe avec Russian Impulse, elle a ensuite exploré l’univers raffiné de 1905 Impressions, puis les Préludes de Rachmaninov, avant d’ouvrir un nouveau chapitre avec Golden Dreams, autour de Chopin et Scriabine. D’un projet à l’autre, se dessine le portrait d’une artiste qui construit sa trajectoire par climats, résonances et affinités profondes, plutôt que par simple juxtaposition de répertoires.

Lauréate de plusieurs concours internationaux, régulièrement présente en récital comme en musique de chambre, Fanny Azzuro s’affirme aujourd’hui comme une interprète de premier plan, reconnue pour l’intensité de son jeu, son sens de la narration et sa capacité à faire dialoguer virtuosité, lumière et intériorité.

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SpiriTango Quartet réunit quatre musiciens issus de la formation classique autour d’un projet où le tango devient un véritable terrain d’invention. Formé au Conservatoire de Paris, l’ensemble s’est d’abord affirmé dans l’univers d’Astor Piazzolla avant d’élargir son répertoire vers le tango nuevo, la création contemporaine et les arrangements originaux, avec une même exigence de précision, d’énergie et de liberté.

Le quatuor s’est fait remarquer avec Chin Chin, puis a approfondi cette voie avec TrANsGressiOns, un programme qui bouscule les frontières du tango traditionnel et met à l’honneur des compositeurs d’aujourd’hui. Cette identité singulière repose sur une vraie complicité de scène, sur une pulsation très incarnée et sur une approche chambriste du tango, à la fois virtuose, rythmique et intensément collective.

Au fil de ses projets, SpiriTango Quartet a réuni autour de son noyau des artistes comme Vassilena Serafimova et a construit une trajectoire personnelle, à la croisée du concert classique, de l’esprit de création et de l’imaginaire sud-américain. Chez Paraty, les parutions disponibles témoignent de cette évolution, entre l’élan de Chin Chin et l’audace pleinement assumée de TrANsGressiOn

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Fondé en 2007 par Perceval Gilles, Sarah Sultan et Pierre-Kaloyann Atanassov, le Trio Atanassov s’est imposé comme l’une des formations françaises les plus marquantes de sa génération. Dès son premier disque, consacré à Smetana et Dvořák, l’ensemble a obtenu un Diapason d’Or, révélant une identité déjà très affirmée : clarté du discours, sens du dialogue et équilibre subtil entre émotion et lisibilité.

Formés au Conservatoire national supérieur de musique de Paris, à l’Université de Vienne et dans le cadre de l’European Chamber Music Academy, les trois musiciens ont ensuite été distingués dans plusieurs grands concours internationaux, notamment à Francfort et Graz, avant de se produire dans de grandes salles et festivals européens comme le Musikverein de Vienne, le Wigmore Hall, l’Alte Oper de Francfort, la Philharmonie de Paris ou le Festival de Radio France à Montpellier.

Leur parcours discographique reflète cette exigence et cette curiosité. Après un premier enregistrement salué, ils ont poursuivi chez Paraty avec Chic à la française, consacré à Debussy, Hersant et Ravel, puis Bohemian Rhapsodies, autour de Dvořák et Suk, distingué par un Choc de Classica. D’un programme à l’autre, le Trio Atanassov construit un art du contraste, de la couleur et de la narration, porté par une véritable unité de pensée musicale.

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Fondée en 2001 par le ténor Benoît Haller, La Chapelle Rhénane réunit chanteurs et instrumentistes solistes autour d’une relecture exigeante du répertoire vocal européen des XVIIe et XVIIIe siècles. Dès ses débuts, l’ensemble a construit une identité forte dans l’univers baroque, portée par un travail approfondi sur le texte, la rhétorique et la couleur, avec une affinité particulière pour Bach, Schütz, Monteverdi, Purcell et Haydn.

Au fil des années, La Chapelle Rhénane s’est imposée comme l’une des formations françaises les plus marquantes de son champ, aussi bien en concert qu’au disque. Sa trajectoire se distingue par une fidélité à de grands récits spirituels et dramatiques, par une attention très fine à l’architecture des œuvres, et par une approche qui conjugue intensité expressive, clarté polyphonique et sens du théâtre musical.

Chez Paraty, l’ensemble a notamment donné Les sept dernières paroles du Christ en croix de Haydn, projet emblématique de cette ligne artistique : un art de la tension intérieure, du souffle collectif et de la parole incarnée, servi par Benoît Haller et le Quatuor 1781, avec Guillaume Humbrecht.

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Fondé sous l’impulsion de Bruno Procopio, le Jeune Orchestre Rameau est un projet orchestral consacré à la redécouverte et à la transmission du répertoire de Jean-Philippe Rameau sur instruments d’époque. Il réunit de jeunes musiciens issus de grands conservatoires internationaux et s’est donné pour ambition de retrouver l’ampleur, les couleurs et l’esprit des grandes formations françaises du XVIIIe siècle.

Pensé comme un laboratoire d’excellence autant qu’un lieu de transmission, l’orchestre se développe en lien avec plusieurs institutions européennes et latino-américaines, dans une démarche à la fois artistique, pédagogique et patrimoniale. Son travail s’appuie aussi sur la redécouverte de partitions rares ou inédites, dans le but de faire entendre Rameau non comme un monument figé, mais comme une force vivante, théâtrale et profondément moderne.

Cette vision s’est déjà affirmée au disque avec Guerre et Paix, premier album salué par la critique et distingué en Espagne, puis avec Concerts en sextuor, second opus consacré à une relecture inventive des Pièces de clavecin en concerts. Le Jeune Orchestre Rameau s’impose ainsi comme une formation singulière du paysage baroque actuel, portée par une nouvelle génération de musiciens et une forte exigence stylistique.

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Fondé en 2017 autour du claveciniste, pianofortiste et chef Paolo Zanzu, Le Stagioni réunit des musiciens menant des carrières internationales comme solistes et au sein des grands ensembles européens sur instruments d’époque. L’ensemble s’est construit autour d’une même ambition : faire dialoguer l’expérience, la fraîcheur et le renouvellement de l’interprétation historique, dans des formats variables où le chant tient une place centrale.

Le projet artistique de Paolo Zanzu donne à l’ensemble une identité très forte. Formé en Italie, à Paris et à Londres, lauréat du Concours international de Bruges, il s’est imposé comme l’une des personnalités marquantes du clavecin et du pianoforte en Europe, tout en développant avec Le Stagioni une vision large du répertoire, du grand XVIIIe siècle européen jusqu’au premier XIXe siècle. Après plusieurs enregistrements salués par la critique, l’ensemble a poursuivi son parcours entre résidences, créations de programmes et actions de transmission.

Chez Paraty, cette ligne artistique se prolonge avec les Sonates pour violon et clavecin obligé de Bach, portées par Paolo Zanzu, la violoniste Liv Heym et la participation exceptionnelle de Christophe Coin. Ce disque éclaire parfaitement la personnalité du Stagioni : une pensée chambriste exigeante, une attention profonde à la filiation des styles, et un travail sur le son collectif conçu comme un véritable laboratoire d’interprétation

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