Fondé en 1986 et basé à Dijon, le Quatuor Manfred a marqué durablement la scène française et internationale du quatuor à cordes. Très tôt distingué comme l’un des quatuors français les plus primés de sa génération, il s’est imposé par l’exigence de son travail, l’ampleur de son répertoire et une curiosité qui l’a conduit aussi bien vers les grands classiques que vers la création contemporaine.

Composé de Marie Béreau, Luigi Vecchioni, Christian Wolff, rejoints à l’alto par Emmanuel Haratyk à partir de 2008, l’ensemble a mené pendant plus de trente ans un parcours riche en concerts, en collaborations et en projets discographiques. Son identité s’est construite autour d’un goût très affirmé pour les programmes à forte cohérence poétique, de Schumann et Tchaïkovski jusqu’aux mélodies de Fauré et Berlioz avec Jean-Paul Fouchécourt.

Chez Paraty, les albums Schumann & Tchaïkovsky et Clairs de lune reflètent pleinement cette personnalité artistique : un quatuor de grande tradition chambriste, attentif à la couleur, à la ligne et à la respiration du discours, capable de faire dialoguer intensité romantique, raffinement français et art du texte chanté.

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Claveciniste franco-américaine née à Berkeley et installée à Paris depuis l’adolescence, Lillian Gordis s’est imposée comme l’une des personnalités les plus marquantes de sa génération. Formée auprès de Pierre Hantaï après avoir découvert très tôt le clavecin, elle développe un parcours où la liberté de pensée, l’engagement intellectuel et l’intensité expressive tiennent une place centrale. Elle est aujourd’hui régulièrement invitée dans de grands festivals et sur les scènes européennes et américaines.

Sa trajectoire discographique a fortement contribué à affirmer cette singularité. Avec ZONES, consacré à Domenico Scarlatti, puis avec un premier grand projet Bach, elle a donné à entendre une approche du clavecin à la fois poétique, organique et profondément personnelle, saluée pour sa fraîcheur, son panache et sa puissance d’évocation.

D’un projet à l’autre, Lillian Gordis construit moins une carrière de spécialiste qu’un véritable univers d’interprète, capable de faire dialoguer Bach, Scarlatti et la création contemporaine avec une même exigence de son, de forme et de vision. Cette cohérence artistique, alliée à une présence scénique très affirmée, explique la place singulière qu’elle occupe aujourd’hui dans le monde du clavecin.

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Fondée en 2005 par Bruno Bonhoure et Khaï-Dong Luong, La Camera delle Lacrime occupe une place très singulière dans le paysage des musiques médiévales. L’ensemble s’est construit autour d’une double exigence : l’étude des sources, des rituels et des pratiques vocales du Moyen Âge, et leur réinvention dans une perspective de recherche-création pleinement contemporaine.

Cette identité repose sur la complémentarité de ses deux directeurs artistiques : Bruno Bonhoure, chanteur et directeur musical, et Khaï-Dong Luong, metteur en scène, concepteur artistique et chercheur. Leur travail ne se limite pas au concert : il articule spectacle vivant, transmission, réflexion musicologique et projets participatifs, avec une attention constante à la manière dont ces répertoires anciens peuvent retrouver une force de présence pour le public d’aujourd’hui.

Au fil de ses créations, La Camera delle Lacrime a affirmé une manière très personnelle de faire vivre les musiques médiévales : une pratique nourrie par la scène, par la voix, par la pensée et par le collectif. Cette ligne artistique se retrouve aussi dans ses projets discographiques autour de grands récits, de manuscrits patrimoniaux et de formes spectaculaires où la mémoire du passé devient expérience vivante.

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Fondé à Bruxelles, Laterna Magica réunit des musiciens diplômés ou enseignants issus des conservatoires supérieurs de Bruxelles, Paris et La Haye. L’ensemble s’est d’abord construit autour de l’interprétation des sonates en trio du répertoire baroque, tout en accordant une place particulière à l’art historique de la transcription et de l’arrangement, qui est devenu l’un des fils conducteurs de son identité artistique.

Au fil de ses projets discographiques, Laterna Magica a affirmé une personnalité de plus en plus singulière, mêlant fidélité au langage baroque, liberté instrumentale et sens de la couleur. Après Exercitium, puis Handel with Care avec le programme Opera Minima, l’ensemble a poursuivi son parcours avec Mimesis, présenté comme son troisième album, autour d’une exploration toujours plus inventive des formes, des timbres et des circulations entre les œuvres.

Cette démarche donne à Laterna Magica une place à part dans le paysage de la musique ancienne : un ensemble chambriste qui ne se contente pas de restituer un répertoire, mais en propose une lecture vivante, mobile et intensément musicale, nourrie par la pratique collective, par la virtuosité des interprètes et par un goût affirmé pour les programmes construits comme de véritables parcours d’écoute.

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Julie Azoulay développe un univers singulier à la croisée du chant, de l’écriture et de la composition. Formée à la littérature et profondément marquée par la poésie, l’histoire de l’art et les traditions méditerranéennes, elle construit un parcours où la voix devient un lieu de passage entre les langues, les images, les textes anciens et une expression très contemporaine.

Avec L’Ivre, elle affirme une identité artistique rare : un chant personnel, nourri de poésie et de traditions orales, porté par ses compositions et par un compagnonnage étroit avec Jérémie Schacre et Thomas Bourgeois. Ce projet, paru en 2021, déploie un lyrisme francophone ouvert sur le Proche-Orient, la Perse et le bassin méditerranéen, dans une forme qui tient à la fois du concert, du récit intérieur et de la traversée sensible.

Son travail se prolonge aussi dans d’autres directions, avec Haïku, Nascör ou encore Ensemble Irini, révélant une artiste qui ne sépare jamais création musicale, recherche poétique et présence scénique. D’un projet à l’autre, Julie Azoulay construit un langage profondément personnel, fondé sur la voix comme espace de mémoire, d’invention et de transformation.

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Fondée en 2019 autour de Jérémie Couleau, La Quintina s’est rapidement affirmée dans le paysage des polyphonies anciennes par une démarche à la fois érudite et intensément vivante. Son nom renvoie à un idéal de la musique sarde : cette « cinquième voix » produite par les harmoniques, sans être chantée, devient ici le symbole d’un art du chant où la recherche sonore, la fusion des timbres et la grâce collective occupent une place centrale.

L’ensemble se consacre à la redécouverte de répertoires oubliés du Moyen Âge et de la Renaissance, sans se limiter à un territoire ou à une école, et construit ses programmes comme de véritables explorations. Ses albums parus chez Paraty témoignent déjà de cette identité forte : un premier enregistrement autour de la Missa Sabato de Nicholas Ludford, puis Ymaginacions, consacré notamment à Ludford, Whitbroke et Dunstable, avec une approche qui fait dialoguer science des sources, liberté du phrasé et présence charnelle des voix.

Autour de Jérémie Couleau, La Quintina réunit des interprètes comme Esther Labourdette, Sylvain Manet et Christophe Deslignes, auxquels s’ajoutent selon les programmes d’autres artistes familiers du chant médiéval et renaissant. D’un projet à l’autre, l’ensemble affirme une signature très particulière : faire entendre des polyphonies rares comme des œuvres de scène intérieure, traversées par la lumière du texte, la tension du souffle et l’invention du timbre.

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Né à Paris et formé très tôt au Portugal, Mickael Viegas s’est imposé comme une personnalité singulière de la guitare classique par une démarche qui associe virtuosité instrumentale, réflexion organologique et goût de l’exploration. Son parcours s’est construit entre formation académique, master classes auprès de grandes figures de la guitare et travail approfondi sur les limites polyphoniques de l’instrument.

Cette recherche a trouvé une expression particulièrement forte dans son projet consacré à l’intégrale de l’œuvre pour guitare de Heitor Villa-Lobos. À travers The Complete Guitar Works, Mickael Viegas défend l’idée d’une « guitare du futur », capable de restituer plus pleinement la richesse harmonique et la puissance d’écriture de ce répertoire majeur du XXe siècle. Son approche ne se limite donc pas à l’interprétation : elle propose une véritable réflexion sur l’évolution possible de l’instrument et sur les moyens de renouveler l’écoute de ce corpus.

Cette identité artistique se prolonge aujourd’hui dans d’autres projets, notamment Lost Souls of War, qui confirme chez lui un goût affirmé pour les formats transversaux, entre musique, mémoire et pensée du son. Mickael Viegas apparaît ainsi comme un musicien qui inscrit la guitare dans un champ plus large : celui de la création, de l’invention et de la transmission.

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Née à Erevan dans une famille de musiciens et installée en France depuis le début des années 2000, Varduhi Yeritsyan occupe une place singulière dans le paysage pianistique actuel. Formée en Arménie puis au Conservatoire de Paris, notamment auprès de Brigitte Engerer, elle s’est imposée par une double affinité particulièrement forte avec le répertoire russe et la musique française, portée par un jeu à la fois intense, structuré et très habité. En 2007, elle remporte le concours Avant-Scènes du Conservatoire de Paris et devient « Révélation classique » de l’ADAMI.

Son parcours discographique prolonge cette identité artistique avec une rare cohérence. Après des enregistrements remarqués autour de Prokofiev et Scriabine, elle poursuit chez Paraty avec Sweet Dreams, puis Papillons, confirmant une personnalité de pianiste qui construit ses programmes comme de véritables récits, entre poésie du timbre, imagination formelle et profondeur expressive. Sa présence régulière dans les festivals et sur les scènes françaises et européennes témoigne d’un parcours solidement installé.

D’un projet à l’autre, Varduhi Yeritsyan affirme moins une simple spécialisation de répertoire qu’un univers d’interprète très personnel, nourri par ses racines arméniennes, par l’école russe et par la tradition pianistique française. Cette richesse de filiation, alliée à un goût marqué pour les grands cycles et les programmes fortement dessinés, donne à son parcours une intensité et une couleur immédiatement reconnaissables.

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Yves Rechsteiner et Henri-Charles Caget forment un duo singulier où l’orgue dialogue avec les percussions dans un esprit d’invention permanente. Leur collaboration s’est construite au fil de plus de quinze années de projets communs, à partir d’un premier travail autour de transcriptions de Rameau, avant de s’ouvrir à Mozart, Haydn, aux musiques populaires suisses, à Frank Zappa et au rock progressif. Cette liberté de circulation entre les styles donne au duo une identité rare, fondée sur la transcription, la couleur et le goût du risque sonore.

Organiste, claveciniste, arrangeur et pédagogue, Yves Rechsteiner a été formé à Genève puis à la Schola Cantorum de Bâle, avant de mener une carrière marquée par l’interprétation, la transcription et la direction artistique, notamment à Toulouse les Orgues. Henri-Charles Caget, percussionniste, batteur, improvisateur et professeur au CNSMD de Lyon, apporte au duo une imagination rythmique et une palette sonore qui déplacent l’orgue vers un espace orchestral, théâtral et profondément vivant.

Leur album MozHayique: Mozart & Haydn éclaire parfaitement cette démarche. Conçu autour de transcriptions pour orgue et percussions, il rattache Mozart et Haydn à un monde sonore où l’orgue cherche à imiter l’orchestre et où les percussions semblent jaillir de l’instrument lui-même. La critique a salué la complicité du duo, la précision de son jeu et la liberté de son approche, autant de qualités qui définissent leur parcours artistique.

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Violoniste et chef français, Patrick Bismuth a construit un parcours singulier à la croisée du violon baroque, de la direction et de la redécouverte des répertoires anciens. Formé au Conservatoire de Paris, il a ensuite enseigné le violon baroque au CNSMDP puis dans plusieurs grands conservatoires français. Son travail s’est développé aussi bien comme soliste qu’au sein de son ensemble La Tempesta, avec lequel il défend une approche où l’exigence historique nourrit une lecture très libre des styles, du baroque jusqu’aux répertoires plus tardifs.

Son identité musicale se distingue par un goût marqué pour les grands cycles et les œuvres à forte dimension narrative. Il a enregistré les Sonates et Partitas de Bach, les Sonates du Rosaire de Biber, des sonates de Leclair, mais aussi des œuvres de Ravel, Kreisler et Enesco. Chez Paraty, sa présence s’incarne notamment dans Tientos, où il dialogue avec l’organiste Louis Thiry en tenant les parties de violon, d’alto et de viola da spalla dans la musique de Francisco Correa de Arauxo.

Au fil des années, Patrick Bismuth a également affirmé une personnalité de passeur et de recréateur, en participant à la résurrection d’œuvres rares, comme l’opéra-ballet Le Destin du Nouveau Siècle de Campra avec La Tempesta. Son parcours dessine ainsi le portrait d’un musicien pour qui le violon ancien n’est pas un territoire fermé, mais un point d’appui pour repenser la couleur, le style et le théâtre musical.

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Fondé à Bruxelles, le Trio Khaldei réunit Barbara Baltussen, Pieter Jansen et Francis Mourey autour d’une même passion pour la musique de chambre et, plus particulièrement, pour la sonorité très singulière du trio avec piano. Depuis ses débuts en 2011, l’ensemble s’est imposé comme une formation de référence en Belgique et au-delà, saluée pour la cohérence de son jeu, la délicatesse de ses équilibres et l’intensité de sa présence scénique.

Le trio a construit son parcours dans de grandes salles et festivals, en défendant aussi bien le grand répertoire que des programmes plus originaux. Son travail discographique reflète pleinement cette identité : Verklärte Nacht réunit Hummel, Brahms et Schoenberg dans un parcours viennois tendu entre lyrisme, densité et transfiguration, tandis que Jeux de couleurs met en regard Ravel, Frits Celis et Lekeu dans une exploration très pensée de la couleur, de la forme et de l’invention du timbre.

À travers ces projets, Barbara Baltussen, Pieter Jansen et Francis Mourey affirment un art du trio fondé sur l’écoute, la construction d’ensemble et le goût de programmes fortement dessinés. D’un enregistrement à l’autre, le Trio Khaldei donne à entendre une personnalité chambriste à la fois rigoureuse, vibrante et profondément engagée dans la narration musicale.

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Clarinettiste de premier plan, Jérôme Comte mène une carrière de chambriste et de soliste qui l’a conduit auprès d’orchestres de référence comme le London Symphony Orchestra, le Mahler Chamber Orchestra et l’Ensemble intercontemporain, qu’il a rejoint à 25 ans. Formé entre Genève et Paris auprès de Thomas Friedli, Pascal Moragues et Michel Arrignon, il s’est distingué dans plusieurs concours internationaux et s’est imposé comme une personnalité marquante de la clarinette française d’aujourd’hui.

À ses côtés, Denis Pascal s’est affirmé comme l’une des figures les plus singulières du piano français, à la fois soliste, chambriste et pédagogue. Formé notamment auprès de Pierre Sancan, Jacques Rouvier, Léon Fleisher, György Sándor puis György Sebök, il développe une approche du répertoire nourrie par une forte conscience historique, une exigence stylistique constante et une grande curiosité de pensée.

Leur duo trouve un accomplissement naturel dans les grands sommets du répertoire pour clarinette et piano. Leur album consacré aux sonates de Brahms et aux Quatre pièces de Berg a été salué par la critique et récompensé par le Grand Prix de l’Académie Charles Cros. Il donne à entendre la rencontre de deux artistes dont le dialogue allie densité du son, intelligence de la forme et respiration chambriste.

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Le Geneva Piano Trio, conçu et fondé par Dan Sloutskovski, réunit des musiciens de renommée internationale, chacun pleinement affirmé dans sa carrière. Pensé comme une aventure artistique partagée, l’ensemble naît de parcours riches et singuliers qui se rencontrent dans une même exigence musicale.

Au cœur de son identité : le grand répertoire pour trio avec piano — de Tchaïkovski, Rachmaninov et Chostakovitchà Brahms et Ravel —, abordé avec liberté, nuance et sens de l’architecture. Le trio fait également entendre des pages plus rares, qu’il défend avec conviction afin d’élargir l’écoute et de renouveler les perspectives.

Le nom de l’ensemble rend hommage à Genève, ville cosmopolite devenue son port d’attache : un symbole d’ouverture et de dialogue entre cultures. Fidèle à cet esprit, Dan Sloutskovski convie des partenaires d’horizons multiples — des héritiers des traditions slaves aux éminents artistes d’Amérique latine, et au-delà.

Cette complicité nourrit une identité sonore singulière : énergie communicative, précision d’ensemble, esthétique de la nuance. Chaque projet se distingue par une couleur propre et par une ligne artistique claire, reflet de l’universalité qui anime la démarche du Geneva Piano Trio.

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A Banda réunit à Paris des musiciens venus de la musique populaire brésilienne, du jazz et d’une culture instrumentale très ouverte, dans un esprit de groupe fondé sur la convivialité, le métissage et le goût de la rencontre. Au cœur de l’ensemble, Julien Doumenjou et Patrícia Lestre portent un projet où la chanson brésilienne dialogue avec un travail d’arrangement raffiné et une pratique très vivante de la scène.

Avec l’album Cantar de novo, le groupe choisit de mettre en avant ses propres compositions, tout en y associant une reprise de Chico Buarque et un clin d’œil à Mozart. Le projet s’ouvre aussi à de nombreux invités issus du jazz, du classique et de la MPB, ce qui donne au disque une couleur à la fois personnelle, chaleureuse et profondément ancrée dans l’art du partage.

Cette aventure s’inscrit dans une complicité musicale de long cours entre la France et le Brésil. Autour de Julien Doumenjou, Patrícia Lestre, Philippe Monge, Rafaël Meyrier et Julien Augier, A Banda développe un univers souple, solaire et généreux, capable de faire cohabiter l’intimité de la chanson, l’énergie rythmique et le plaisir collectif du jeu.

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Jean-François Novelli s’est d’abord illustré par un parcours musical particulièrement complet : lauréat du Concours général, titulaire d’une maîtrise de musicologie à la Sorbonne, Premier Prix de flûte à bec, puis diplômé du CNSMD de Paris en chant. Très tôt distingué comme jeune talent ADAMI, il s’est naturellement imposé dans le répertoire ancien, auquel il demeure profondément attaché, porté par une curiosité musicale qui relie la voix, le texte et l’art du récit.

Sa trajectoire témoigne d’une fidélité remarquable aux grandes formations de musique ancienne et d’une activité discographique abondante, avec une trentaine de disques et DVD enregistrés aux côtés de chefs et d’ensembles de premier plan. Cofondateur et codirecteur des Lunaisiens pendant dix ans, il a développé un univers où l’exigence stylistique se combine à un véritable sens de la scène, nourri aussi par le théâtre et le goût de la parole incarnée.

Cette singularité se retrouve dans Contes Croustilleux, disque disponible chez Paraty, où Jean-François Novelli met son intelligence du verbe et sa liberté d’interprétation au service d’un projet à la frontière du récital, de la chanson et du théâtre musical. On y retrouve Antoine Sahler à ses côtés, dans une proposition qui éclaire une facette plus personnelle, inventive et scénique de son parcours.

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Isabelle Durin a construit un parcours où l’exigence instrumentale se conjugue à une forte dimension de transmission et de mémoire. Formée au plus haut niveau en France, récompensée très tôt pour son jeu, elle mène depuis plusieurs années une activité de chambriste particulièrement affirmée, avec une prédilection pour le duo violon-piano et des invitations en France comme à l’international. Membre de l’Orchestre national d’Île-de-France depuis 2003, elle inscrit son travail dans une double fidélité : celle du grand répertoire et celle de projets à forte portée humaine.

Cette ligne artistique s’incarne avec force dans Mémoire et Cinéma, programme conçu avec le pianiste Michaël Ertzscheid autour de musiques de films liées aux traditions juives, à la Seconde Guerre mondiale et à la Shoah. À travers des pages devenues emblématiques, le violon y retrouve une voix de confidence, de recueillement et d’évocation, dans un format de duo qui resserre l’écoute et donne à ces mélodies une intensité très directe. Le projet a accompagné de nombreux concerts en France, en Europe et à l’international, dans des lieux marqués par l’histoire, la mémoire et la culture.

Avec ce disque, Isabelle Durin affirme une personnalité de musicienne capable de faire dialoguer l’émotion, la narration et la profondeur historique sans jamais renoncer à l’élégance du geste instrumental. Son parcours discographique, salué par la critique, témoigne d’une même cohérence : mettre le violon au service de programmes pensés, incarnés et porteurs de sens, dans une approche où la musique devient aussi un acte de mémoire.

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L’Ensemble Il Caravaggio, fondé et dirigé par Camille Delaforge, s’est imposé comme un nouvel acteur remarqué du paysage baroque sur instruments d’époque. L’ensemble explore avant tout les répertoires lyriques français et italiens, en travaillant avec de jeunes chanteurs de premier plan, et développe une identité immédiatement reconnaissable par son sens de la théâtralité, son expressivité intense et une approche très incarnée de la sensibilité baroque.

Son projet artistique ne se limite pas à revisiter les grandes œuvres du répertoire. Il Caravaggio porte aussi une attention particulière à la redécouverte de pans moins fréquentés du patrimoine musical, en particulier les œuvres de compositrices oubliées comme Isabelle Leonarda, Élisabeth Jacquet de La Guerre ou Mademoiselle Duval, dont l’ensemble a enregistré l’opéra Les Génies en 2023 à l’Opéra Royal de Versailles. Cette ligne artistique donne à l’ensemble une place singulière, à la croisée de l’exigence musicologique, de l’élan dramatique et du goût de la révélation.

Cette identité se prolonge dans des formats plus intimes, où la frontière entre répertoire savant et musique populaire devient plus poreuse. Le disque La Dame de mes songes, disponible chez Paraty, illustre pleinement cette démarche : autour de l’univers espagnol rêvé par plusieurs compositeurs, l’ensemble y retrouve Guilhem Worms, Camille Delaforge et Ronald Martin Alonso, dans un programme qui mêle couleur, liberté et imaginaire poétique.

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L’Ensemble Irini, fondé à Marseille en 2015 par Lila Hajosi, s’est affirmé comme une formation vocale singulière dans le paysage des musiques anciennes. Spécialisé dans les répertoires sacrés d’Orient et d’Occident, entre Rome et Constantinople, il développe une identité immédiatement reconnaissable, portée par le travail a cappella, par un effectif polymorphe et par une couleur vocale chaude et profonde, sans soprano.

Au fil de ses programmes, l’ensemble a construit un véritable espace de dialogue entre mondes liturgiques, traditions vocales et imaginaires spirituels. De Maria Nostra à O Sidera, puis à Printemps Sacré et Janua, il fait se rencontrer Moyen Âge occidental, Renaissance, héritage byzantin et traditions chrétiennes orientales, dans une démarche à la fois musicologique, sensible et audacieuse. Cette ligne artistique lui a valu une reconnaissance croissante en France et à l’international, jusqu’à son entrée en résidence à la Fondation Singer-Polignac en 2025.

Sous l’impulsion de Lila Hajosi, d’abord chanteuse, musicologue puis cheffe, l’Ensemble Irini défend aujourd’hui des projets de plus en plus ambitieux, tout en restant fidèle à ce qui fait sa force depuis l’origine : créer des passerelles entre les époques, les rites et les sensibilités. Son nom, qui signifie « paix » en grec, résume avec justesse une aventure musicale fondée sur l’écoute, la circulation des héritages et la recherche d’une expression profondément incarnée.

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