rançais par leur travail consacré à la redécouverte de la chanson historique et populaire française. Leur démarche consiste à rendre à ces répertoires oubliés leur force vivante, théâtrale et poétique, en les faisant réentendre non comme des archives, mais comme une mémoire chantée encore pleinement actuelle.

Formé au Centre de musique baroque de Versailles puis au Conservatoire de Paris, Arnaud Marzorati a mené parallèlement une carrière de chanteur auprès d’ensembles majeurs comme Les Arts Florissants, Les Talens Lyriques, Le Concert Spirituel ou Le Poème Harmonique. Avec Les Lunaisiens, il a développé un univers personnel où l’exigence musicale rejoint la recherche historique, la langue française et l’art du récit.

Leurs parutions consacrées aux chansons révolutionnaires et à la figure de Lacenaire prolongent pleinement cette ligne artistique : faire entendre des textes et des mélodies du passé avec une intensité dramatique, une clarté de diction et une inventivité de programme qui ont contribué à faire des Lunaisiens une référence dans ce champ très particulier.

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Formé au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris auprès d’Isabelle Moretti, après avoir également reçu l’enseignement de Germaine Lorenzini, Marcel Cara s’inscrit dans la grande tradition de l’école française de harpe. Né en 1996 à Charleville-Mézières, il s’est rapidement distingué par un jeu de relief, de couleur et de profondeur, remarqué dans des lieux comme le Théâtre du Châtelet, la Salle Pleyel, le British Museum Auditorium, la Sala São Paulo ou encore la Merkin Hall de New York.

Lauréat du Hong Kong Harp Contest, des Young Concert Auditions de New York, demi-finaliste du concours ARD de Munich et boursier de l’Académie des Beaux-Arts de Paris, Marcel Cara développe un parcours où l’exigence instrumentale s’accompagne d’un véritable travail d’exploration du répertoire, notamment à travers des transcriptions personnelles. Cette double identité d’interprète et de passeur donne à son parcours une singularité forte dans le paysage actuel de la harpe.

Avec Résurgence, son premier disque paru en 2025, il propose un voyage à travers l’évolution de la harpe au XXe siècle, de Debussy à Jolivet, de Fauré à Tournier, jusqu’à Bruno Mantovani et Takashi Yoshimatsu. Ce programme met en lumière une personnalité musicale attentive à la fois à la tradition, à la modernité et à la capacité de la harpe à réinventer ses paysages sonores.

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Mariane Marchal et Maxime Desert forment un duo où l’écoute, la densité du son et le goût du risque poétique tiennent une place centrale. Pianiste formée à Lyon puis auprès de Roger Germser, Edson Elias et Géry Moutier, Mariane Marchal développe un parcours nourri par le récital, la musique de chambre et la création. Altiste formé très jeune à Valenciennes, Maxime Desert a, de son côté, construit une trajectoire très active entre répertoire, création contemporaine et projets transversaux.

Avec La Datcha de Chosta, ils donnent à entendre un univers de confidence, de mémoire et de tension intérieure, autour de Chostakovitch et de l’héritage de Fiodor Droujinine. Leur travail en duo explore la richesse du répertoire pour alto et piano en mêlant grandes œuvres et ouverture vers des esthétiques plus contemporaines, dans une approche où la profondeur expressive reste toujours liée à une grande précision chambriste.

Ce projet prolonge le parcours de deux artistes très engagés, réunis par une même exigence de son, de ligne et de présence. À travers ce programme, Mariane Marchal et Maxime Desert affirment un compagnonnage musical fondé sur la narration, l’intensité du dialogue instrumental et une vision très incarnée de la musique de chambre.

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Pianiste franco-suisse d’origine iranienne, Layla Ramezan développe un parcours singulier à la croisée de la création contemporaine, du grand répertoire et du dialogue interculturel. Son travail s’attache depuis plusieurs années à faire entendre des liens vivants entre ses origines persanes et la musique classique d’aujourd’hui, dans une démarche à la fois artistique, intellectuelle et profondément personnelle. Elle se produit régulièrement en France, en Suisse et à l’international, et ses concerts sont relayés par plusieurs grandes radios européennes et nord-américaines.

Cette ligne artistique s’est incarnée de façon particulièrement forte dans le cycle 100 Years of Iranian Piano Music, vaste projet consacré à un siècle de musique iranienne pour piano, puis dans Sheherazade d’Alireza Mashayekhi, où l’exploration du clavier se prolonge par une réflexion sur la mémoire, la modernité et l’imaginaire persan. Layla Ramezan s’y affirme comme une interprète de conviction, engagée dans des projets qui font dialoguer recherche, transmission et invention.

Son parcours est également marqué par des collaborations au long cours avec des artistes issus d’autres champs de la parole et de la scène. Avec Schubert-Rûmi, elle ouvre un nouvel espace, entre piano, poésie et méditation, confirmant une personnalité musicale qui construit moins une carrière de répertoire qu’un chemin cohérent, exigeant et profondément habité.

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Pianiste franco-roumaine, Mara Dobresco a construit un parcours très personnel, porté par un jeu salué pour son tempérament, la finesse de son phrasé et l’élégance de son toucher. Enfant prodige, elle se produit avec orchestre dès l’âge de 11 ans, remporte plusieurs concours internationaux et bénéficie du soutien de figures comme Martha Argerich, Dominique Merlet, Jean-Claude Pennetier et Pierre-Laurent Aimard.

Son activité de concertiste la mène en Europe, mais aussi en Argentine, en Australie, au Japon et aux États-Unis, dans des lieux majeurs et dans un large spectre de projets, du récital à la musique de chambre. Sa trajectoire se distingue par une recherche constante de profondeur poétique, de clarté de ligne et de liberté intérieure, avec une attention particulière portée à la narration musicale et à la couleur sonore.

Chez Paraty, son album Soleils de Nuit prolonge pleinement cette identité artistique. À travers un programme réunissant Chopin, Grieg, Debussy, Tchaïkovski et des pages plus rares, Mara Dobresco y déploie un univers nocturne et contemplatif, où l’intimité du piano devient espace de résonance, de mystère et d’imaginaire.

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Jean-Charles Gandrille s’est imposé comme une figure singulière de la création française actuelle, à la fois compositeur, pianiste et organiste. Son univers cherche à concilier héritage et invention, dans une écriture tournée vers l’émotion, le lyrisme et la force d’évocation, avec une attention particulière à la dimension narrative de la musique. Son parcours a été distingué par onze prix de concours internationaux, notamment en Arménie, à Madrid, à Taïwan et en Italie.

Son catalogue embrasse un large spectre de formes et d’effectifs, de la musique pour piano aux œuvres chorales, du violon au violoncelle, de l’orgue au concerto. Cette ampleur reflète une personnalité de compositeur qui construit son parcours dans la durée, avec un goût affirmé pour les œuvres inspirées, les grands élans expressifs et une certaine proximité avec l’imaginaire de la musique de film.

Son compagnonnage discographique avec Paraty a donné lieu à plusieurs parutions marquantes, dont Gandrille Piano Trios, présenté comme son deuxième album pour le label et soutenu par la Fondation du Festival d’Auvers-sur-Oise. Ce projet s’inscrit dans un parcours où l’écriture de chambre occupe une place importante, aux côtés d’autres axes forts comme le répertoire pour violoncelle seul, le duo violon et orgue ou les grandes pages vocales.

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Réunis en duo de pianoforte, Knut Jacques et Morgane Le Corre défendent un travail centré sur les claviers anciens et sur une approche historiquement informée du répertoire classique. Leur projet commun met en valeur la pratique du piano à quatre mains et la richesse des timbres d’époque, dans une recherche d’équilibre, de clarté et de respiration chambriste.

Avec Mozart: Piano 4 Hands, ils explorent trois œuvres majeures de Mozart pour piano à quatre mains, en faisant entendre la verve orchestrale, l’élan théâtral et la finesse d’écriture propres à ce répertoire. Le duo y affirme une complicité musicale fondée sur l’écoute, l’articulation du discours et une même attention au style.

À travers ce programme, Knut Jacques et Morgane Le Corre s’inscrivent dans une démarche qui ne consiste pas seulement à rejouer Mozart, mais à retrouver un geste, un son et une manière de faire vivre cette musique dans sa proximité originelle avec l’instrument.

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Anne de Fornel et Jay Gottlieb forment un duo de deux pianos qui trouve dans la rencontre entre recherche, interprétation et pensée musicale un terrain d’expression particulièrement singulier. Pianiste et musicologue franco-américaine, Anne de Fornel conjugue une carrière d’interprète avec un important travail intellectuel autour des musiques des XXe et XXIe siècles. Jay Gottlieb, figure marquante du piano contemporain, s’est imposé par son engagement auprès de la création, son goût du risque et sa relation privilégiée à l’héritage de John Cage. Ensemble, ils donnent à entendre un dialogue de très haute intensité, où les idées musicales deviennent matière vivante.

Leur album Cage Meets Satie éclaire pleinement cette affinité. À travers un programme pour deux pianos et deux pianos préparés, ils explorent les résonances profondes entre Erik Satie et John Cage, en faisant apparaître non seulement une filiation esthétique, mais un véritable espace commun de liberté, de dépouillement et d’écoute. Le programme réunit notamment Three Dances et Experiences n° 1 de Cage, ainsi qu’une version pour deux pianos de Socrate de Satie réalisée par Cage.

Paru en 2020, ce disque a été salué par la critique et récompensé par 5 étoiles dans Classica. Il révèle un duo capable de faire entendre, avec une rare clarté, tout ce que cette rencontre entre deux compositeurs et deux pianistes peut avoir de radical, de raffiné et d’intensément poétique.

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Fondé en 1999, Arsys Bourgogne s’est imposé comme l’un des ensembles vocaux français les plus remarqués de sa génération. D’abord façonné pendant quinze ans par Pierre Cao, il poursuit aujourd’hui son parcours sous la direction de Mihály Zeke, avec une identité fondée sur l’excellence vocale, la souplesse chambriste et l’exploration de six siècles de répertoire, a cappella comme avec instruments.

Chef au parcours européen, né à Londres, formé à Athènes puis à la Musikhochschule de Stuttgart, Mihály Zeke mène une double carrière de chef de chœur et de chef d’orchestre. Son arrivée à la tête d’Arsys Bourgogne a accompagné un nouvel élan artistique, marqué par un travail très précis sur les voix solistes, un goût du répertoire sur mesure et une attention renouvelée au lien entre musique ancienne et création contemporaine.

Le disque Naissance de Vénus, paru chez Paraty, reflète pleinement cette orientation. Consacré à la musique chorale française de la première moitié du XXe siècle, de Debussy à Messiaen, de Ravel à Milhaud, ce programme a cappella a été salué pour la qualité de son interprétation et pour l’élargissement du spectre artistique de l’ensemble.

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Fondé en 2019 par Mihály Zeke à la suite de ses années à la tête d’Arsys Bourgogne, l’Ensemble Cytherea est un chœur de chambre européen qui réunit des chanteurs venus de dix pays. Conçu comme un collectif de solistes capables de se fondre dans une grande homogénéité sonore, l’ensemble défend aussi bien le grand répertoire choral ancien que la musique plus récente, avec une même exigence technique et expressive.

Sous l’impulsion de Mihály Zeke, chef au parcours profondément européen, Cytherea s’est construit autour d’une ambition claire : faire dialoguer l’excellence vocale, l’ouverture artistique et une vision transnationale du chant choral. La taille variable de l’ensemble selon les projets lui permet d’aborder des formats divers tout en conservant une forte identité de timbre, de souplesse et d’intensité collective.

Le premier disque de l’ensemble, Homelands Vol. 1, paru en 2021 avec la pianiste Marie Vermeulin, propose un voyage dans un répertoire polyphonique né de la rencontre entre folklore et musique savante aux XIXe et XXe siècles, de la Hongrie à l’Allemagne. Ce projet éclaire parfaitement la personnalité de Cytherea : un art du chœur nourri par la culture européenne, par la singularité des voix et par un goût très affirmé pour les programmes à forte cohérence artistique.

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Fondé en 1996 par Rolandas Muleika, l’Ensemble Antiphona s’est imposé par une démarche rare, à la croisée de la recherche musicologique et de la création artistique. L’ensemble vocal et instrumental défend le répertoire baroque avec un attachement particulier aux œuvres oubliées du Midi de la France, en restituant leur contexte, leur couleur et leur puissance expressive pour le public d’aujourd’hui.

Basé à Toulouse, Antiphona a construit une identité très forte autour de la redécouverte du patrimoine occitan des XVIIe et XVIIIe siècles. Son travail met en lumière des compositeurs longtemps restés dans l’ombre des grands centres versaillais, tout en affirmant une ligne artistique fondée sur l’exigence stylistique, le lien avec les lieux de concert et un véritable engagement de transmission.

Les parutions disponibles chez Paraty prolongent pleinement cette aventure : L’Occitanie baroque des Pénitents Noirs, Grands Motets de Joseph Valette de Montigny et Grands Motets vol. 2 témoignent d’un compagnonnage au long cours avec ce répertoire méridional, dans une perspective où restitution patrimoniale, intensité du chant et redécouverte discographique avancent ensemble.

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Organiste belge, Arnaud van de Cauter consacre depuis de nombreuses années une part essentielle de son travail au répertoire des XVIIe et XVIIIe siècles, avec une affinité particulière pour la musique des anciens Pays-Bas et pour l’orgue comme lieu de couleur, d’architecture et de respiration. Formé en Belgique, en France et en Allemagne, il est professeur d’orgue au Conservatoire royal de Musique de Liège, enseigne également à Mons, et est titulaire des orgues de l’église Notre-Dame au Sablon à Bruxelles.

Son parcours de concertiste l’a conduit à se produire régulièrement en Belgique et à l’étranger, tout en développant une activité artistique nourrie par la recherche et par une attention très singulière au lien entre corps et instrument. Cette dimension se prolonge dans son travail autour de l’« Intégration Corporelle à l’Instrument », approche sensible de la pratique musicale fondée sur un rapport organique entre le musicien et son geste.

Les parutions disponibles chez Paraty, notamment Organ Work et Peeter Cornet : œuvre pour orgue, reflètent pleinement cette identité : un art de l’orgue fondé sur la clarté du discours, la richesse du timbre et le goût des répertoires rares, servi par un interprète dont les enregistrements ont été salués par la presse internationale.

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Né en Transylvanie en 1974, Ferenc Vizi s’est formé d’abord à Reghin auprès d’András Körtési, avant de poursuivre ses études à Paris dans la classe de Gérard Frémy, tout en recevant les conseils de Cyril Huvé, Jacques Rouvier et Françoise Thinat. Très tôt distingué dans de grands concours internationaux, de Saratov à Hamamatsu, de Tel-Aviv à Munich, il a développé une carrière qui l’a conduit en Europe, au Japon et en Amérique du Sud, avec un répertoire large et une forte affinité pour les grands cycles pianistiques.

Son parcours se distingue par une rare diversité de programmes, allant de Beethoven, Schumann, Liszt et Chopin à Bartók, Schubert ou Wagner-Liszt, avec une attention particulière portée à la construction dramaturgique du récital. Cette identité s’est affirmée aussi bien au concert qu’au disque, notamment à travers des projets consacrés aux Variations Diabelli, à Liszt et aux Tziganes, à Mendelssohn ou encore à Schubert.

Chez Paraty, son album Schubert prolonge pleinement cette ligne artistique. À travers la Sonate en la majeur D 664 et les Quatre Impromptus D 935, Ferenc Vizi met en valeur un art du chant, de la respiration et de l’architecture qui éclaire la profondeur poétique de ce répertoire.

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Camille Seghers et Alexis Thibaut de Maisières forment un duo de violoncelle et piano où la complicité musicale rejoint un véritable compagnonnage de scène. Tous deux se produisent depuis plusieurs années en Belgique, en France, en Allemagne, en Turquie et en Russie, avec un répertoire centré sur la musique de chambre et un goût marqué pour les programmes construits autour d’une forte cohérence narrative.

Leur premier grand jalon discographique commun a été l’intégrale de l’œuvre pour violoncelle et piano de Louis Vierne, parue en 2022. Ce projet met en lumière un répertoire rare, à la fois lyrique, dense et intensément français, que le duo défend avec une approche fondée sur la clarté du discours, la profondeur du timbre et la passion du partage avec le public.

Leur parcours s’est prolongé avec un nouveau projet consacré à Jacques Brel, où Alexis Thibaut de Maisières signe les arrangements et où le duo explore une autre forme de récit musical, entre chanson, mémoire et réinvention instrumentale. D’un projet à l’autre, Camille Seghers et Alexis Thibaut de Maisières affirment ainsi une identité chambriste très personnelle, nourrie à la fois de tradition, de curiosité et de liberté.

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Né à Paris dans une famille d’artistes à la double culture franco-sud-américaine, Carl-Emmanuel Fisbach développe depuis de nombreuses années un parcours singulier centré sur l’élargissement du répertoire du saxophone. Soliste avec l’Orchestre d’Auvergne, l’Orchestre Philharmonique d’Ekaterinbourg, l’Orchestre Lamoureux ou encore l’Orchestre symphonique national de l’Équateur, il mène parallèlement une activité très active en musique de chambre et en création contemporaine.

Son univers artistique se distingue par une curiosité rare pour les répertoires, les transcriptions et les écritures d’aujourd’hui. Collaborateur régulier de compositeurs comme Bruno Mantovani, Christian Lauba ou Benjamin Attahir, il travaille aussi avec des ensembles tels que l’Ensemble intercontemporain, Ars Nova, Cairn ou Red Note Ensemble. Cette ouverture a façonné une identité de musicien à la fois virtuose, chercheur et passeur, régulièrement invité en France et à l’international.

Chez Paraty, cette ligne artistique se reflète dans Tango Continuo, avec David Christopher Panzl, et dans Bach & Hindemith, avec Wenjiao Wang. Ces enregistrements donnent à entendre deux facettes complémentaires de son parcours : d’un côté le goût du tango et des croisements culturels, de l’autre une réflexion sur la transcription, la couleur et la réinvention du répertoire.

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Orchestre National de Mulhouse
Fondé en 1867, l’Orchestre National de Mulhouse compte parmi les plus anciennes formations permanentes françaises. Résident à La Filature, il déploie aujourd’hui une activité qui embrasse le grand répertoire symphonique, l’opéra, le ballet, la création contemporaine et de nombreuses actions culturelles, avec une présence forte à Mulhouse comme en région. Depuis 2023, sa direction musicale est assurée par Christoph Koncz, et l’ensemble a officiellement adopté en 2025 la dénomination d’Orchestre National de Mulhouse après l’obtention du label « orchestre national en région ».

Chez Paraty, l’orchestre apparaît dans un projet symphonique consacré à David Lampel, aux côtés de l’Orchestre Victor Hugo Bourgogne Franche-Comté. Cet enregistrement met en valeur une formation capable d’allier densité orchestrale, engagement dans la création et dialogue avec de grands solistes, ici Emmanuelle Bertrand et Marie-Josèphe Jude.

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Orchestre Victor Hugo Bourgogne Franche-Comté
Orchestre permanent de la région Bourgogne-Franche-Comté, l’Orchestre Victor Hugo s’est imposé par une identité artistique ouverte, allant de Bach au Sacre du Printemps, du grand répertoire symphonique aux créations, avec une attention constante portée aux jeunes publics, aux formes innovantes et à la diffusion sur l’ensemble du territoire. Dirigé artistiquement par Jean-François Verdier, il développe une activité singulière associée à plusieurs lieux et à de nombreux projets de transmission.

Sa présence discographique chez Paraty se reflète notamment dans l’album consacré aux œuvres orchestrales de David Lampel, partagé avec l’Orchestre National de Mulhouse. Ce projet illustre pleinement la souplesse stylistique de l’ensemble et sa capacité à porter un programme symphonique contemporain avec relief, en compagnie de deux solistes majeurs, Emmanuelle Bertrand et Marie-Josèphe Jude.

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Pierre Lénert est l’une des grandes figures françaises de l’alto. Premier alto super-soliste de l’Orchestre de l’Opéra national de Paris, il mène parallèlement une carrière internationale de concertiste et de chambriste, nourrie par une présence régulière dans de grandes salles européennes et par un engagement constant en faveur de son instrument. Formé notamment auprès de Kim Kashkashian, Yuri Bashmet et Hatto Beyerle, il a été distingué dans plusieurs concours majeurs, parmi lesquels Markneukirchen, Maurice Vieux et Lionel Tertis.

Son parcours se distingue par une volonté rare d’élargir le territoire de l’alto, aussi bien dans le grand répertoire que dans des projets plus singuliers. Chambriste recherché, créateur d’œuvres nouvelles et directeur artistique de festival, il a construit une identité de musicien où la virtuosité s’accompagne d’un véritable esprit d’exploration, au service d’un instrument qu’il défend comme une voix à part entière.

Chez Paraty, cette démarche s’incarne de manière spectaculaire avec l’enregistrement des 24 Caprices de Paganini transcrits pour l’alto, projet exceptionnel présenté comme une première européenne et salué par la critique. Cet album éclaire parfaitement la personnalité de Pierre Lénert : un interprète capable d’allier audace, maîtrise technique et imagination sonore dans un répertoire considéré comme l’un des plus redoutables de toute la littérature instrumentale.

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