Compositeur, pianiste-improvisateur et musicologue belge, Stéphane Orlando développe depuis ses débuts un parcours très singulier, à la croisée de l’écriture contemporaine, du cinéma, de l’opéra et de la scène. Formé au Conservatoire royal de Mons, puis au Conservatoire royal de Bruxelles en contrepoint et fugue, il a également étudié la musicologie à l’Université libre de Bruxelles, avec une spécialisation dans les rapports entre son et image. Cette double culture, musicale et dramaturgique, irrigue profondément son travail.

Son langage artistique s’est construit dans le temps long de l’écoute et de l’improvisation : depuis 2001, il accompagne à la Cinémathèque royale de Belgique plus de 500 films muets, une expérience qui a nourri son sens du souffle, de la tension narrative et de l’image intérieure. Aujourd’hui, il compose pour le cinéma, l’opéra, l’orchestre et les formes scéniques hybrides, avec une écriture pensée comme un espace de rencontre entre structure et spontanéité. Son parcours a aussi été marqué par de nombreuses distinctions internationales et par une résidence au Grand Manège de Namur jusqu’en 2028.

Chez Paraty, Stéphane Orlando est présent avec Seuls, projet particulièrement emblématique de son univers, conçu comme une traversée de paysages photographiques par des voies musicales multiples. Ce disque réunit autour de lui Sara Picavet, Sébastien Walnier, Daniele Cappucci et Antonio Fusco, et met en lumière une esthétique où se croisent musique contemporaine, jazz, cinéma et imaginaire narratif.

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Constitué de quatre frères et sœurs originaires d’Avignon — Grégoire, Agathe, Hugues et Lucie Girard — le Quatuor Girard est né d’une pratique très précoce de la musique de chambre en famille. Formé notamment par les membres du Quatuor Ysaÿe, puis perfectionné auprès de Miguel da Silva à la Haute École de Musique de Genève, l’ensemble a peu à peu affirmé une identité forte, fondée sur la cohésion du son, l’intensité du dialogue et une vision très incarnée du quatuor à cordes.

Leur parcours s’est déployé dans des salles et festivals de premier plan, mais aussi dans des projets conçus comme de véritables prolongements artistiques, à commencer par Rosa Musica, festival qu’ils ont initié en Provence. Le quatuor se distingue également par son engagement en faveur de la création contemporaine, qu’il intègre naturellement à son répertoire, aux côtés du grand corpus classique et romantique.

Chez Paraty, le Quatuor Girard est notamment présent avec The Starry Sky, album salué par la critique, qui a contribué à installer durablement sa signature dans le paysage du quatuor français. Ce disque prolonge pleinement ce qui fait la singularité de l’ensemble : un sens aigu de l’architecture, une intensité fraternelle dans l’écoute, et une manière de faire dialoguer profondeur de pensée et immédiateté expressive.

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Pianiste, compositeur et chef de chœur né à Nice en 1985, Matthieu Stefanelli a construit un parcours rare, à la croisée de l’interprétation, de l’écriture et de la direction. Formé très jeune au Conservatoire de Nice, il entre à 16 ans au CNSM de Paris, où il approfondit le piano, la musique de chambre, l’analyse et la direction d’orchestre, avant de poursuivre l’orchestration au CRR de Paris. Cette formation très complète a nourri une personnalité musicale où l’exigence technique rejoint un imaginaire sonore particulièrement affirmé.

Sa trajectoire se distingue par un constant va-et-vient entre scène et composition. Soliste et chambriste, il s’est produit dans plus de dix pays, tout en développant un catalogue d’œuvres où dialoguent couleur, architecture et intensité narrative. Soutenu notamment par Bernard Cavanna, la Fondation Charles Oulmont puis la Fondation Banque Populaire, il affirme un profil de musicien total, nourri aussi bien par Dutilleux, Messiaen ou Berg que par une curiosité plus large pour la peinture, la poésie et le théâtre.

Chez Paraty, son album Chroma marque une étape importante : premier disque monographique, il le montre à la fois compositeur et interprète de ses propres œuvres, notamment dans son concerto pour piano et orchestre de chambre. Le projet réunit autour de lui Olivier Cangelosi, Anastasie Lefebvre De Rieux, Timothée Oudinot, Carjez Gerretsen, Benjamin El Arbi, Joël Lasry, Pierre-Olivier Schmitt, Hugues Girard, Fanny Stefanelli-Gallois, Ralph Szigeti, Patrick Langot et Benoît Levesque, et met en lumière une écriture très personnelle, portée par le sens de la couleur qui donne son titre au disque.

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Née en Pologne, Magdalena Baczewska mène un parcours particulièrement riche, à la croisée du piano, du clavecin, de l’enseignement supérieur et de la production artistique. Installée aux États-Unis, elle s’est imposée comme une interprète au profil rare, capable de faire dialoguer pratique de concert, recherche et transmission, tout en menant une carrière internationale de soliste et de chambriste. Elle occupe depuis 2014 les fonctions de Senior Lecturer in Music et de Director of the Music Performance Program à Columbia University.

Son identité musicale se distingue par cette double fidélité au piano et au clavecin, avec un intérêt marqué pour les questions d’interprétation historique, la pédagogie et les programmes pensés comme de véritables parcours d’écoute. Sa carrière l’a conduite à se produire avec de grands orchestres, parmi lesquels le San Francisco Symphony, le Philadelphia Orchestra et le China National Symphony, ainsi qu’à collaborer avec des artistes comme Joshua Bell et Tan Dun.

Chez Paraty, Magdalena Baczewska est présente avec Chopin & Szymanowski, un enregistrement conçu pour mettre en lumière les affinités entre deux compositeurs nés en Pologne. Ce disque prolonge avec cohérence une personnalité artistique fondée sur la profondeur du regard, la clarté du discours et une manière très construite d’habiter le clavier.

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La flûtiste belge Stefanie Troffaes et le claveciniste belge Julien Wolfs forment un duo particulièrement cohérent dans l’univers de la musique ancienne, porté par une même exigence stylistique et une profonde affinité avec les répertoires des XVIIe et XVIIIe siècles. Formée à Bruges puis au Conservatoire royal de Bruxelles auprès de Marc Hantaï, Barthold Kuijken, Frank Theuns et Bart Coen, Stefanie Troffaes s’est imposée comme une interprète reconnue du traverso et de la flûte à bec. Julien Wolfs, de son côté, a étudié le clavecin à Jodoigne, Amsterdam, Lyon et à l’IMEP, avant de développer une activité à la fois de concertiste, d’enseignant et de directeur artistique.

Leur rencontre artistique s’inscrit dans une pratique historiquement informée où le raffinement du phrasé, la lisibilité du contrepoint et la respiration commune occupent une place centrale. Tous deux évoluent au plus haut niveau dans le champ des musiques anciennes : Stefanie Troffaes collabore avec des ensembles spécialisés de premier plan, tandis que Julien Wolfs mène parallèlement une carrière très remarquée avec Les Timbres et dans différents projets de musique de chambre.

Chez Paraty, leur album consacré aux sonates pour flûte et clavecin de Johann Sebastian Bach constitue un jalon important de leur parcours discographique. Ce projet met en lumière un duo où l’intelligence des styles, la souplesse du dialogue et la qualité des couleurs instrumentales donnent à entendre Bach dans toute sa densité comme dans toute sa liberté.

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Pianiste franco-belge, Maxence Pilchen s’est révélé très tôt par un parcours de précocité peu commun : initié à la musique dès l’enfance, il se produit en concert dès l’âge de cinq ans et remporte à onze ans le concours télévisé des Jeunes Solistes de la RTBF à Bruxelles, avant d’être distingué l’année suivante à Bologne lors d’un concours mondial diffusé par la RAI. Cette entrée très précoce dans la scène publique a nourri une personnalité musicale déjà marquée par l’intensité, la sensibilité et un lien profond avec le grand répertoire romantique.

Au fil des années, il a affirmé un profil de pianiste à la fois virtuose et intérieur, particulièrement associé à l’univers de Chopin, mais aussi à Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Mozart, Liszt ou encore au piano Pleyel historique. Son parcours l’a conduit notamment à la salle Gaveau et dans plusieurs festivals où son jeu a été salué pour sa profondeur, sa maîtrise et la force de son engagement poétique. Aujourd’hui, il poursuit une activité de récitaliste et de musicien de festival qui confirme une présence singulière dans le paysage pianistique francophone.

Chez Paraty, Maxence Pilchen est présent avec Chopin : 24 Préludes op. 28, un premier disque paru en 2015 qui s’est imposé comme un jalon important de son parcours discographique. Cet enregistrement met pleinement en lumière ce qui caractérise son art : un sens très personnel du souffle, de la nuance et de l’intimité expressive, au service d’une lecture profondément habitée de Chopin.

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Guitariste français au parcours particulièrement riche, Stéphane de Carvalho s’est formé auprès de Pedro Ibañez, d’Alexandre Lagoya et de Roberto Aussel. Très tôt, il développe une activité qui dépasse le seul récital et explore aussi la musique de chambre, notamment aux côtés du violoncelliste Alain Meunier, tout en affirmant une personnalité musicale profondément attachée à la guitare comme instrument de couleur, de chant et de narration.

Son identité artistique se distingue par une grande amplitude de répertoire, allant du XIXe siècle aux musiques du XXe et d’aujourd’hui, avec une affinité marquée pour les compositeurs hispaniques et latino-américains. À cela s’ajoute un lien fort avec le flamenco, nourri par de nombreux séjours en Andalousie et par une volonté assumée de faire dialoguer le classique et cette tradition vivante, dans un même élan de ferveur, de rythme et de liberté.

Chez Paraty, Stéphane de Carvalho est présent avec Con Fuoco et Cathédrales, deux albums solo qui dessinent déjà très clairement son univers. Le premier traverse un large spectre stylistique, de Scarlatti à Ginastera, tandis que le second propose un voyage en Amérique du Sud autour de Villa-Lobos, Brouwer, Piazzolla, Barrios et d’autres compositeurs, dans une lecture où le populaire et le savant se rejoignent avec une rare évidence.

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Flûtiste à bec française, Marine Sablonnière a construit un parcours au plus haut niveau dans l’univers des musiques anciennes, nourri à la fois par une solide formation, l’enseignement et une intense activité de concertiste. Elle joue régulièrement sous la direction de chefs et auprès d’ensembles de premier plan, parmi lesquels Skip Sempé, Jordi Savall, Marc Minkowski, Raphaël Pichon, Gérard Lesne, Hervé Niquet, Vincent Dumestre et Christina Pluhar. Parallèlement, elle enseigne au CRR de Marseille, prolongeant dans la transmission une démarche artistique fondée sur l’exigence stylistique et la liberté du souffle.

Son profil se distingue par une rare ouverture d’esthétiques à l’intérieur même des instruments à vent anciens. Avec Mosaïques, elle conçoit un programme qui traverse les siècles, les traditions et les couleurs instrumentales, du médiéval au contemporain, de la musique dite savante aux répertoires traditionnels, en faisant dialoguer flûte à bec, kaval, flûte irlandaise et traversière. Cette manière de construire un récit sonore très personnel donne à son travail une identité immédiatement reconnaissable, entre recherche de timbre, virtuosité expressive et goût du voyage musical.

Chez Paraty, Marine Sablonnière est présente avec l’album Mosaïques, qui met pleinement en lumière cette personnalité de musicienne libre et curieuse. Son activité de chambriste et de partenaire d’ensemble confirme cette place singulière dans le paysage actuel des musiques anciennes, où l’exploration du répertoire va de pair avec une présence musicale très incarnée.

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Né à Saint-Jacques-de-Compostelle, Manuel Vilas s’est imposé comme l’un des grands spécialistes des harpes anciennes, des instruments médiévaux aux harpes baroques des XVIIe et XVIIIe siècles. Formé notamment auprès de Nuria Llopis à Madrid et de Mara Galassi à Milan, il développe depuis de nombreuses années un travail fondé sur l’étude des sources originales, avec une volonté constante de faire dialoguer rigueur musicologique et intensité du geste musical.

Son parcours l’a conduit à se produire comme soliste et avec de nombreux ensembles dans des festivals majeurs en Espagne, en Europe, en Amérique latine et aux États-Unis. Cette trajectoire internationale s’accompagne d’un engagement profond pour la redécouverte de répertoires ibériques et latino-américains, ainsi que d’un travail pionnier autour de traditions harpistiques aujourd’hui rarement entendues en concert.

Chez Paraty, Manuel Vilas est notamment présent avec Compendio Numeroso, consacré à Diego Fernández de Huete. Cet enregistrement s’inscrit pleinement dans sa démarche artistique : remettre en lumière un patrimoine musical d’une grande richesse, à travers une lecture savante, libre et profondément sonore de l’arpa de dos órdenes.

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Créé en 2005, le Trio Antara réunit trois musiciennes d’exception autour d’une formation rare et immédiatement évocatrice : flûte, alto et harpe. Emmanuelle Ophèle, Odile Auboin et Ghislaine Petit-Volta y cultivent un art du dialogue instrumental fondé sur la couleur, la respiration commune et la finesse des textures, dans l’héritage direct d’un effectif rendu emblématique par Debussy.

Le trio s’est imposé par des programmes conçus comme de véritables parcours d’écoute, où les chefs-d’œuvre du répertoire rencontrent la création contemporaine, les transcriptions et un goût très affirmé pour les correspondances sonores. Leur album Concert pour Debussy, paru chez Paraty, est le fruit d’une collaboration de plusieurs années avec le compositeur et directeur artistique Benoît Sitzia, et met en lumière une esthétique crépusculaire, raffinée et intensément poétique, pensée dans le prolongement du monde debussyste.

Cette identité artistique donne au Trio Antara une place singulière dans le paysage français de la musique de chambre : celle d’un ensemble capable d’allier exigence de timbre, intelligence des programmes et liberté d’invention. Chez Paraty, Concert pour Debussy affirme pleinement cette signature en associant le trio à Benoît Sitzia, dont le travail de transcription et de conception artistique accompagne ici le projet en profondeur.

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Véra Tsybakov et Romain Hervé se sont rencontrés au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, où ils ont obtenu le Diplôme de Formation Supérieure de piano et de musique de chambre avec les plus hautes récompenses avant d’intégrer le cycle de perfectionnement. Très vite, leur complicité artistique les conduit à se produire ensemble sur des scènes majeures, de la Cité de la Musique à Radio France, puis dans de nombreuses salles françaises et internationales.

Disciple de Brigitte Engerer, Véra Tsybakov est lauréate du concours Marguerite Long – Jacques Thibaud, de la Fondation Banque Populaire et de plusieurs concours tels que Radio France, Steinway Paris et Vulaines-sur-Seine. Romain Hervé, de son côté, a été distingué notamment par le concours international de la Société des Arts de Genève, le Festival Polignac, Radio France, ainsi que par les fondations Cziffra et Banque Populaire. Leur parcours commun s’est aussi construit autour de programmes à thème, d’une présence régulière sur de grandes scènes et d’une discographie récompensée par plusieurs distinctions critiques.

Chez Paraty, leur présence discographique s’incarne notamment dans Dialogue de l’Eau et de l’Air, projet consacré à Debussy, où leur duo déploie un art du piano fondé sur l’écoute, la couleur et une vraie intelligence du climat. Leur entente musicale s’y affirme avec évidence, dans une approche où deux personnalités fortes convergent vers un même souffle poétique.

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Fondé en 2024 autour du pianiste Vincent Laissy, le Trio Bagatelle réunit de jeunes musiciens issus du CNSMD de Lyon et s’est d’abord constitué à l’occasion du spectacle Mozart au Paradis, créé pour le Festival Off d’Avignon avant de développer très rapidement une identité propre. Dès ses débuts, l’ensemble choisit de placer au cœur de son travail le trio avec piano, avec une affinité particulière pour le classicisme viennois et pour un art de la musique de chambre fondé sur la clarté, l’élan et la conversation instrumentale.

Cette ligne artistique trouve un prolongement naturel dans son premier album, Mozart Piano Trios, paru chez Paraty en 2025. Consacré aux trios K. 542, K. 548 et K. 564, ce disque met en avant Vincent Laissy, Valentin Seignez-Bacquet et Aurore Alix, et affirme un goût très net pour l’équilibre des voix, la transparence de l’écriture et la vitalité du discours mozartien. Le trio apparaît ainsi comme une jeune formation déjà très construite, attentive à la fois au style et à l’évidence musicale.

Parallèlement au disque, le Trio Bagatelle poursuit son développement sur scène avec un répertoire qui s’étend aussi à Haydn, Beethoven et Schubert, parfois dans des formations élargies. Ce qui ressort de son parcours naissant, c’est déjà une volonté claire : faire du trio avec piano un espace de présence, de lisibilité et de joie partagée, dans un rapport très direct avec le public.

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Organiste, pianiste, claveciniste et clavichordiste italo-brésilien installé au Portugal, Marco Orsini-Brescia développe un parcours rare, à la croisée de l’interprétation et de la recherche. Formé au Brésil puis en Espagne et en Europe, il s’est imposé comme un spécialiste des répertoires ibériques et italiens pour clavier, du XVIe au XIXe siècle, tout en menant un travail musicologique de haut niveau consacré notamment à l’histoire de l’orgue ibérique.

Cette double identité d’interprète et de chercheur structure profondément son univers musical. Docteur en musicologie des universités Paris-Sorbonne et NOVA de Lisboa, aujourd’hui chercheur à l’Universidade NOVA de Lisboa et coordinateur du groupe Music in the Modern Period au CESEM, il aborde chaque projet discographique comme une rencontre entre sources, instruments historiques et imagination sonore. Son jeu, salué pour sa maîtrise et sa profondeur intellectuelle, se déploie sur piano, orgue, clavecin et clavichorde.

Chez Paraty, Marco Brescia est notamment présent avec Zipoli in Diamantina, premier enregistrement réalisé sur l’orgue historique Almeida e Silva de Diamantina (1787), au Brésil. Consacré à l’intégrale des œuvres pour orgue publiées par Domenico Zipoli et à plusieurs pièces attribuées au compositeur, ce disque affirme pleinement ce qui fait la singularité de l’artiste : la capacité à faire revivre un patrimoine instrumental et musical avec rigueur, souffle et vision.

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Fondé autour d’une même exigence de musique de chambre et d’un goût marqué pour les programmes construits, le Trio Zerline réunit la flûtiste Alice Szymanski, l’altiste Estelle Gourinchas et la harpiste Joanna Ohlmann. Les trois musiciennes se sont rencontrées au CNSMD de Lyon et ont très tôt affirmé une identité singulière, portée à la fois par la défense du répertoire pour flûte, alto et harpe et par un engagement fort envers la création contemporaine.

Depuis sa création en 2017, l’ensemble développe un travail attentif sur le choix des œuvres, nourri autant par le dialogue avec les compositeurs d’aujourd’hui que par un attachement assumé à la couleur française et à la richesse de cet effectif hérité de Debussy. Cette ligne artistique se retrouve dans son premier album, Debussy, couleur originale, paru chez Paraty en 2022, où le trio affirme un art du timbre, de la respiration et de la transparence particulièrement raffiné.

Le Trio Zerline occupe ainsi une place très identifiable dans le paysage de la jeune musique de chambre française : celle d’un ensemble capable de faire dialoguer patrimoine, modernité et recherche sonore, avec une attention constante à l’équilibre des voix et à la poésie du geste instrumental.

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Le corniste Alexandre Collard et le pianiste Nicolas Royez forment un duo où l’exigence instrumentale rejoint un vrai sens de la couleur et du récit musical. Alexandre Collard, lauréat du Concours international du Printemps de Prague 2018, s’est imposé très jeune dans le paysage musical français avant de devenir cor solo, d’abord à l’Orchestre National de Lille puis à l’Orchestre Philharmonique de Radio France. Nicolas Royez, pianiste, chef de chant, accompagnateur et directeur musical de festival, mène de son côté un parcours particulièrement ouvert, entre récital, musique vocale et musique de chambre.

Leur rencontre artistique trouve dans Aquarelles un terrain d’expression idéal. Le disque révèle un duo attentif aux nuances, aux climats et à la respiration des œuvres, avec une approche qui privilégie moins l’effet que la précision du trait et la richesse des timbres. Cette complicité s’inscrit dans un travail de long cours, visible aussi dans leurs apparitions en concert et dans les projets qu’ils défendent ensemble autour du répertoire pour cor et piano.

À travers ce duo, deux trajectoires très affirmées se rejoignent : celle d’un corniste soliste de premier plan, invité par de grands orchestres et festivals, et celle d’un pianiste à la fois chambriste, accompagnateur et pédagogue. Leur alliance donne naissance à une lecture à la fois raffinée, sensible et structurée, où le cor chante avec souplesse et où le piano ne se contente jamais d’accompagner, mais construit avec lui un véritable paysage sonore

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Formé en 1998 par les guitaristes bordelais Vanessa Dartier et Yann Dufresne, le Duo Palissandre s’est imposé au fil des années comme l’un des ensembles français les plus engagés dans le répertoire pour deux guitares. Finaliste de plusieurs concours internationaux, il remporte notamment le concours José de Azpiazu à Saint-Sébastien en 2002 puis celui de l’UFAM à Paris en 2004, affirmant très tôt une identité musicale fondée sur la précision, la sensibilité et le goût du dialogue instrumental.

Leur parcours s’est construit dans un esprit d’ouverture et de recherche, nourri auprès de personnalités comme Sérgio Assad, Pablo Márquez, Eric Sobczyk, France Desneulin ou Marco Meloni. Invité dans de nombreux festivals et programmations en France, en Europe et au Japon, le duo développe un travail où se rencontrent répertoires savants, inspirations populaires, transcriptions et créations, avec une attention constante portée à la couleur et à la respiration commune.

Chez Paraty, le Duo Palissandre est notamment présent avec Mosaïque, programme qui met en valeur cette esthétique française du raffinement, de la clarté et du timbre. Ce jalon discographique prolonge une trajectoire déjà riche de plusieurs albums et confirme une signature artistique très reconnaissable dans le paysage de la guitare classique.

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Compositeur, pianiste et metteur en scène d’origine argentine, Alejandro Bonatto a construit un parcours à la croisée de la musique et du théâtre. Formé à Buenos Aires, où il est diplômé avec mention de l’Art Institute of Teatro Colón et du Conservatoire national de musique, il a ensuite poursuivi ses études à Londres avec un master de composition à Kingston University, tout en bénéficiant d’une bourse du Goethe-Institut à Berlin.

Cette double culture scénique et musicale structure profondément son identité artistique. Son travail s’étend de la composition à la direction musicale et à la mise en scène, avec une activité développée entre l’Europe et l’Amérique latine. Il s’est notamment illustré dans le théâtre musical à Londres, où il a dirigé la première anglaise de Rebecca au Charing Cross Theatre, confirmant une personnalité de musicien capable de faire dialoguer écriture, dramaturgie et présence scénique.

Chez Paraty, Alejandro Bonatto apparaît comme une figure d’artiste complet, dont le parcours réunit création, interprétation et vision théâtrale. Cette pluralité donne à sa présence une singularité rare : celle d’un musicien pour qui la scène n’est jamais seulement un lieu d’exécution, mais un espace de construction sensible, narrative et poétique.

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Duo in Vento réunit la flûtiste à bec Marion Fermé et l’accordéoniste Ambre Vuillermoz autour d’une alliance instrumentale singulière, fondée sur le souffle, la souplesse du phrasé et le travail des timbres. Actif depuis 2018, l’ensemble développe un projet artistique qui fait dialoguer des instruments que le répertoire réunit rarement, avec une attention particulière portée à la transcription, à l’équilibre sonore et à la circulation des voix.

Leur premier album en duo, Inventions en folie, paru en 2023, explore un vaste territoire baroque européen à travers des œuvres de Johann Sebastian Bach, Marin Marais, Antonio Soler et Antonio Vivaldi. Le programme met en valeur autant la polyphonie et le contrepoint que la capacité du duo à renouveler l’écoute de pages célèbres par une approche instrumentale inventive et rigoureuse.

Le parcours des deux musiciennes nourrit fortement l’identité du duo. Marion Fermé mène une carrière internationale entre musiques anciennes et création contemporaine, tout en enseignant à Paris, tandis qu’Ambre Vuillermoz, accordéoniste engagée dans les répertoires classique, contemporain et de chambre, développe en parallèle de nombreux projets artistiques et pédagogiques. Ensemble, elles élargissent aujourd’hui leur répertoire au-delà du baroque, vers la musique traditionnelle et contemporaine.

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