Hélène Houzel développe un parcours de violoniste à la croisée de l’interprétation, de la recherche et de la transmission. Son travail s’inscrit avec une affinité particulière dans les pratiques historiques, notamment autour du violon baroque, tout en conservant une présence active comme concertiste et pédagogue. Elle enseigne notamment au CRR d’Aubervilliers–La Courneuve, et son activité rayonne aussi à travers des projets de scène, de musique de chambre et de redécouverte de répertoires.

Le disque Telemann – 12 Fantaisies met pleinement en lumière cette identité artistique. Consacré à l’un des sommets du répertoire pour violon seul, il place Hélène Houzel face à une écriture qui exige à la fois liberté, architecture et richesse de couleur. Ce choix de programme affirme une artiste capable de tenir seule le fil du discours, dans un répertoire où la virtuosité n’a de sens qu’au service de la ligne, du relief et de l’invention.

Au-delà de ce répertoire soliste, son parcours laisse apparaître une musicienne particulièrement engagée dans les liens entre musique, théâtre et patrimoine instrumental. Cette ouverture donne à son profil une singularité précieuse : celle d’une interprète qui ne se contente pas d’exécuter les œuvres, mais qui cherche à en retrouver les contextes, les gestes et la présence vivante.

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Cindy Castillo s’est imposée comme une personnalité singulière de la scène de l’orgue, à travers des programmes qui renouvellent l’écoute de l’instrument et en explorent les dialogues avec d’autres langages artistiques, de l’électronique à la poésie en passant par l’image. Formée dans plusieurs grandes institutions en Belgique, en France et en Suisse, lauréate de nombreuses fondations et du Concours Axion Classics, elle a aussi été artiste en résidence au Sapporo Concert Hall au Japon.

Son parcours conjugue activité de concertiste, engagement pédagogique et responsabilité artistique. Elle enseigne l’orgue à l’IMEP de Namur dans le cadre d’OrgueStudio et assure depuis 2023 la conservation et la direction artistique des orgues Thomas de l’église Saint-Loup de Namur. Son travail discographique reflète cette même curiosité, entre répertoire historique, création contemporaine et compagnonnages au long cours avec des artistes venus d’autres horizons.

Les disques disponibles chez Paraty éclairent précisément cette richesse de parcours. On y retrouve Cindy Castillo dans des projets de musique de chambre et de création, notamment aux côtés d’Aurélie Franck pour Fragments, ainsi qu’avec Frédéric d’Ursel et Jean-Pierre Deleuze dans Träume und Erwachen. Cette présence discographique dessine le portrait d’une interprète à la fois exigeante, inventive et profondément attachée à faire de l’orgue un instrument de rencontre.

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Edoardo Torbianelli et Fernando Caida-Greco forment un duo profondément ancré dans l’univers sonore du XIXe siècle, avec une attention rare portée aux instruments, aux styles et aux gestes d’interprétation propres au romantisme. Pianofortiste parmi les plus reconnus dans le domaine des claviers anciens, Edoardo Torbianelli mène une double activité de concertiste et de pédagogue, notamment à Bâle et à Berne. À ses côtés, le violoncelliste Fernando Caida-Greco, né à Buenos Aires et aujourd’hui actif en Italie, développe un parcours nourri par la musique de chambre, l’enseignement et la recherche sur le violoncelle.

Leur collaboration trouve dans le disque Le Chant du violoncelle un terrain d’expression particulièrement cohérent. Le programme met en valeur une esthétique de la ligne, du timbre et du phrasé, en plaçant le violoncelle romantique au centre d’un dialogue subtil avec le pianoforte. Ce travail s’inscrit dans une démarche qui ne consiste pas seulement à rejouer un répertoire, mais à en retrouver les équilibres sonores, la respiration et la vocalité intérieure.

Ce duo réunit ainsi deux artistes dont les parcours convergent autour d’une même exigence : faire entendre la musique romantique avec profondeur historique, liberté expressive et raffinement de couleur. Leur présence discographique chez Paraty met en avant un compagnonnage fondé sur l’écoute, la précision stylistique et une conception très incarnée du son.

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Le Collectif Trytone est né en 2016 autour de la pianiste et compositrice Lucie de Saint Vincent, avec l’ambition de faire dialoguer les langages musicaux plutôt que de les cloisonner. À la croisée du baroque, du classique et du jazz, l’ensemble explore une véritable synthèse musicale, fondée sur l’improvisation, la circulation des styles et le désir d’ouvrir de nouvelles passerelles entre les musiciens et le public.

Cette identité s’incarne particulièrement dans Back to Bach, premier album du collectif, qui prend la musique de Jean-Sébastien Bach comme source d’inspiration et comme terrain de réinvention. Le projet affirme une manière très libre d’habiter le patrimoine musical, non comme un répertoire figé, mais comme une matière vivante, traversée par les pratiques d’aujourd’hui et par une forte énergie de scène.

Au fil de son évolution, Trytone a aussi développé des formats à géométrie variable, du quintette au trio, tout en restant fidèle à la même ligne artistique. Autour de Lucie de Saint Vincent, on retrouve selon les projets des artistes comme Lucie Chartin, Leïla Soldevila, Gülay Hacer Toruk, João Driessen, Mihail Ivanov ou Joan Terol Amigó, tous réunis par une même volonté d’exploration, d’échange et de liberté stylistique.

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Benoît Babel s’est imposé comme un claveciniste profondément engagé dans l’univers de la musique ancienne, avec un parcours construit entre Bordeaux, Rueil-Malmaison et Paris, auprès de figures marquantes comme Laurent Stewart et Noëlle Spieth. Très tôt, sa formation l’a conduit vers le continuo, la musique de chambre et le travail d’ensemble, avant qu’il ne développe à son tour une activité de pédagogue, notamment au Conservatoire de Versailles, où il enseigne le clavecin et la basse continue.

Son travail discographique met en lumière une personnalité de musicien à la fois précise, curieuse et stylistiquement très affirmée. Dans son enregistrement consacré à Louis et François Couperin, il aborde deux univers majeurs du clavecin français en faisant entendre des styles nettement différenciés, mais reliés par une même intelligence du phrasé et de la couleur. Ce projet souligne un interprète attentif aux caractères, aux équilibres et à la singularité de chaque écriture.

Parallèlement à son activité de soliste, Benoît Babel dirige l’Ensemble Zaïs, fondé en 2011, avec lequel il explore le répertoire baroque sur instruments d’époque. Le disque Rameau & Handel : Dom Bedos illustre cette autre facette de son parcours, dans un projet ambitieux autour des concertos pour orgue de Haendel et d’un travail de réécriture à partir des Pièces de clavecin en concerts de Rameau, avec la participation de l’organiste Paul Goussot. Cette double activité de claveciniste et de directeur musical dessine le portrait d’un artiste attaché autant à la recherche sonore qu’à la vitalité du geste collectif.

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Eudes Bernstein s’est imposé comme l’une des figures les plus remarquées de sa génération au saxophone. Formé au CNSMD de Paris auprès de Claude Delangle, après un passage à la Hochschule de Cologne et une formation en musicologie à la Sorbonne, il s’est distingué dans plusieurs concours internationaux majeurs, notamment à Osaka, Dinant et Aeolus. Son parcours l’a conduit à se produire en soliste avec plusieurs orchestres européens, tout en bénéficiant du soutien de la Fondation Banque Populaire.

Son profil se distingue aussi par une forte ouverture vers la création et vers les formes musicales moins attendues. Très investi dans la musique contemporaine, il a créé ou défendu des œuvres de Karol Beffa, Thierry Escaich, Bruno Mantovani, Philippe Hurel, Matteo Franceschini, Jonathan Pontier, Naoki Sakata, Philippe Leroux et Orlando Bass. Il est également le fondateur du Trio Dämmerung, un ensemble atypique qui réinvente de grandes pages du répertoire orchestral à travers le trio avec violon et piano.

Le disque Spirales, disponible chez Paraty, éclaire pleinement cette identité artistique. On y découvre un musicien fasciné par le son, la transformation de la matière musicale et les multiples visages du saxophone. Ce projet dessine le portrait d’un interprète à la fois virtuose, curieux et profondément engagé dans une vision poétique, contemporaine et très personnelle de son instrument.

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Fuoco E Cenere, fondé en 2002 et dirigé par le gambiste Jay Bernfeld, s’est imposé dans le paysage de la musique ancienne par une ligne artistique particulièrement libre et audacieuse. L’ensemble explore plus de mille ans de répertoire, du Moyen Âge au début du XXe siècle, et se distingue par des programmes construits comme de véritables aventures musicales, souvent à la croisée des formes instrumentales, vocales et scéniques. Basé à Paris, il développe depuis ses débuts un goût affirmé pour les rapprochements inattendus, les partitions rares et les contextes de concert hors format.

Catalysé par l’amour de la voix de son directeur, Fuoco E Cenere collabore régulièrement avec des chanteurs et instrumentistes de premier plan, dans des effectifs variables qui vont du petit ensemble à des formations plus amples. Cette souplesse fait partie de son identité profonde : chaque projet semble pensé comme un théâtre d’exploration, où la recherche historique nourrit une expression directe, vivante et volontiers contrastée.

Les parutions disponibles chez Paraty reflètent cette richesse de parcours. On y retrouve notamment Jay Bernfeld dans des projets comme Folies d’Espagne autour de Marin Marais ou Jacques Morel, pièces de viole (1709), qui mettent en valeur la viole de gambe française dans tout son raffinement. Cette présence discographique dessine le portrait d’un ensemble fidèle à une exigence stylistique élevée, mais toujours porté par le goût du relief, du récit et de la redécouverte.

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L’Ensemble Turicum, fondé en 1992 par le chanteur brésilien Luiz Alves da Silva et le violoniste suisse Mathias Weibel, s’est consacré dès l’origine à l’interprétation historiquement informée des musiques ibériques et sud-américaines. Basé à Zurich, l’ensemble s’est forgé une identité singulière autour des répertoires du XVIIIe et du début du XIXe siècle, avec une attention particulière portée au Brésil, au Portugal et aux circulations musicales entre l’Europe et l’Amérique latine.

Sa démarche artistique repose autant sur la recherche que sur la redécouverte. L’ensemble a remis en lumière de nombreuses pages rares ou oubliées, en travaillant notamment sur des compositeurs comme José Maurício Nunes Garcia, Manuel de Oliveira, Marcos Portugal ou Antonio dos Santos Cunha. Cette ligne donne à ses programmes une couleur très reconnaissable, où la rigueur stylistique rejoint un goût affirmé pour les patrimoines musicaux peu explorés et pour les grandes fresques sacrées issues du monde lusophone.

Les enregistrements disponibles chez Paraty reflètent pleinement cette identité. Matinas do Natal met en avant la richesse du répertoire sacré de Marcos Portugal, tandis que la discographie de l’ensemble révèle plus largement un travail au long cours sur les musiques religieuses portugaises et brésiliennes. À travers ces projets, Turicum affirme une personnalité artistique rare, à la fois savante, aventureuse et profondément habitée par la redécouverte des héritages ibéro-américains.

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Octetology s’est imposé très rapidement comme l’un des ensembles les plus remarqués de la nouvelle scène tango. Créé en 2020, le groupe a remporté le premier prix du concours international de Castelfidardo dans la catégorie « Piazzolla Awards » et a été invité dans des lieux et rendez-vous marquants comme le Théâtre du Châtelet, le studio 104 de Radio France, les Nuits de Nacres, les Nuits musicales d’Uzès ou encore Générations France Musique Live.

Dédié à l’héritage flamboyant de l’Octeto Buenos Aires d’Astor Piazzolla, l’ensemble se distingue par un travail rare de recherche et de réécriture. Alors que les partitions de ce répertoire avaient disparu, Octetology est parvenu à en reconstituer les arrangements originaux, redonnant vie à une page majeure dans l’histoire du Tango Nuevo. Cette démarche donne à son projet une identité à la fois patrimoniale, virtuose et résolument contemporaine.

Le disque Neotango reflète pleinement cette ambition. Il réunit Emilie Aridon-Kociołek, Adrien Merahi, Carmela Delgado, Lysandre Donoso, Aurelie Gallois, Mathias Naon, Gersende Perini et Lucas Eubel Frontini autour d’un même élan : retrouver l’énergie d’une formation mythique tout en lui donnant une intensité neuve, nourrie de jazz, de musique classique et d’une forte culture de scène.

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Le Duo Gagey-Bleton est né d’une rencontre d’abord adolescente, puis retrouvée quelques années plus tard dans une évidence musicale qui a naturellement conduit à la scène. Autour de la voix de la mezzo-soprano Éléonore Gagey et de la guitare de Guillaume Bleton, le duo a développé des programmes de musique italienne, napolitaine et française avant de se concentrer sur un premier grand projet consacré aux mélodies espagnoles. De ce travail est né Romancero, premier album du duo, prolongé par une forme de concert mis en scène autour de la romance, de la transmission orale et de la mémoire.

Éléonore Gagey apporte à cette aventure un parcours lyrique déjà solidement affirmé. Formée à Lausanne, elle s’est produite dans des rôles comme Cherubin, Carmen, Rosine ou Donna Elvira, et a aussi été entendue dans L’Orfeo de Sartorio sous la direction de Philippe Jaroussky. Lauréate du Concours international de Marmande et de la Fondation Royaumont, elle cultive parallèlement un goût marqué pour le récital et la musique de chambre, qui trouve dans ce duo un terrain d’expression particulièrement naturel.

Face à elle, Guillaume Bleton déploie un profil de guitariste, compositeur et arrangeur nourri d’influences multiples, du rock et du jazz à l’écriture contemporaine. Formé dans les conservatoires parisiens, diplômé du Pôle Supérieur de Lille puis du CNSMD de Paris pour la pédagogie, il mène une activité de chambriste très ouverte, tout en enseignant au CRR de Créteil. Dans le Duo Gagey-Bleton, son travail d’arrangement et de timbre joue un rôle central, donnant au répertoire espagnol une couleur à la fois intime, expressive et très incarnée.

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L’Ensemble Les Meslanges, fondé par Thomas Van Essen et aujourd’hui codirigé avec Volny Hostiou, réunit chanteurs solistes et instrumentistes autour d’un même goût pour la diversité de la musique ancienne. Basé en Normandie, l’ensemble s’est construit une identité forte en replaçant les œuvres dans leur contexte historique, littéraire et spirituel, et en imaginant des formes de concert qui font dialoguer musique, textes et parole vivante. Cette approche lui a permis de se produire dans de nombreux festivals et lieux de référence en France comme à l’étranger.

Cette ligne artistique trouve un accomplissement particulièrement marquant dans le travail mené autour des Messes retrouvées de Jehan Titelouze. En remettant en lumière ces pages redécouvertes du premier baroque français, Les Meslanges ont affirmé un véritable profil de défricheurs, alliant exigence musicologique, sens des couleurs vocales et instrumentales, et forte intensité du verbe. Les deux volumes parus ont été largement remarqués par la critique, confirmant la place singulière de l’ensemble dans l’exploration des répertoires français des XVIe et XVIIe siècles.

Autour de Thomas Van Essen, de Volny Hostiou et de collaborateurs comme François Ménissier, l’ensemble développe ainsi un univers où la précision stylistique ne se sépare jamais du souffle dramatique. Son parcours discographique chez Paraty met en avant une vision vivante de la musique ancienne, nourrie par la recherche, par le travail collectif et par une volonté constante de rendre les œuvres à la fois plus lisibles, plus incarnées et plus proches du public.

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Violoniste formée au CNSM de Paris et au Conservatoire royal de Bruxelles, Pauline Klaus a également complété son parcours par un master de philosophie à la Sorbonne. Cette double exigence, intellectuelle et musicale, se retrouve dans un itinéraire où la virtuosité s’accompagne d’une vraie réflexion sur les œuvres, leur construction et leur portée.

Chambriste très engagée, elle développe depuis une dizaine d’années un travail au long cours avec le Quatuor Lontano, ensemble avec lequel elle explore aussi bien le grand répertoire que des partitions moins fréquentées, tout en menant un dialogue constant avec la création contemporaine. Son parcours l’a conduite à collaborer avec des artistes et ensembles de premier plan, en France comme à l’étranger, et à défendre un répertoire qui va de la musique de chambre aux écritures les plus actuelles.

Cette liberté artistique trouve aujourd’hui un prolongement naturel dans son album Obsessions, paru chez Paraty, projet très personnel construit autour d’un violon seul porté par une forte intensité narrative. En parallèle de son activité de concertiste, Pauline Klaus dirige depuis 2015 le festival Les Musicales d’Assy et enseigne au Conservatoire du 16e arrondissement de Paris Francis Poulenc, affirmant une personnalité musicale à la fois interprète, passeuse et directrice artistique.

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Mezzo-soprano originaire de La Réunion, Alice Ferrière a d’abord reçu une formation musicale au conservatoire de son île avant de poursuivre un parcours universitaire à la Sorbonne en histoire contemporaine et en lettres, puis de se consacrer pleinement au chant lyrique. Elle approfondit ensuite sa formation à l’Université de Musique et d’Art Dramatique de Vienne, où elle obtient en 2012 un master d’opéra avec les félicitations du jury.

Son parcours conjugue très tôt la scène, le récital et l’exploration du lied et de la mélodie. Elle s’illustre dans plusieurs concours internationaux, poursuit un travail exigeant sur le répertoire français et germanique, et développe une activité de concertiste entre la France, l’Autriche et La Réunion. À cette trajectoire s’ajoute une solide expérience scénique, de Händel à Mozart, ainsi qu’un engagement fort en faveur de la diffusion de la musique classique et lyrique sur son île natale, notamment à travers des projets artistiques et pédagogiques.

Cette personnalité musicale trouve un prolongement naturel dans ses programmes de récital et dans sa discographie, marqués par un goût affirmé pour les univers poétiques, la narration intérieure et les passerelles entre répertoires. Son album Nuit exquise, paru chez Paraty avec le pianiste Sascha El Mouissi, s’inscrit pleinement dans cette ligne artistique, tout comme ses projets plus récents, parmi lesquels Clara, notre Étoile, qui confirment une interprète à la fois cultivée, expressive et profondément investie dans le texte comme dans la couleur vocale.

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Fondé par le claveciniste et chef Fabien Armengaud, l’Ensemble Sébastien de Brossard est né d’un travail de redécouverte du répertoire baroque français, mené avec un souci constant de recherche, d’exhumation des sources et d’interprétation historiquement informée. Le nom de l’ensemble rend hommage à Sébastien de Brossard, figure érudite, passeur et collectionneur, dont l’esprit de curiosité semble guider le projet artistique dès son origine.

Tout en conservant une prédilection affirmée pour la musique baroque française, l’ensemble élargit son horizon à l’Europe baroque et réunit autour de lui des chanteurs et instrumentistes de tout premier plan. Son travail se distingue par une approche à la fois savante et vivante, qui fait dialoguer recherche musicologique, exigence stylistique et intensité du geste musical.

Chez Paraty, l’ensemble est notamment représenté par l’album Motets à trois voix d’hommes et symphonies, consacré à Louis-Nicolas Clérambault, avec Jean-François Novelli, Alain Buet et Cyril Auvity. Ce premier jalon discographique a fortement contribué à installer l’identité de l’ensemble dans le paysage baroque français.

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Pianiste français au parcours profondément singulier, Nicolas Stavy s’est construit à la croisée d’une grande tradition pianistique et d’un goût affirmé pour les chemins moins attendus du répertoire. Formé notamment auprès de Dominique Merlet, puis marqué par les enseignements de György Sebök et d’Alfred Brendel, il s’impose très tôt sur la scène internationale grâce à plusieurs distinctions dans de grands concours, parmi lesquels Genève et le Concours Chopin de Varsovie.

Son itinéraire se distingue par une rare liberté de pensée : au grand répertoire romantique, qu’il défend avec une forte intensité personnelle, il associe une curiosité constante pour des œuvres plus rares, des programmes construits avec une vraie vision, ainsi qu’un engagement régulier en musique de chambre et dans des projets croisant littérature et scène. Cette personnalité artistique se reflète aussi dans la réception de ses enregistrements, régulièrement salués par la presse pour leur profondeur, leur singularité et leur engagement interprétatif.

Chez Paraty, Nicolas Stavy est présent avec Frédéric Chopin – En concert, disque qui a contribué à installer son nom dans la discographie pianistique française. Depuis, il a poursuivi un parcours discographique particulièrement remarqué, tout en affirmant une identité de musicien exigeant, à la fois héritier d’une tradition et interprète de conviction, porté par une vision très personnelle du piano.

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Réunies par une même exigence stylistique et un goût prononcé pour les répertoires anciens, la violoniste Stéphanie Paulet et l’organiste-claveciniste Élisabeth Geiger forment un duo où la recherche historique nourrit en permanence le geste musical. Stéphanie Paulet, distinguée comme Chevalier des Arts et des Lettres, s’est imposée dans le paysage baroque français après un parcours marqué par trois Premiers Prix du CNSM de Paris, une activité de premier violon au sein de grands ensembles sur instruments anciens et la fondation de son propre ensemble, Aliquando.

De son côté, Élisabeth Geiger développe un itinéraire centré sur le clavecin, l’orgue et la basse continue, nourri par une formation à Strasbourg puis par des collaborations avec des personnalités majeures du renouveau baroque français. Leur rencontre donne naissance à des projets où l’intelligence des sources, la connaissance des instruments et la liberté du phrasé se rejoignent dans une lecture profondément incarnée des œuvres.

Chez Paraty, leur album Intuitions consacre cette affinité artistique à travers un programme autour de Jean-Sébastien Bach, abordé comme un terrain de réinvention sonore et de dialogue intime entre le violon et l’orgue. Leur collaboration s’inscrit dans un compagnonnage déjà ancien, visible aussi dans Minoritenkonvent, et affirme un duo particulièrement singulier dans le paysage de la musique ancienne.

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Pianiste franco-hongroise née à Timișoara, Suzana Bartal s’est imposée par un parcours à la fois précoce et remarquablement construit. Lauréate de concours dès l’enfance, elle donne son premier récital solo à 12 ans et se produit avec orchestre à 13 ans, avant de poursuivre sa formation en France auprès de Denis Pascal, Pierre Pontier et Florent Boffard, puis aux États-Unis à Yale, où elle obtient un doctorat en interprétation.

Son itinéraire reflète une personnalité musicale exigeante, nourrie par une solide culture du grand répertoire, mais aussi par une curiosité constante pour des œuvres plus rares et des projets à forte identité. Récompensée dans plusieurs concours internationaux, notamment à New York, soutenue par la Yamaha Music Foundation of Europe, la Fondation Nadia et Lili Boulanger, l’ADAMI et la Williamson Foundation, elle mène aujourd’hui une carrière internationale qui conjugue récital, concerto, musique de chambre et enregistrements salués pour leur profondeur et leur intensité.

Chez Paraty, Suzana Bartal est associée à un enregistrement consacré à Schumann, jalon important d’un parcours discographique qui s’est ensuite largement affirmé. Sa présence artistique s’inscrit dans une ligne de piano à la fois pensée, habitée et libre, portée par un vrai sens de l’architecture musicale et de la couleur.

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Mora Vocis est un ensemble de voix solistes au féminin consacré à des répertoires où la mémoire, la vocalité et l’espace tiennent une place centrale. L’ensemble s’est d’abord imposé par son lien profond avec les musiques médiévales, abordées non comme un patrimoine figé, mais comme une matière vivante, portée par le souffle, la diction et la présence scénique. Depuis 2011, sa direction artistique est assurée par Els Janssens-Vanmunster.

Au fil de son parcours, Mora Vocis a développé une identité très singulière, à la croisée du concert, du geste théâtral et de la recherche sonore. L’ensemble défend autant les chants sacrés du Moyen Âge que des créations d’aujourd’hui, en construisant des formes où les voix féminines dialoguent avec la poésie, l’oralité et parfois d’autres disciplines artistiques. Cette fidélité à une ligne artistique exigeante explique la place particulière qu’il occupe dans le paysage vocal français.

Chez Paraty, Mora Vocis est notamment présent avec L’Amante, balade vocale dans un jardin de cantiques et Il pleut des voix de femmes, album consacré à Sophie Lacaze. Ce dernier met également en lumière plusieurs artistes associés au projet, parmi lesquels Els Janssens-Vanmunster, Michel Supéra, Alain Carré et Marie Vermeulin, et prolonge avec force l’identité de l’ensemble : une attention extrême au texte, à la couleur vocale et à la dramaturgie du son.

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