Voyage Esquisse est une invitation au déplacement intérieur, à travers un répertoire où la miniature devient paysage et où l’esquisse révèle toute sa force expressive. Conçu autour du dialogue entre le saxophone et le piano, cet album met en lumière un art du détail, de la couleur et de la suggestion, nourri par l’élégance française et l’imaginaire du voyage.

Interprété par Alexandre Souillart, saxophone, et Matthieu Acar, piano, le programme traverse des œuvres marquées par le folklore stylisé, les parfums d’ailleurs et une écriture ciselée, héritière de la première moitié du XXe siècle. Les transcriptions et arrangements, pensés comme de véritables recréations, révèlent une palette sonore riche, où la souplesse du saxophone dialogue avec la profondeur et la clarté du piano.

À la croisée de la virtuosité et de la poésie, Voyage Esquisse propose une écoute à la fois raffinée et accessible. L’album s’inscrit dans une tradition chambriste renouvelée, offrant un regard sensible et contemporain sur des pages musicales où l’évocation, le caractère et l’émotion priment sur la démonstration.

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Blued Voices est un projet profondément personnel du compositeur et multi-instrumentiste Alejandro Bonatto, né d’un long processus de maturation et de mémoire. Les œuvres qui composent cet album, écrites sur plus de vingt ans, dessinent un paysage sonore où se mêlent réminiscences, voix intérieures et traces du passé, dans une atmosphère à la fois intime et cinématographique.

À la croisée des écritures acoustiques et électroniques, Alejandro Bonatto développe un langage singulier, nourri de références baroques, romantiques et contemporaines, mais toujours transformées par une approche sensible du timbre et de l’espace. Les textures électroniques prolongent les instruments, les voix deviennent matières sonores, et chaque pièce semble émerger comme un fragment de souvenir, fragile et suspendu.

Blued Voices s’écoute comme une traversée émotionnelle, où le temps se dilate et où les frontières entre musique écrite, improvisation et paysage sonore s’estompent. Cet album révèle la voix artistique d’Alejandro Bonatto dans toute sa profondeur, proposant une expérience d’écoute immersive, introspective et résolument actuelle.

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3 Aspects of Emotions explore trois univers expressifs contrastés à travers le piano solo, mettant en regard Maurice Ravel, Aleksandar Petrović et Alexandre Scriabine. Ce programme dessine un parcours émotionnel allant de la clarté raffinée à l’intensité visionnaire, où chaque œuvre révèle une facette singulière de la sensibilité moderne.

Pianiste au jeu profondément incarné, Vanya Pesheva aborde ces pages comme autant de paysages intérieurs. Chez Ravel, la couleur et la transparence du timbre évoquent une poésie suspendue ; chez Petrović, l’écriture contemporaine s’inscrit dans une tension dramatique et rythmique affirmée ; chez Scriabine enfin, l’élan mystique et la liberté harmonique ouvrent un espace sonore incandescent.

À travers ce dialogue entre styles, époques et langages, Vanya Pesheva construit un récit cohérent et personnel, où la virtuosité reste toujours au service de l’expressivité. 3 Aspects of Emotions s’impose ainsi comme un album de piano introspectif et contrasté, invitant l’auditeur à une traversée émotionnelle dense, intime et résolument actuelle.

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Avec l’intégrale des Valses de Frédéric Chopin, Aimo Pagin propose bien plus qu’un parcours exhaustif : une immersion sensible dans l’univers intime d’un compositeur qui a profondément renouvelé l’écriture pianistique. Loin de la valse mondaine ou strictement dansante, Chopin y déploie une palette d’émotions contrastées, où la virtuosité côtoie la confidence, la légèreté l’ombre mélancolique, et où chaque pièce semble porter une voix singulière, presque autobiographique.

Interprétées par Aimo Pagin, ces pages révèlent toute leur richesse poétique et structurelle. Son approche, nourrie par une profonde culture du répertoire romantique et par une attention constante au chant intérieur, met en lumière la finesse des lignes, la souplesse rythmique et l’ambiguïté harmonique propres à Chopin. Enregistrées sur un piano Bösendorfer, ces Valses bénéficient d’une sonorité ample et nuancée, idéale pour restituer la profondeur expressive et la clarté du discours musical.

Ce disque s’inscrit ainsi comme une lecture à la fois fidèle et personnelle de l’une des œuvres les plus emblématiques du répertoire pour piano. À travers cette intégrale, Aimo Pagin affirme une vision cohérente et habitée de Chopin, compositeur du secret, de l’élégance et de l’intensité intérieure, offrant à l’auditeur un voyage continu entre éclat, nostalgie et raffinement sonore.

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Cantar de Novo marque le retour créatif du projet A Banda & Guests, porté par l’envie de renouer avec l’élan collectif, la chanson et la joie du jeu partagé. À la croisée des musiques populaires brésiliennes, de la chanson francophone et d’une écriture résolument contemporaine, cet album revendique une énergie vivante, chaleureuse et profondément humaine, où chaque morceau se construit comme un espace de rencontre.

Autour du noyau formé par Julien Doumenjou et Patricia Lestre, A Banda s’entoure d’une constellation d’invités qui viennent enrichir les textures, les timbres et les couleurs. Voix, cordes, vents et percussions dialoguent dans un esprit de circulation permanente, faisant de chaque titre une petite scène ouverte où la narration, le rythme et la mélodie avancent ensemble, sans hiérarchie figée.

Entre nostalgie assumée et regard tourné vers l’avenir, Cantar de Novo célèbre le plaisir de chanter à nouveau, de raconter le monde avec simplicité et profondeur. L’album affirme une identité musicale libre, collective et sincère, où la diversité des influences nourrit une écriture accessible, engagée et généreuse, invitant l’auditeur à partager un moment de musique authentique et fédérateur.

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Mimesis est un programme consacré à l’art de la transcription et de l’imitation chez Johann Sebastian Bach, au cœur même de sa pensée musicale. Fidèle à une tradition baroque largement répandue, l’ensemble Laterna Magica propose ici une relecture inventive d’œuvres emblématiques, où la transformation du matériau original ne relève ni de la copie ni de la simple adaptation, mais d’un véritable geste créatif. À travers ces transcriptions, la musique de Bach révèle une nouvelle lumière, tout en conservant la force spirituelle et architecturale qui la caractérise.

Les sonates en trio, préludes de choral et pages concertantes réunis dans cet enregistrement explorent l’équilibre subtil entre rigueur contrapuntique et expressivité instrumentale. Les lignes dialoguent, s’imitent et se répondent dans un jeu de textures où les flûtes à bec, le violoncelle, le clavecin et l’orgue déploient une palette sonore d’une grande clarté. La musique sacrée et la musique de chambre s’y rejoignent dans une même dynamique, où l’élan italien, la finesse française et la profondeur germanique cohabitent naturellement.

Fondé sur une pratique approfondie de la transcription, cet enregistrement est interprété par Laterna Magica, avec Nathalie Houtman et Laura Pok aux flûtes à bec, Bernard Woltèche au violoncelle, et Raphaël Collignon au clavecin et à l’orgue. Leur approche met en valeur l’esprit de mimésis cher à Bach, dans lequel l’imitation devient source de renouvellement et d’élargissement de l’espace sonore, offrant à l’auditeur une écoute à la fois savante, fluide et profondément expressive.

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Opera Minima: Handel with Care propose une relecture intime et inventive de l’univers lyrique de Georg Friedrich Haendel, en explorant ses opéras sous une forme réduite et chambriste. Loin de la monumentalité des grandes scènes baroques, ce projet met en lumière la force expressive de la mélodie, la théâtralité du geste musical et la puissance émotionnelle du texte, concentrées dans un format volontairement épuré.

L’ensemble Laterna Magica s’empare de ces pages avec une grande liberté artistique, en jouant sur la proximité entre voix et instruments. Les airs et extraits choisis révèlent la richesse dramatique de Haendel, où passions humaines, conflits intérieurs et élans virtuoses se déploient avec une intensité directe. Cette approche minimaliste redonne toute sa place à l’écoute, à la respiration et à la narration musicale.

Porté par les interprètes de Laterna Magica, Opera Minima: Handel with Care offre une nouvelle porte d’entrée vers l’opéra baroque, accessible sans jamais être simplifiée. Le projet affirme une vision sensible et contemporaine de Haendel, où la réduction des moyens renforce la profondeur expressive et la force théâtrale de la musique.

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Avec ce deuxième volume des Messes retrouvées de Jehan Titelouze, l’Ensemble Les Meslanges poursuit une exploration majeure du patrimoine sacré français du début du XVIIᵉ siècle. Considéré comme le père de l’école française d’orgue, Titelouze déploie ici une écriture d’une ampleur architecturale remarquable, où la polyphonie vocale dialogue étroitement avec l’orgue dans une pensée liturgique profondément structurée.

Sous la direction musicale de Thomas Van Essen et Volny Hostiou, l’Ensemble Les Meslanges redonne vie à ces pages rares avec une attention particulière portée à la clarté du texte, à l’équilibre des lignes et à la rhétorique du discours sacré. L’alternance entre hymnes, Magnificat et pièces d’orgue révèle la richesse expressive d’un langage à la croisée de la Renaissance finissante et des prémices du baroque français.

L’orgue historique de Champcueil, tenu par François Ménissier, joue un rôle central dans cette recréation sonore, apportant couleurs, souffle et profondeur à l’ensemble du programme. Ce volume II s’impose comme une référence discographique, à la fois rigoureuse sur le plan musicologique et intensément habitée, offrant une immersion rare dans l’univers spirituel et sonore de Jehan Titelouze.

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Les Messes retrouvées de Jehan Titelouze proposent une immersion exceptionnelle dans la naissance de l’école française d’orgue au début du XVIIe siècle. À travers hymnes, Magnificat et pièces d’orgue, ce premier volume met en lumière une musique liturgique d’une grande richesse contrapuntique, où le plain-chant dialogue avec l’écriture savante dans une esthétique à la fois solennelle et profondément expressive.

Interprétées selon la pratique de l’alternatim, ces œuvres révèlent le rôle central de l’orgue dans la liturgie française de la Renaissance tardive. L’écriture de Titelouze, influencée par le contrepoint franco-flamand, déploie une architecture sonore rigoureuse, portée par une spiritualité dense et une clarté formelle remarquable.

L’Ensemble Les Meslanges, sous la direction de Thomas Van Essen et Volny Hostiou, s’associe à François Ménissier à l’orgue de Champcueil pour restituer toute la force et la subtilité de ce répertoire fondateur. Ce disque constitue une redécouverte majeure d’un compositeur essentiel et un jalon important pour la compréhension de la musique sacrée française.

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Dialogue de l’Eau et de l’Air explore l’univers pianistique de Claude Debussy à travers une traversée sensible et poétique de ses paysages sonores. L’eau, le vent, le mouvement et la lumière constituent le fil conducteur de ce programme, où la matière musicale semble en perpétuelle métamorphose. Les œuvres choisies révèlent un Debussy à la fois architecte du son et peintre de l’instant, où chaque motif suggère un espace, une respiration, une vibration.

Au piano à quatre mains, Véra Tsybakov et Romain Hervé instaurent un véritable jeu de résonances et de miroirs, donnant corps à ce dialogue élémentaire entre fluidité et souffle. Leur approche met en valeur la richesse harmonique, la souplesse rythmique et la transparence des textures, notamment dans les transcriptions de La Mer, les Préludes et les pages emblématiques inspirées par l’eau et la nature. Le piano devient ici un orchestre de nuances, capable de suggérer profondeur, mouvement et clarté.

Ce programme met en lumière la modernité intacte de Debussy et son art de l’allusion, où rien n’est jamais figé. Dialogue de l’Eau et de l’Air propose une écoute immersive, intime et contemplative, portée par une grande exigence musicale et une attention constante au timbre. Un disque qui invite à redécouvrir Debussy sous l’angle du geste partagé et de l’écoute intérieure.

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Naissance de Vénus propose un vaste panorama de la musique chorale française du XXe siècle, où la voix devient à la fois matière sonore, geste poétique et force rituelle. De la finesse médiévale revisitée par Claude Debussy aux architectures vocales visionnaires d’Olivier Messiaen, ce programme traverse des univers contrastés qui interrogent le rapport entre texte, timbre et spiritualité. Chaque œuvre explore une facette singulière de l’expression vocale, entre clarté de la diction, sensualité des couleurs et audace formelle.

Sous la direction de Mihály Zeke, Arsys Bourgogne déploie une palette d’une grande richesse expressive dans des pages majeures de Maurice Ravel, Florent Schmitt, Francis Poulenc, Darius Milhaud et Joseph Canteloube. Les Trois chansons de Charles d’Orléans et les Trois chansons de Ravel dialoguent avec les climats âpres et dramatiques d’À contre-voix, la sobriété poignante d’Un soir de neige et la tension incantatoire des Cinq Rechants. La Naissance de Vénus de Milhaud, œuvre centrale du programme, fait surgir une énergie tellurique et archaïque, nourrie de rythmes et de couleurs primordiales.

À travers ce parcours exigeant, Arsys Bourgogne affirme son identité artistique fondée sur la précision, l’engagement collectif et la recherche du sens. L’ensemble restitue ces partitions avec une intensité dramatique et une maîtrise vocale remarquables, faisant de Naissance de Vénus un disque à la fois profondément incarné et emblématique du renouveau choral français. Ce programme met en lumière la voix comme lieu de mémoire, de naissance et de métamorphose.

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Ce disque révèle les sonates pour violoncelle et basse continue de Giorgio Antoniotto, compositeur italien né à Milan en 1681 et mort à Calais en 1766, figure singulière du début du XVIIIᵉ siècle. Longtemps restée dans l’ombre, sa musique se distingue par une audace harmonique remarquable et une écriture expressive qui dépasse la simple fonction de basse alors dévolue au violoncelle. Ces pages témoignent d’un moment charnière où l’instrument s’affirme comme véritable voix soliste.

Interprétées par l’Ensemble Hemiolia, avec Claire Lamquet au violoncelle, ces sonates révèlent une alternance subtile entre sensualité méditative et virtuosité incisive. Les mouvements lents déploient une profondeur presque vocale, tandis que les sections rapides, d’inspiration violonistique, soulignent l’énergie et l’inventivité du discours musical. Le continuo, enrichi par la viole de gambe, le clavecin et le théorbe, apporte une palette de couleurs raffinée et vivante.

Cet enregistrement s’inscrit comme une redécouverte essentielle d’un compositeur à la trajectoire européenne mouvementée, soldat, théoricien et musicien. Les sonates d’Antoniotto apparaissent ici comme le témoignage le plus tangible de son imaginaire sonore, entre tradition italienne et recherche expérimentale, offrant au répertoire baroque pour violoncelle une contribution aussi rare que précieuse.

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Dualità est un parcours pianistique conçu comme une exploration de la tension entre les contraires, entre dissonance et réconciliation, chaos et équilibre. À travers dix-sept œuvres – dont cinq compositions personnelles – le pianiste Silas Bassa tisse un fil continu reliant des univers esthétiques très contrastés, de Johann Sebastian Bach à Philip Glass, de Messiaen à Berio, de Górecki à Ravel. L’album se construit comme une entité organique, guidée par une énergie unique où chaque pièce dialogue avec la suivante dans un jeu constant d’oscillations et de miroirs.

Le programme s’ouvre sur Regard du Père d’Olivier Messiaen, confrontation vertigineuse entre l’homme et l’infini, à laquelle répond Kleinstücke, première œuvre composée par Silas Bassa. Les Études de Philip Glass, la Sonate op. 6 de Henryk Górecki ou Wasserklavier de Luciano Berio prolongent cette réflexion sur la fracture intérieure, la violence contenue et la quête de sens. La présence du poème Le Gibet d’Aloysius Bertrand, récité par Nita Klein, et de la pièce éponyme de Maurice Ravel introduit la thématique de la mort, du temps suspendu et de l’angoisse immobile.

Les compositions originales de Silas Bassa, de Santa Fe à Into the Rush, jalonnent ce parcours comme autant de points de bascule, cherchant à dépasser la dualité pour atteindre une forme de non-dualité intérieure. Enregistré sur un piano Steinway D, Dualità s’impose comme un projet profondément personnel, où l’interprète assume pleinement son rôle de compositeur, de narrateur et de passeur. Ce disque propose une expérience immersive, à la fois introspective et universelle, invitant l’auditeur à traverser ses propres zones de tension pour y trouver un fragile équilibre.

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Ce programme consacré à Marin Marais traverse vingt-cinq années de création, du Deuxième Livre de Pièces de Viole (1701) au Cinquième Livre (1725), offrant un panorama dense et contrasté de l’art du plus grand violiste français du règne de Louis XIV. Suites, préludes, fantaisies, chaconnes et tombeaux composent un univers où la danse, l’éloquence et l’expressivité se rejoignent dans une écriture d’une clarté exceptionnelle, rendue immédiatement lisible par la richesse des indications laissées par le compositeur.

Les Folies d’Espagne, variations emblématiques du Livre II, dialoguent ici avec les grandes suites tardives, révélant l’évolution stylistique de Marais, de la virtuosité flamboyante à une profondeur plus introspective. Cette musique, à la fois savante et charnelle, se déploie comme un théâtre sonore où chaque pièce raconte un caractère, une humeur ou un paysage intérieur, dans une langue musicale qui demeure étonnamment directe et vivante.

Fuoco E Cenere propose une lecture incarnée et narrative de ce répertoire, portée par Jay Bernfeld (viole de gambe, direction), Ronald Martin Alonso (viole de gambe), André Henrich (théorbe) et Bertrand Cuiller (clavecin). Leur interprétation privilégie le souffle, la couleur et la continuité du discours, faisant entendre Marin Marais non comme une figure muséale, mais comme un compositeur de chair et de voix, toujours capable de toucher l’auditeur d’aujourd’hui.

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Avec Pièces de viole (1709), Fuoco E Cenere ressuscite l’un des trésors méconnus du Grand Siècle français : le Premier Livre de Pièces de Violle de Jacques Morel, publié à Paris sous le règne de Louis XIV. Élève revendiqué de Marin Marais, Morel y déploie un art raffiné de la suite française, mêlant danse, éloquence et poésie sonore, dans une écriture à la fois intime et profondément expressive.

Les quatre suites pour basse de viole, construites autour de préludes improvisés et de danses stylisées, révèlent une musique compacte, pensée comme un tout cohérent, enrichie de portraits, de lieux et de caractères. Le programme s’achève par une somptueuse Chaconne en trio, où la viole dialogue avec le continuo et la flûte ou le violon, offrant une synthèse lumineuse du goût français au tournant du XVIIIᵉ siècle.

Sous la direction du violiste Jay Bernfeld, Fuoco E Cenere restitue cette musique avec une intensité narrative et une liberté de souffle remarquables. Jay Bernfeld (viole de gambe, direction), André Henrich (théorbe), Ronald Martin Alonso (viole de gambe), Bertrand Cuiller (clavecin), Patricia Lavail (flûte à bec), Pamela Bernfeld (violon) font entendre une lecture vivante, ciselée et profondément incarnée, redonnant à Jacques Morel la place qu’il mérite parmi les grands maîtres de la viole française.

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The Woods so Wild explore deux siècles de musique instrumentale anglaise, du milieu du XVIe au XVIIe siècle, à travers le prisme du consort, formation emblématique de la Renaissance britannique. Pavanes, gaillardes, fantaisies, variations et danses de masques dessinent un paysage sonore d’une richesse exceptionnelle, où l’élégance mélancolique côtoie l’énergie rythmique et le raffinement contrapuntique. Ce répertoire, longtemps associé aux divertissements de cour et aux pratiques domestiques de l’aristocratie élisabéthaine, révèle une identité musicale profondément singulière, à la fois ouverte aux influences continentales et jalousement préservée.

Le Consort Brouillamini redonne vie à ces pages en proposant ses propres transcriptions pour consort de flûtes à bec, formation historiquement attestée à la cour d’Angleterre dès le règne d’Henri VIII. Les œuvres de Holborne, Byrd, Tye, Farnaby, Locke ou Purcell sont ici abordées avec une attention particulière portée aux sources, aux traités anciens et aux instruments historiques, qu’ils soient de facture Renaissance ou baroque. Cette approche permet de mettre en lumière l’évolution progressive du langage musical anglais, depuis l’esthétique de la Renaissance tardive jusqu’aux prémices du style concertant.

À la fois savant et vivant, The Woods so Wild restitue la vitalité foisonnante de ce répertoire, où la musique de danse, la musique de consort et les formes issues du monde théâtral dialoguent en permanence. Fidèle à son identité audacieuse et inventive, le Consort Brouillamini propose un voyage immersif dans un univers sonore d’une grande expressivité, révélant toute la poésie, la diversité et la modernité de la musique instrumentale anglaise des XVIe et XVIIe siècles.

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Ce programme propose une relecture audacieuse et rigoureuse de l’œuvre de Johann Sebastian Bach à travers l’esthétique du consort de flûtes à bec. Héritée de la Renaissance, cette pratique consistant à réunir des instruments d’une même famille, de tailles différentes, permet une homogénéité sonore singulière et une grande richesse polyphonique. En transcrivant des pages majeures de Bach – concertos, préludes, fugues et chorals – le projet Flûtes en fugue met en lumière la plasticité de son écriture et sa capacité à traverser les instruments et les époques sans perdre de sa force ni de sa clarté.

Le Consort Brouillamini, formation réunissant cinq flûtistes issus du CNSMD de Lyon, a réalisé l’ensemble des transcriptions spécialement pour cet enregistrement. Les musiciens Guillaume Beaulieu, Virginie Botty, Élise Ferrière, Florian Gazagne et Aránzazu Nieto Vidaurrázaga ont mené un travail approfondi sur les questions de transposition, de tessiture et de circulation des voix, en s’inscrivant dans une démarche historiquement informée. Loin d’un simple exercice d’adaptation, ces arrangements prolongent l’esprit même de Bach, compositeur qui n’a cessé de transcrire, transformer et enrichir ses propres œuvres.

L’écriture contrapuntique de Bach trouve dans le consort de flûtes à bec un terrain d’expression particulièrement fécond, où chaque ligne conserve son autonomie tout en participant à un équilibre collectif. Les concertos transcrits, inspirés notamment de Vivaldi, dialoguent avec les pièces pour clavier dans un jeu permanent entre soliste et tutti, continuité et renouvellement. Flûtes en fugue affirme ainsi une vision vivante de la tradition, où la fidélité au texte va de pair avec l’invention, et où la musique de Bach apparaît comme un matériau toujours ouvert, propice à l’expérimentation et à la redécouverte.

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Avec ce programme consacré à Música callada et à plusieurs œuvres emblématiques de Federico Mompou, la pianiste Alice Ader explore une musique de l’intériorité, du silence et de la mémoire. Composées entre 1959 et 1967, les vingt-huit pièces de Música callada constituent l’aboutissement du langage épuré du compositeur catalan, une musique qui ne cherche pas l’effet mais la résonance intérieure. Inspirée par le mystique Jean de la Croix et son idée de « musique silencieuse », cette œuvre se situe aux confins du sonore et de l’indicible.

Dans cette interprétation, le piano devient espace, souffle et lumière. Chaque pièce, bien que d’une extrême simplicité formelle, possède une identité propre, traversée de contrastes subtils entre dépouillement, dissonance et apaisement. Alice Ader met en valeur la dimension processionnelle, méditative et parfois douloureuse de ce cycle, où souvenirs populaires catalans, errances intérieures et élans mystiques se succèdent comme autant de fragments de mémoire voilée.

Le programme est complété par les Paisajes et Angelico, pages descriptives et poétiques qui révèlent une autre facette de l’univers de Mompou, plus narrative mais tout aussi intime. Enregistré sur un piano Steinway de 1897, ce disque propose une lecture profondément habitée de l’œuvre de Federico Mompou, où le silence n’est jamais absence mais présence lointaine, et où chaque note semble déposée comme un geste d’offrande.

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