Ce double album est consacré aux Six Sonates pour violon et clavecin obligé BWV 1014–1019 de Johann Sebastian Bach. Composées entre 1718 et 1722, probablement durant les années passées par Bach à la cour de Köthen, ces œuvres occupent une place centrale dans son catalogue de musique de chambre. Elles se distinguent par une écriture à trois voix réparties entre le violon et le clavier, le clavecin tenant à la fois les deux voix supérieures et la basse, selon un principe contrapuntique pleinement développé.

L’enregistrement réunit l’ensemble Le Stagioni avec Liv Heym au violon, Paolo Zanzu au clavecin et au pianoforte, et Christophe Coin à la viole de gambe. Les six sonates sont présentées dans leurs différentes versions connues, incluant les versions alternatives de la Sonate n°6 en sol majeur BWV 1019. La viole de gambe est ajoutée dans certaines sonates conformément aux indications de sources manuscrites du XVIIIe siècle, afin de doubler la basse du clavier.

L’interprétation repose sur l’utilisation de plusieurs instruments historiques ou de copies fidèles d’instruments allemands du XVIIIe siècle, choisis en fonction du caractère de chaque sonate. Les claviers incluent des clavecins inspirés de Michael Mietke, de la famille Silbermann ainsi que de facteurs hambourgeois, et un pianoforte d’après Gottfried Silbermann. L’enregistrement a été réalisé entre Berlin et Auxerre en 2021 et 2022. Les textes du livret sont signés par Paolo Zanzu.

‍

Heavenly Songes est un programme consacré à la Missa Sabato de Nicholas Ludford (vers 1490–1557), compositeur anglais actif principalement à Westminster au début du XVIe siècle. Cette messe fait partie du cycle des Lady Masses dédiées à la Vierge Marie, conservées dans un manuscrit unique de la British Library (Royal Appendix 45–48). Ces œuvres reposent sur des cantus firmi appelés squares et sont construites selon le principe de l’alternatim, alternant des sections monodiques mesurées et des polyphonies à trois voix.

La Missa Sabato se distingue par l’usage d’un square unique servant de fil conducteur à l’ensemble de la partition, dont les mélodies n’ont été identifiées dans aucune autre source musicale. Le traitement rythmique varie selon les parties de la messe, notamment dans le Kyrie, où trois systèmes de mensuration différents sont employés. Le Credo, le Sanctus et l’Agnus Dei reprennent et paraphrasent ces matériaux mélodiques selon une logique rhétorique liée aux textes liturgiques, notamment autour de la Trinité et de la théologie mariale.

L’interprétation retenue dans cet enregistrement s’appuie sur des pratiques d’improvisation documentées à la Renaissance, notamment le chant sur le livre et l’usage de l’organetto. Les sections monodiques sont enrichies par des contrepoints réalisés selon des techniques historiques telles que le discant à deux voix, le faburden à trois voix et le contrepoint concerté. Le programme est complété par des carols et pièces paraliturgiques anglaises des XIIIe au XVe siècles, témoignant d’une continuité musicale entre la fin du Moyen Âge et la Renaissance en Angleterre. L’album est interprété par l’ensemble La Quintina, sous la direction de Jérémie Couleau, et a été enregistré en avril 2019 à l’abbaye de Loc-Dieu.

‍

L’Ivre est un projet musical construit autour de textes issus de trois corpus majeurs de la littérature spirituelle et poétique : le Cantique des cantiques, les Rubâi’yât de Djalâl ad-Dîn Rûmî et le Kâmasûtra attribué à Vâtsyâyana. Le programme s’appuie sur des textes religieux, mystiques et dogmatiques, explorant les liens entre amour charnel, ivresse poétique et quête spirituelle. Les sources couvrent des périodes et des aires culturelles variées, allant du Proche-Orient ancien à la Perse soufie médiévale et à l’Inde ancienne.

Le projet prend la forme d’un oratorio pour le vivant, dans lequel les textes sont mis en musique à travers un tressage vocal et instrumental. Les pièces abordent la nature, les plaisirs terrestres, la relation entre l’humain et le divin, ainsi que la tension entre extase, désir et finitude. Les traductions françaises utilisées dans le programme sont celles de Patrick Calame pour le Cantique des cantiques, d’Eva de Vitray-Meyerovitch et Djamchid Mortazavi pour les Rubâi’yât, et de Frédéric Boyer et Alain Daniélou pour le Kâmasûtra, telles qu’indiquées dans le livret.

L’enregistrement est interprété par un trio composé de Julie Azoulay au chant et à la composition, Jérémie Schacre aux guitares classique, électrique et flamenca, et Thomas Bourgeois au zarb et aux percussions. L’album a été enregistré en juillet 2020 à la Citerne et à l’église Saint-Vincent aux Baux-de-Provence. La production est assurée par Paraty, avec une prise de son et un mastering réalisés par Christian Gaszczuk.

‍

O Sidera est un programme vocal a cappella interprété par l’Ensemble Irini, fondé en 2014 par Lila Hajosi, qui en assure la direction et les arrangements. Le disque met en regard les Prophetiae Sibyllarum de Roland de Lassus, composées vers 1555, et des chants liturgiques issus de la tradition de Constantinople. L’ensemble du programme s’inscrit dans une réflexion autour de la mystique chrétienne et du Mystère de l’Incarnation.

Les Prophetiae Sibyllarum s’appuient sur des textes attribués aux sibylles de l’Antiquité, figures intégrées à la pensée chrétienne médiévale comme annonciatrices de la venue du Christ. Ces œuvres sont associées à des pièces byzantines telles que le Cheruvikon, l’Agni Parthene de Saint Nektarios d’Égine, présenté dans des arrangements de Lila Hajosi, des extraits de l’Acathiste à la Mère de Dieu et le Polyeleos de la liturgie de Constantinople.

L’enregistrement est interprété par l’Ensemble Irini en quintette vocal mixte, avec Eulalia Fantova, mezzo-soprano, Julie Azoulay, contralto, Benoît-Joseph Meier, ténor, Guglielmo Buonsanti, basse, et Alessandro Ravasio, basse. Le programme propose une continuité musicale entre la Renaissance occidentale et la tradition byzantine, dans une approche centrée sur la voix et la dimension liturgique.

‍

La Dame de mes songes prend pour point de départ la figure de Dulcinée, telle qu’elle apparaît dans les Chansons de Don Quichotte d’Alexandre Arnoux et Jacques Ibert (1932). Le programme explore la manière dont de nombreux compositeurs français, des années 1830 aux années 1930, ont imaginé l’Espagne à travers une vision souvent associée à l’Andalousie, tout en intégrant d’autres régions telles que la Vieille Castille, l’Estrémadure et Murcia. Le parcours musical s’appuie sur des œuvres de compositeurs comme Henri Collet, Federico García Lorca, Emiliana de Zubeldía, Raoul Laparra et Jacques Ibert.

Les pistes qui ouvrent et clôturent le programme proviennent d’enregistrements de terrain collectés par l’ethnomusicologue Manuel García Matos. L’absence de partitions souligne l’importance de la tradition orale, qui constitue un axe central du projet. Les compositions s’inspirent de chants et de danses populaires, impliquant une liberté d’interprétation liée à l’évolution constante de ces formes musicales.

Le répertoire mobilise des rythmes de danse tels que la habanera, le bolero, la seguidilla, les sevillanas et le jaleo, ainsi que la gamme et la cadence dites andalouses. Les figurations de la guitare occupent une place importante, aux côtés du clavecin, qui apporte une couleur spécifique tout en préservant la richesse harmonique du piano. La voix explore une large palette d’affects et d’ambitus. Le programme est interprété par Guilhem Worms et Camille Delaforge, accompagnés de Ronald Martin Alonso.

‍

Of Grief and the Divine est un programme consacré aux verse anthems anglais du XVIIe siècle de Matthew Locke (1621–1677) et John Blow (1649–1708). Ces œuvres, écrites pour voix solistes, ensemble vocal et basse continue, s’inscrivent dans la liturgie de l’Église anglicane à l’époque de la Restauration. Le verse anthem repose sur l’alternance de sections solistes et de passages choraux, avec un accompagnement instrumental, permettant une articulation directe entre écriture musicale et texte biblique.

Le programme rassemble des anthems fondés sur des textes issus des Écritures, abordant des thèmes liés à la contrition, à la repentance, à l’espérance et à la grâce. Les œuvres sélectionnées témoignent du contexte politique, religieux et social de l’Angleterre du milieu du XVIIe siècle, marqué par la Guerre civile, le Commonwealth, la Restauration monarchique, la peste de 1665 et le grand incendie de Londres de 1666. Les pièces de Locke et Blow illustrent l’évolution du verse anthem, intégrant des éléments issus du consort anthem, de la musique concertante et des traditions liturgiques anglaises.

L’enregistrement est interprété par l’Ensemble Cosmos. Les solistes vocaux sont Morgane Collomb et Alice Kamenezky, sopranos, Damien Ferrante, contre-ténor, Paco Garcia et Richard Golian, ténors, et Maxime Saïu, baryton-basse. La basse continue est assurée par Justin Glaie à la viole de gambe et Loris Barrucand à l’orgue positif et au virginal. L’enregistrement a été réalisé en novembre 2020 à l’église Saint-Pierre de Montmartre à Paris.

‍

‍

L’Assunzione della Beata Vergine est un oratorio d’Alessandro Scarlatti composé sur un livret du cardinal Pietro Ottoboni et créé à Rome le 1er avril 1703. L’ouvrage met en scène, sans chœur, quatre personnages symboliques — Sposo, Sposa, Amore et Eternità — qui dialoguent autour du mystère de l’Assomption de la Vierge Marie, à travers une succession de récitatifs, airs, duos et sinfonias répartis en deux parties.

L’œuvre repose sur une écriture vocale soliste pour deux sopranos et deux altos, associée à un ensemble instrumental composé de cordes et d’une basse continue développée. L’oratorio se caractérise par la variété de ses formes musicales, alternant airs accompagnés, airs de bravoure, récitatifs expressifs et duos, mettant en valeur la diversité du langage dramatique et spirituel de Scarlatti au début du XVIIIe siècle.

Cet enregistrement est interprété par l’Ensemble Baroque de Monaco sous la direction de Matthieu Peyrègne, qui assume également le rôle d’Eternità. Les rôles de Sposo, Sposa et Amore sont confiés à Béatrice Gobin, Aurora Peña et Mélodie Ruvio. L’ensemble instrumental réunit violons, altos, violoncelle, viole de gambe, contrebasse, luth, théorbe et clavecin, dans une approche fondée sur les sources manuscrites et les pratiques musicales de l’époque baroque.

‍

Le Chansonnier de Bayeux est un programme consacré à des chansons françaises de la fin du XVe siècle et du début du XVIe siècle, issues principalement du manuscrit Paris, Bibliothèque nationale de France, fonds français 9346. Ce recueil rassemble majoritairement des monodies anonymes traitant de thèmes variés tels que l’amour, la satire, la vie quotidienne, la guerre et la boisson, avec quelques mélodies également attestées dans des sources polyphoniques contemporaines.

Le programme met en évidence la circulation des mélodies entre monodie et polyphonie à la Renaissance, ainsi que les procédés de transformation liés au cantus firmus, à l’imitation et aux variantes mélodiques. Certaines chansons du manuscrit apparaissent également dans des œuvres polyphoniques de compositeurs tels que Guillaume Dufay, Heinrich Isaac, Antoine Févin, Jean Mouton, Alexander Agricola ou Mathieu Gascongne, attestant la diffusion et l’adaptation de ce répertoire dans différents contextes musicaux.

L’album est interprété par Brigitte Lesne (chant, harpe gothique, chifonie, percussions) et Pierre Boragno (flûtes à bec, flûtes à une main, cornemuses, bombarde), avec la participation de Pierre Hamon et Benoît Toïgo. L’instrumentarium associe instruments adaptés à la monodie et à la polyphonie, dans une approche fondée sur l’étude critique des sources et des variantes manuscrites. L’enregistrement a été réalisé en octobre 2019 à l’Auditorium Antonin Artaud à Ivry-sur-Seine.

‍

Variations amoureuses réunit des chansons, conduits, motets et rondeaux du XIIIe siècle issus des traditions profanes et mariales, en langue d’oïl et en latin. Le programme met en relation des œuvres fondées sur des procédés de variation et de contrafactum, où une même mélodie circule entre monodie et polyphonie, entre répertoires profane et sacré, selon les sources manuscrites médiévales conservées en France, en Italie, en Allemagne et en Angleterre.

L’ensemble Alla francesca, dirigé par Brigitte Lesne, interprète ce répertoire à partir d’un travail sur les manuscrits et sur les traditions de transmission orale. Le programme associe chansons d’amour courtois, chants de malmariée et répertoires marials, avec des œuvres attribuées notamment à Thibaut de Blaison, Gautier de Coinci, Blondel de Nesles, Adam de la Halle, Richart de Fournival et Philippe le Chancelier.

Ce disque est le dix-huitième enregistrement d’Alla francesca et le premier publié sur le label Paraty. Il associe voix et instruments médiévaux, dont vièles, harpe, rote, percussions et cloches, dans des versions établies à partir des différentes variantes attestées par les sources, mettant en évidence les processus d’écriture, de transformation et de transmission musicale au Moyen Âge.

‍

Mosaïque est un programme pour deux guitares consacré à un répertoire français s’étendant du XVIIIᵉ au XXᵉ siècle. L’album réunit des œuvres d’Antoine de Lhoyer, Jean-Philippe Rameau, Gabriel Fauré, Claude Debussy et Pierre Petit, présentées dans des arrangements pour duo de guitares réalisés par le Duo Palissandre ou par Tristan Manoukian. Le programme associe musique baroque, classique, romantique et moderne dans une succession de formes contrastées.

Les pièces de Rameau, extraites des Nouvelles suites de pièces de clavecin de 1728, côtoient le Duo concertant n°3 op.31 d’Antoine de Lhoyer, représentatif du répertoire classique pour guitare. La Suite Dolly de Gabriel Fauré, initialement écrite pour piano à quatre mains, ainsi que Clair de lune de Debussy et la Toccata de Pierre Petit, témoignent de l’évolution du langage musical français et de son adaptation à l’écriture pour deux guitares.

L’album est interprété par le Duo Palissandre, formé par Vanessa Dartier et Yann Dufresne aux guitares. Il a été enregistré en juillet 2017 au Studio Babel à Montreuil. La production est assurée par Paraty, avec une prise de son, un montage et un mastering réalisés par Vincent Joinville.

‍

Au bord du rêve est un programme pour violoncelle et piano réunissant vingt-trois pièces courtes issues du répertoire vocal et instrumental des XIXᵉ et XXᵉ siècles, centrées autour des thèmes de la berceuse, du nocturne, de la rêverie et du chant du soir. Le programme associe des œuvres de Franz Liszt, Manuel de Falla, Robert Schumann, Claude Debussy, Franz Schubert, Gabriel Fauré, Edvard Grieg, Richard Wagner, Piotr Ilitch Tchaïkovski, Igor Stravinski, Richard Strauss, ainsi que de compositeurs moins fréquemment enregistrés tels que Louis Aubert, Lucien Durosoir, Alexandre Gretchaninov, Fernand de La Tombelle, Armas Järnefelt, Franz Xaver Neruda et Jacob Fabricius.

La majorité des œuvres sont présentées dans des transcriptions ou arrangements pour violoncelle et piano, réalisés par Aurélienne Brauner et Lorène de Ratuld, à partir de pièces initialement écrites pour chant et piano, piano seul ou autres formations instrumentales. Le programme alterne berceuses, nocturnes, rêveries et pièces de caractère, avec quelques pages plus animées, constituant un parcours continu de miniatures musicales organisées comme une succession de tableaux.

L’album est interprété par Aurélienne Brauner au violoncelle et Lorène de Ratuld au piano. Il a été enregistré du 5 au 8 décembre 2021 à la Collégiale Saint-Marcel de Prémery, avec plusieurs pièces captées en concert lors du Festival de Prémery en 2021. La production est assurée par Paraty, avec une prise de son de Robert Verguet et un montage, mixage et mastering réalisés par Aurélien Marotte.

‍

Cet enregistrement met en regard des œuvres de Johann Sebastian Bach et de Paul Hindemith, à travers des transcriptions et des pièces de musique de chambre destinées à des instruments modernes. Le programme associe deux sonates de Bach pour flûte et clavecin, BWV 1031 et BWV 1032, à des œuvres de Hindemith comprenant la Sonate pour hautbois et piano, la Sonate pour cor ou saxophone et piano, ainsi que le Trio pour alto, heckelphone et piano op. 47.

Le projet s’inscrit dans une réflexion sur la continuité des formes et de l’écriture contrapuntique entre le baroque et le néoclassicisme. Les œuvres de Hindemith, directement nourries par l’héritage de Bach, font appel à des structures proches de la sonate da chiesa, à l’imitation et au contrepoint, tout en intégrant un langage harmonique et rythmique du XXᵉ siècle. Les sonates de Bach sont présentées dans des versions adaptées aux possibilités expressives du saxophone et du piano, sans renier les principes formels originaux.

L’album est interprété par le Duo Azar, réunissant Carl-Emmanuel Fisbach aux saxophones et Wenjiao Wang au piano, avec la participation de Pierre Lenert à l’alto dans le Trio de Hindemith. Il a été enregistré en avril 2018 à la Salle Colonne à Paris. La production est assurée par Paraty, avec une prise de son, un montage et un mastering réalisés par Étienne Graindorge.

‍

Iguaçu est le premier enregistrement du Duo Aurore, consacré à un répertoire brésilien et argentin des XXᵉ et XXIᵉ siècles pour deux pianos et piano à quatre mains. Le programme rassemble des œuvres de Mozart Camargo Guarnieri, Aloysio de Alencar Pinto, Carlos Guastavino, Radamés Gnattali, Heitor Villa-Lobos, Astor Piazzolla et Hércules Gomes, associant pièces emblématiques et créations plus récentes.

Le titre de l’album fait référence aux chutes d’Iguaçu, situées à la frontière du Brésil et de l’Argentine, et reflète le dialogue entre les cultures musicales des deux pays. Le programme met en lumière des formes et styles variés, tels que danses, romances, choro, valse, tango et samba, souvent nourris par les musiques populaires et caractérisés par une richesse rythmique et harmonique marquée.

L’album est interprété par le Duo Aurore, formé par Renata Bittencourt et Diego Munhoz aux pianos, avec la participation du percussionniste Florentin Morel sur O Trenzinho do Caipira. Il a été enregistré en octobre 2018 à l’Auditorium du CRR de Paris. La production est assurée par Paraty, avec une prise de son et un mastering réalisés par Frédéric Briant.

‍

Le Printemps dans l’âme est un programme pour clarinette et piano construit autour d’œuvres du XXᵉ et XXIᵉ siècles, mêlant répertoire français, américain et britannique. Le disque réunit des pièces de Joseph Horovitz, Jean Françaix, Claude Debussy, Leonard Bernstein, Olivier Dartevelle et Darius Milhaud, dans une alternance de formes courtes et de cycles structurés, allant de la sonatine à la rhapsodie et à la sonate.

Le programme met en évidence l’influence du jazz et des musiques populaires dans l’écriture de plusieurs œuvres, tant sur le plan rythmique qu’harmonique. La Sonatine de Horovitz, la Sonate de Bernstein et la pièce de Dartevelle dialoguent avec la Première Rhapsodie de Debussy et Scaramouche de Milhaud, dont la réduction pour duo évoque le Brésil et la samba. Les œuvres abordent également des univers liés à l’enfance, au voyage et à la narration musicale.

L’album est interprété par le Duo Anthemis, formé par Juliette Boubel au piano et Florent Charpentier à la clarinette. Il a été enregistré en mai 2022 à la Salle de l’Esplanade de l’Arsenal de Metz. La production est assurée par Paraty, avec une prise de son, montage, mixage et mastering réalisés par Frédéric Briant.

‍

Cet album rassemble quatre œuvres orchestrales de David Lampel composées entre 2004 et 2019 : Symphonic Studies for Orchestra, Concerto for Cello and Orchestra, Mandala Symphony for Orchestra et Concerto for Piano and Orchestra. Chaque pièce explore une forme distincte, allant de la suite d’études orchestrales à la symphonie en cinq mouvements, en passant par deux concertos solistes.

Les Symphonic Studies for Orchestra reposent sur un motif unique dérivé des lettres musicales de la ville de Sofia, développé à travers une série d’études contrastées mettant en valeur les groupes instrumentaux, les techniques d’écriture orchestrale et la forme globale de l’œuvre. Le Concerto for Cello and Orchestra s’inscrit dans la tradition du concerto classique et romantique, en instaurant un dialogue continu entre le soliste et l’orchestre, structuré autour de motifs successifs et d’un renversement formel entre les deux parties.

La Mandala Symphony for Orchestra, inspirée du symbole bouddhique du mandala, se déploie en cinq mouvements correspondant à des notions de sagesse, volonté, patience, énergie et sérénité. Le Concerto for Piano and Orchestra adopte une forme cyclique construite autour de la note ré, avec une alternance rythmique et thématique évoquant des formes contrapuntiques et figuratives. L’album réunit l’Orchestre Symphonique de Mulhouse et l’Orchestre Victor Hugo Franche-Comté, sous la direction de Jacques Lacombe, Jean-François Verdier et Joseph Bastian, avec Emmanuelle Bertrand au violoncelle et Marie-Josèphe Jude au piano.

‍

Cet enregistrement est consacré aux pièces pour clavecin de Jean-Philippe Rameau, issues principalement des recueils de 1724 et 1728 ainsi que de La Dauphine (1747), interprétées à la harpe moderne. Le programme rassemble des œuvres emblématiques telles que Les Cyclopes, L’Entretien des muses, Les Soupirs, Les Tendres Plaintes, La Poule, Les Sauvages et L’Enharmonique, organisées en suites correspondant aux tonalités d’origine.

Le projet s’inscrit dans une démarche de lecture directe des partitions de clavecin, sans réécriture systématique, en interrogeant le passage du timbre et du geste instrumental du clavecin à la harpe. Il aborde les questions de tempérament, d’ornementation française, de style brisé et de densité harmonique, en tenant compte des contraintes mécaniques et sonores propres à la harpe moderne à pédales.

L’album est interprété par Constance Luzzati à la harpe Camac Atlantide Prestige. Il a été enregistré en décembre 2021 à l’Abbaye de Royaumont. La production est assurée par Paraty, avec une prise de son et un mastering réalisés par Marie-Ange Carrez. Les textes du livret sont signés Constance Luzzati.

‍

Cet album réunit des œuvres pour clavecin français du XVIIIe siècle transcrites pour harpe, de François Couperin, Jacques Duphly, Pancrace Royer, Antoine et Jean-Baptiste Forqueray, ainsi que Michel Corrette. Le programme inclut notamment Les Barricades mystérieuses, La Marche des Scythes, Médée, Jupiter, Les Regrets et plusieurs pièces issues des Pièces de viole mises en pièces de clavecin des Forqueray, explorant un répertoire initialement conçu pour clavecin ou viole de gambe.

Le projet s’inscrit dans une réflexion sur la transcription au XVIIIe siècle et sur le passage des œuvres entre viole de gambe, clavecin et harpe. Les pièces choisies interrogent les limites techniques et expressives de l’instrument, en particulier dans les registres graves, le chromatisme, le style brisé et les effets de densité sonore. Certaines œuvres sont interprétées en duo, proposant une approche intermédiaire entre la partition de viole avec basse continue et la transcription pour clavecin seul.

L’album est interprété par Constance Luzzati à la harpe, accompagnée de Caroline Delume au théorbe sur plusieurs pièces. Il a été enregistré en décembre 2023 à l’Abbaye de Royaumont, sur une harpe Camac Atlantide Prestige. La production est assurée par Paraty, avec une prise de son, montage, mixage et mastering réalisés par Marie-Ange Carrez.

‍

Ce programme réunit des songs anglais de la fin de la Renaissance, composés par Robert Jones, John Dowland, Tobias Hume et Alfonso Ferrabosco II. Le corpus s’appuie principalement sur The Second Booke of Songs and Ayres de Robert Jones (1601), The Second Booke of Songs or Ayres de John Dowland (1600) et The First Part of Ayres de Tobias Hume (1605), ainsi que sur des pièces instrumentales issues des Lessons for 1, 2 and 3 Viols de Ferrabosco II.

L’enregistrement met en regard différentes pratiques d’accompagnement vocal de l’époque élisabéthaine, associant voix, viole de gambe et luth renaissance. Il explore notamment l’usage de la lyra-viol en tablature, les systèmes d’accords spécifiques tels que le First Tuning, et la coexistence de fonctions monodiques et polyphoniques de la viole de gambe dans le répertoire vocal anglais du début du XVIIe siècle.

L’album est interprété par l’Ensemble Près de votre oreille, réunissant Anaïs Bertrand (mezzo-soprano), Nicolas Brooymans (basse), Thibaut Roussel (luth renaissance) et Robin Pharo (viole de gambe et direction). Il a été enregistré en juin 2018 au théâtre élisabéthain du Château d’Hardelot, avec un diapason à 400 Hz et un tempérament mésotonique au sixième de comma.

‍