Ce disque réunit deux sommets du répertoire pour clarinette et piano, les Sonates op. 120 de Johannes Brahms et les Quatre pièces op. 5 de Alban Berg, dans une lecture qui met en regard la fin du romantisme et l’aube de la modernité. Ces œuvres, composées à des moments charnières de l’histoire musicale, dialoguent ici avec une évidence naturelle, comme un passage de relais entre deux mondes esthétiques.

Sous les doigts du clarinettiste Jérôme Comte et du pianiste Denis Pascal, la musique de Brahms révèle toute son humanité crépusculaire, faite de chaleur, de profondeur et d’une mélancolie lumineuse. Les sonates op. 120, dernières œuvres de musique de chambre du compositeur, sonnent comme un testament intime où la clarinette devient une véritable voix chantante.

En regard, les pièces brèves et intensément concentrées de Berg prolongent cet héritage tout en le transformant. Leur écriture fragmentée, d’une expressivité extrême, condense en quelques minutes une tension poétique et émotionnelle saisissante. Ce programme met ainsi en perspective continuité et rupture, tradition et avant-garde, dans une interprétation d’une grande précision et d’une forte intensité musicale.

‍

Mémoire et Cinéma est une anthologie de musiques de films profondément ancrées dans la mémoire collective, réunies autour d’un même fil conducteur : la culture juive, la transmission et la mémoire de la Shoah. De La Liste de Schindler à Yentl, de Un violon sur le toit à La Vie est belle, du Journal d’Anne Frank à Exodus, ces œuvres emblématiques racontent l’Histoire à travers l’émotion, l’intime et la puissance évocatrice de la mélodie. Le projet est né d’un lien personnel avec ce répertoire, nourri par un attachement au cinéma et par une histoire familiale et culturelle où la mémoire joue un rôle central.

Au cœur de ce programme, le violon occupe une place essentielle. Instrument proche de la voix humaine, il porte une charge symbolique forte, profondément inscrite dans la tradition juive et dans l’imaginaire occidental. À travers ses inflexions, il devient le vecteur privilégié de l’émotion, capable de suggérer l’indicible, de convoquer les souvenirs et de maintenir vivantes les images associées aux films. Les arrangements pour violon et piano redéfinissent l’espace sonore des œuvres originales, en les libérant de leur dimension parfois grandiose pour en révéler une lecture plus sobre, plus intérieure, sans jamais en altérer la force expressive.

Ces musiques ne sont pas de simples accompagnements d’images : elles racontent une histoire parallèle, souvent plus profonde encore que le récit visuel. Issues de rencontres fécondes entre réalisateurs et compositeurs — Steven Spielberg et John Williams, Roberto Benigni et Nicola Piovani, Michel Legrand et Barbra Streisand — elles participent pleinement à la construction du sens, de l’émotion et de la mémoire. Mémoire et Cinéma interroge ainsi le rôle de l’art face à l’Histoire : non pour la documenter, mais pour en devenir un passeur sensible, où la musique, affranchie de l’image, continue de résonner en nous comme un témoignage vivant.

‍

Ce double album réunit l’intégrale de la musique de chambre pour piano et cordes de Dmitri Chostakovitch, l’un des corpus les plus intenses et personnels du XXᵉ siècle. À travers ces œuvres, composées entre l’adolescence et les dernières années du compositeur, se dessine un parcours humain et artistique marqué par la peur, la douleur, la résistance intérieure et une quête obstinée de vérité. La musique de chambre devient ici un espace de liberté absolue, où chaque geste musical porte une charge expressive et existentielle d’une rare densité.

Le DSCH – Shostakovich Ensemble, fondé par le pianiste Filipe Pinto-Ribeiro, aborde ce répertoire avec une profonde conscience historique et une exigence musicale de premier plan. L’ensemble rassemble des solistes internationaux de tout premier plan, réunis autour d’une vision commune : servir cette musique sans emphase, dans un équilibre constant entre tension dramatique, clarté formelle et engagement émotionnel. Chaque œuvre trouve ici une respiration propre, révélant aussi bien la violence contenue que les moments de lyrisme fragile et de lucidité ironique.

Cette intégrale propose une lecture cohérente et habitée d’un cycle fondamental de l’histoire de la musique, où la musique de chambre apparaît comme le laboratoire intime de Chostakovitch. Du Trio op. 8 aux dernières sonates, l’auditeur est invité à parcourir une œuvre-monde, à la fois autobiographique et universelle, portée par des interprètes pour lesquels cette musique n’est pas seulement un répertoire, mais une nécessité artistique. DSCH – Shostakovich Ensemble, Filipe Pinto-Ribeiro piano, Corey Cerovsek violon, Cerys Jones violon, Isabel Charisius alto, Adrian Brendel violoncelle

‍

À travers ce programme intitulé 1905 – Impressions, la pianiste Fanny Azzuro explore une année-charnière de l’histoire musicale, moment de bascule esthétique où la pensée sonore s’émancipe des cadres hérités du romantisme. Autour de 1905, Maurice Ravel, Claude Debussy et Isaac Albéniz élaborent des langages pianistiques profondément novateurs, nourris par la peinture, la poésie et l’ouverture vers d’autres cultures. Ce disque met en regard leurs œuvres majeures pour piano, conçues comme des paysages sonores où l’impression, la couleur et le mouvement priment sur la narration.

Les Miroirs de Ravel déploient une écriture d’une invention rythmique et harmonique radicale, où chaque pièce devient une scène intérieure aux contours changeants. Avec le premier Livre des Images, Debussy approfondit une poétique du son fondée sur la suggestion, la résonance et la fluidité du temps musical. Enfin, le Troisième Cahier d’Iberia d’Albéniz transpose un folklore imaginaire espagnol à travers une virtuosité extrême, intégrant influences françaises et héritage ibérique dans une synthèse visionnaire.

Interprété par Fanny Azzuro au piano, sur un Yamaha CFX, cet enregistrement met en valeur une approche à la fois structurée et sensorielle du répertoire impressionniste. La pianiste fait dialoguer la clarté formelle, la densité harmonique et l’élan rythmique de ces œuvres emblématiques, révélant leur modernité intacte. 1905 – Impressions s’impose ainsi comme un parcours cohérent et lumineux au cœur de l’un des moments les plus féconds de l’histoire du piano.

‍

Ce programme met en lumière trois grands motets composés pour les fastueuses cérémonies des États du Languedoc aux XVIIe et XVIIIe siècles, institution politique et culturelle majeure de la France méridionale. À travers les œuvres de Joseph Valette de Montigny, Bernard-Aymable Dupuy et Jean Malet, cette sélection restitue un pan essentiel de la vie musicale occitane, où la musique sacrée atteignait une ampleur comparable à celle de la chapelle royale. Ces motets, conçus pour de vastes effectifs, conjuguent solennité liturgique, expressivité dramatique et raffinement contrapuntique.

L’Ensemble Antiphona, dirigé par Rolandas Muleika, redonne vie à ces partitions à partir de manuscrits originaux conservés à la Bibliothèque nationale de France et dans plusieurs fonds régionaux. Le programme réunit Exurge Domine de Bernard-Aymable Dupuy, Beatus vir de Joseph Valette de Montigny et Domine in virtute tua de Jean Malet, trois œuvres emblématiques de cette tradition méridionale. L’interprétation s’appuie sur une restitution historiquement informée, attentive aux modes, aux affects et à l’alternance des récits solistes, des petits chœurs et des grands chœurs.

Les solistes Coline Bouton et Eva Tamisier, dessus, David Tricou et Charles d’Hubert, hautes-contre, Clément Lanfranchi, taille, Timothé Bougon, basse-taille, et Matthieu Heim, basse, sont entourés du chœur et de l’orchestre de l’Ensemble Antiphona, réunissant cordes, hautbois, flûtes à bec, basson, serpent, théorbe et orgue positif. Ensemble, ils font revivre la puissance spirituelle et la richesse sonore de ces grands motets, témoins d’un âge d’or musical longtemps resté dans l’ombre et désormais restitué dans toute sa splendeur.

‍

Ce programme ressuscite deux grands motets inédits de Joseph Valette de Montigny, compositeur majeur mais longtemps oublié du baroque méridional français. Surge propera Sion filia et Salvum me fac Deus, composés en 1730 à Toulouse pour des cérémonies d’ampleur exceptionnelle, témoignent d’une écriture ambitieuse, mêlant grandeur liturgique, dramaturgie expressive et raffinement contrapuntique. Héritier des traditions françaises du grand motet, Valette de Montigny y affirme une voix singulière, nourrie de son parcours européen et de son ancrage profond dans la culture musicale du Midi.

L’Ensemble Antiphona, sous la direction de Rolandas Muleika, redonne vie à ces œuvres à partir de manuscrits originaux, au terme d’un important travail de restitution musicologique. Les solistes Eva Tamisier, Coline Bouton, David Tricou, Charles d’Hubert, Pierre Perny, Clément Lanfranchi, Timothé Bougon et Raphaël Marbaud s’insèrent dans un chœur et un orchestre réunissant cordes, bois, trompettes, timbales, basson, serpent, théorbe et orgue positif. L’effectif, fidèle aux sources, restitue toute la splendeur sonore et la théâtralité de ces motets, notamment dans les grandes sections chorales et les épisodes de tempête ou de jubilation collective.

À travers cet enregistrement, Antiphona poursuit son travail de mise en lumière d’un patrimoine musical français encore largement méconnu. Ces grands motets, d’une ampleur comparable à ceux de Lully, Charpentier ou Lalande, révèlent un compositeur audacieux, capable de synthétiser influences européennes et sensibilité méridionale. Cette redécouverte éclaire un pan essentiel de la vie musicale toulousaine du XVIIIe siècle et redonne toute sa place à Joseph Valette de Montigny dans l’histoire du baroque français.

‍

Antiphona fait revivre un patrimoine musical longtemps demeuré silencieux, issu du fonds des Pénitents Noirs de Villefranche-de-Rouergue, l’une des confréries les plus actives du sud de la France aux XVIIe et XVIIIe siècles. Ce programme rassemble des motets de Bernard-Aymable Dupuy, Joseph Laguna, Louis-Antoine Lefebure, Jean-Joseph Mouret et plusieurs compositeurs anonymes, témoignant d’une vie musicale intense, nourrie d’échanges entre chapitres, confréries et grandes institutions comme le Concert Spirituel. Ces œuvres, restaurées à partir de manuscrits souvent uniques, révèlent une musique expressive, profondément ancrée dans la liturgie et la spiritualité méridionales.

L’Ensemble Antiphona, placé sous la direction de Rolandas Muleika, propose une interprétation historiquement informée, attentive aux effectifs, aux équilibres vocaux et aux couleurs instrumentales propres à ce répertoire. Les solistes Marlène Desauvage, Clémence Garcia, Eva Tamisier, François-Nicolas Geslot et Raphaël Marbaud s’intègrent à un chœur et à un orchestre utilisant des instruments anciens, parmi lesquels hautbois, basson, théorbe, orgue positif et le remarquable serpent, instrument emblématique de ces manuscrits. Cette palette sonore restitue avec force la dimension cérémonielle et dramatique de ces motets.

Antiphona s’inscrit dans une démarche de redécouverte et de transmission d’un patrimoine musical régional d’une grande richesse, révélant des œuvres capables de toucher l’auditeur contemporain par leur intensité et leur sincérité. Entre ferveur collective, expressivité vocale et liberté d’écriture, ce programme met en lumière une musique sacrée vivante, inventive et profondément humaine. Il souligne l’importance de ces fonds provinciaux dans l’histoire musicale française et leur rôle essentiel dans la circulation des styles et des formes à l’aube de la Révolution.

‍

Les 24 Caprices op. 1 de Niccolò Paganini constituent l’un des sommets absolus de la virtuosité instrumentale du XIXe siècle. Conçus à l’origine pour le violon, ces caprices dépassent largement le cadre de l’étude technique pour former un véritable cycle musical, où se déploient imagination, audace harmonique et théâtralité héritée du bel canto italien. Chaque pièce explore un caractère singulier, mêlant lyrisme, tension dramatique et fulgurances démoniaques, faisant de cet opus un jalon incontournable de l’histoire de la musique instrumentale.

Dans cette intégrale en deux volumes, l’altiste Pierre Lenert propose une transcription magistrale pour alto, révélant une nouvelle profondeur expressive de ces œuvres légendaires. Loin d’une simple transposition, cette version met en lumière la richesse sonore, la densité du timbre et la dimension vocale de l’alto, instrument idéal pour faire émerger la dimension chantante et humaine de ces pages souvent perçues comme purement acrobatiques. Cette approche exige une maîtrise technique absolue, alliée à une recherche constante de couleur et de ligne musicale.

Interprète de référence, Pierre Lenert joue l’alto “Comte Basile Cheremetieff” de Jean-Baptiste Vuillaume (1865), dont la sonorité ample et noble sert admirablement cette traversée hors norme. Cette intégrale affirme l’alto comme un instrument de conquête, capable de porter l’héritage de Paganini au-delà du violon et d’en révéler toute la portée poétique, dramatique et visionnaire. Une lecture engagée et profonde, qui inscrit ces caprices dans une perspective musicale pleinement accomplie.

‍

Ce programme explore l’œuvre d’Erik Satie à travers le prisme singulier de la guitare, instrument rarement associé à ce compositeur mais profondément compatible avec son esthétique. Loin de toute recherche de sublimation ou de développement formel, la musique de Satie se caractérise par une écriture dépouillée, directe, proche de l’essentiel. Cette approche trouve dans la guitare un médium naturel, capable de faire émerger la profondeur cachée derrière des lignes simples et une apparente économie de moyens.

Le guitariste Sébastien Llinares propose ici une lecture personnelle et mûrie de ce répertoire, fruit d’un compagnonnage de longue date avec l’univers de Satie. Sans véritable transcription ni arrangement au sens traditionnel, les œuvres sont jouées comme écrites, la guitare révélant leur dimension intime, presque confidentielle. Gymnopédies, Gnossiennes, Parade, Espagnãna, Je te veux ou encore Caresses apparaissent sous un jour nouveau, oscillant entre cabaret, ironie, poésie et une forme de modernité intemporelle.

À travers ce parcours, la guitare agit comme un révélateur de la pensée de Satie, de son rapport distancié au romantisme, de son humour discret et de son attention obsessionnelle au son. Cette interprétation met en lumière une musique profondément humaine, en prise directe avec l’auditeur, qui interroge la société autant qu’elle touche à l’intime. Ce disque affirme la guitare comme un espace de liberté, capable de porter une musique pour tous, vivante, paradoxale et résolument actuelle.

‍

Organ Works by Peeter Cornet propose une plongée dans l’univers foisonnant de l’orgue des Pays-Bas méridionaux au début du XVIIe siècle, à travers l’œuvre d’un compositeur encore trop rarement enregistré. Actif à Bruxelles au service des archiducs Albert et Isabelle, Peeter Cornet développe un langage où la rigueur contrapuntique s’allie à une grande liberté formelle. Fantaisies, toccatas et pièces liturgiques témoignent d’une écriture souple et inventive, évoquant l’art de l’improvisation autant que la construction savante.

L’organiste Arnaud Van de Cauter interprète ce répertoire sur l’orgue de l’église d’Orp-le-Grand, instrument construit en 2009 dans le style des Pays-Bas méridionaux du XVIIe siècle. Doté de claviers à feintes brisées et d’un tempérament mésotonique, l’orgue permet de restituer avec une grande finesse la richesse polyphonique et les couleurs harmoniques de ces œuvres. Le choix des registrations met en valeur la clarté des lignes, la fluidité du discours et l’expressivité propre à la musique de Cornet.

Ce programme s’inscrit dans une démarche de redécouverte et de transmission d’un patrimoine musical essentiel, situé au carrefour des influences italiennes, espagnoles et nord-européennes. Organ Works by Peeter Cornet révèle un compositeur audacieux et profondément inspiré, dont la musique conjugue fantaisie, structure et profondeur expressive. L’interprétation d’Arnaud Van de Cauter souligne la modernité intacte de ce répertoire et son importance dans l’histoire de la musique pour orgue.

‍

À l’occasion des trente ans du Quatuor Manfred, cet enregistrement réunit deux œuvres majeures du romantisme européen, le Quatuor à cordes op. 41 n°1 de Robert Schumann et le Quatuor à cordes n°2 op. 22 de Piotr Ilitch Tchaïkovsky. À travers ces partitions, le quatuor affirme une vision exigeante et sans compromis de la musique de chambre, nourrie par l’héritage littéraire et philosophique du romantisme, incarné par la figure de Manfred, symbole de révolte intérieure, de quête spirituelle et de liberté artistique.

Composé en 1842, le premier quatuor de Schumann se distingue par son unité thématique, son écriture intensément lyrique et une tension expressive constante, héritée autant des modèles classiques que de l’univers poétique du compositeur. Le quatuor de Tchaïkovsky, écrit entre 1873 et 1874, déploie quant à lui une richesse émotionnelle saisissante, mêlant inspiration populaire, audaces harmoniques et un sens dramatique annonçant les grandes œuvres symphoniques à venir. Ces deux partitions dialoguent ici comme deux visions complémentaires du romantisme, l’une introspective et passionnée, l’autre tragique et profondément humaine.

Fondé par des musiciens issus des grandes institutions internationales, le Quatuor Manfred est composé de Marie Béreau, violon, Luigi Vecchioni, violon, Emmanuel Haratyk, alto, et Christian Wolff, violoncelle. Ensemble de référence sur la scène internationale, il développe depuis plus de trois décennies une approche engagée du répertoire, conjuguant rigueur stylistique, intensité expressive et ouverture vers des projets transversaux, faisant de cet album un jalon essentiel de sa discographie.

‍

Ce programme explore la musique sacrée romaine au tournant des XVIIe et XVIIIe siècles à travers l’œuvre d’Alessandro Scarlatti, figure centrale du renouveau musical italien. Composées pour les grandes institutions religieuses de Rome, la Messa Clementina, le Salve Regina et l’O Magnum mysterium témoignent d’un équilibre subtil entre l’héritage polyphonique de la Renaissance et l’émergence d’un langage expressif moderne. Ces œuvres révèlent une écriture d’une grande ambition spirituelle, où la rigueur contrapuntique sert une rhétorique profondément expressive.

L’interprétation est confiée au Le Parnasse français, fondé et dirigé par Louis Castelain. Fidèle aux pratiques de la chapelle pontificale, l’ensemble adopte une approche à un chanteur par voix pour les pages a cappella, mettant en valeur la clarté des lignes et la densité du contrepoint. Les solistes vocaux et instrumentaux déploient une palette de couleurs sobres et raffinées, au service d’une lecture à la fois érudite et intensément incarnée de ce répertoire.

Ce disque propose un voyage au cœur de la Rome baroque, entre tradition et modernité, liturgie et expression des affects. La musique de Scarlatti y apparaît comme un art de la synthèse, capable d’unir l’austérité symbolique de la chapelle Sixtine et la puissance émotionnelle de la prière collective. Cette interprétation met en lumière la richesse spirituelle et la modernité intacte d’un répertoire encore trop rarement enregistré, tout en soulignant son importance dans l’histoire de la musique sacrée européenne.

‍

Anti-Melancholicus réunit trois cantates de jeunesse de Johann Sebastian Bach, BWV 131, 13 et 106, autour d’un parcours spirituel qui va de la détresse la plus profonde à la consolation et à la sérénité. Inspiré d’un traité théologique possédé par Bach dans sa bibliothèque, le programme interroge la mélancolie, la souffrance humaine et la réponse de la foi luthérienne face à l’angoisse existentielle. Ces œuvres comptent parmi les plus intenses du compositeur, mêlant héritage germanique ancien, rhétorique musicale et puissance expressive.

L’ensemble Alia Mens, sous la direction d’Olivier Spilmont, propose une lecture profondément incarnée et méditative de ce triptyque. Le quatuor vocal réunit Élodie Fonnard, soprano, William Shelton, alto, Thomas Hobbs, ténor, et Romain Bockler, basse, soutenus par un effectif instrumental réduit jouant sur instruments historiques. Cette sobriété des moyens met en valeur la clarté du texte, la tension dramatique et la richesse symbolique de l’écriture bachienne, où chaque ligne participe à un discours spirituel cohérent.

Anti-Melancholicus est conçu comme un itinéraire, un chemin intérieur guidant l’auditeur à travers l’obscurité, le doute et la mort, jusqu’à la lumière de la consolation. La musique de Bach y apparaît non comme un simple objet esthétique, mais comme une force de transformation, capable de donner chair aux textes et d’ouvrir un espace de réflexion universel. Cette interprétation affirme la modernité intacte de ces cantates, où l’expérience spirituelle rejoint une profonde humanité.

‍

La Cité Céleste réunit trois cantates composées par Johann Sebastian Bach durant la période de Weimar, BWV 12, 18 et 161, autour d’une méditation musicale sur la souffrance humaine, l’épreuve et l’espérance chrétienne. Ces œuvres comptent parmi les plus intenses et introspectives du jeune Bach, où la rhétorique musicale, la symbolique des affects et la profondeur spirituelle s’entrelacent dans une écriture d’une grande densité expressive.

L’Ensemble Alia Mens, dirigé par Olivier Spilmont, propose une lecture profondément incarnée de ce triptyque. Les lignes instrumentales, sobres et tendues, soutiennent un quatuor vocal remarquable composé d’Eugénie Lefebvre, soprano, Pascal Bertin, alto, Thomas Hobbs, ténor, et Geoffroy Buffière, basse. Chaque voix participe à la construction d’un discours spirituel clair, articulé et d’une grande force dramatique.

La Cité Céleste s’inscrit dans une approche historiquement informée, attentive aux équilibres de timbres, à la clarté du texte et à la dramaturgie interne des cantates. L’interprétation met en lumière la modernité saisissante de cette musique, où douleur et consolation coexistent dans une tension expressive permanente. Ce programme révèle un Bach profondément humain, dont la musique ouvre un espace de méditation et de transcendance.

‍

Orpheus’ Noble Strings propose une immersion sensible dans l’univers poétique et musical d’Orphée, figure mythique du pouvoir de la musique. À travers un parcours construit comme une journée dans la vie du musicien légendaire, le programme explore les affections de l’âme, l’amour, la perte, le temps et la consolation, en s’appuyant sur le répertoire anglais du tournant des XVIe et XVIIe siècles. Les œuvres de John Dowland, Francis Pilkington, John Danyel, William Corkine et Tobias Hume composent une dramaturgie intime où la musique devient langage intérieur.

Le ténor Thomas Hobbs prête sa voix à ces textes d’une intensité expressive remarquable, articulant le verbe avec une grande clarté rhétorique. Il est accompagné par Romina Lischka aux violes de gambe et par Sofie Vanden Eynde au luth. Ensemble, ils déploient une palette de timbres raffinée, où la voix dialogue avec les cordes pincées et frottées dans un équilibre subtil entre déclamation, lyrisme et intimité sonore.

Orpheus’ Noble Strings s’inscrit dans une approche historiquement informée mais profondément incarnée, mettant en valeur la dimension expressive et émotionnelle de ce répertoire. La musique y devient un espace de consolation et de méditation, fidèle à l’idéal humaniste de l’époque, où l’art a le pouvoir d’apaiser, de transformer et d’élever l’âme. Ce programme affirme la modernité intacte de ces œuvres anciennes, portées par des interprètes d’une grande sensibilité.

‍

Tango Continuo est un projet de musique de chambre contemporaine qui aborde le tango comme une matière en mouvement permanent. Ici, le tango n’est ni citation folklorique ni référence nostalgique : il devient une pulsation continue, un flux rythmique et expressif où s’entrelacent écriture savante, énergie urbaine et liberté du geste instrumental.

Le duo réunit Carl-Emmanuel Fisbach au saxophone et David Christopher Panzl aux claviers percussifs et percussions. Le saxophone trace des lignes tantôt lyriques, tantôt rugueuses, tandis que les claviers et percussions construisent une architecture rythmique dense et mouvante. L’équilibre entre précision, physicalité et écoute mutuelle est au cœur de cette musique, qui joue sans cesse sur la tension et la respiration.

Tango Continuo s’inscrit dans une démarche de réinvention du langage musical, où le tango devient un terrain d’expérimentation ouvert, nourri par la répétition, la variation et la continuité du son. Le projet met en avant la dimension corporelle du rythme et la circulation de l’énergie entre les interprètes, proposant une lecture contemporaine, vivante et engagée d’un imaginaire profondément ancré dans le mouvement.

‍

Seuls est un projet musical et visuel conçu par Stéphane Orlando, à la croisée de la musique classique contemporaine, du jazz, de la musique de film et des traditions musicales. Structurée en quatre mouvements – Doubles, Troubles, Dédoubles et Yalnız – l’œuvre explore les notions de solitude, de dédoublement et de perception fragmentée. Chaque partie développe une écriture spécifique, où la matière musicale se transforme continuellement, comme un miroir altéré de l’identité.

Les trois premiers mouvements reposent sur une combinatoire conceptuelle autour des notions de personnalités multiples, transposées musicalement par des jeux de confrontations et d’alliances instrumentales. Pianistes et percussionnistes dialoguent avec les cordes, tandis que les esthétiques classique et jazz se répondent et se déforment mutuellement. La matière exposée dans Doubles se dissémine et se métamorphose dans Troubles puis Dédoubles, créant un continuum sonore tendu, physique et parfois brutal, mais toujours structuré par une forte dramaturgie.

Dans le dernier mouvement, Yalnız, Seuls bascule vers la forme du ciné-concert. Les images du photographe Laurent Thurin-Nal envahissent l’espace scénique à travers un film sans narration explicite, invitant le spectateur à construire son propre récit. La musique, écrite pour piano et violoncelle, dialogue avec des références à la musique traditionnelle turque, notamment à travers l’évocation du saz et un hommage lointain à Tamburi Cemil Bey. L’interprétation réunit Stéphane Orlando (composition), avec un ensemble mêlant piano, percussions, cordes et improvisation, dans une réflexion sensible sur la transmission culturelle et la capacité de l’art à relier les solitudes.

‍

Comment Siegfried tua le dragon et caetera propose une relecture audacieuse et accessible de la Tétralogie de Richard Wagner, condensée en une « tétralogie de poche » d’environ une heure. Conçu par la compagnie Le Piano Ambulant, le projet transforme quatorze heures de musique orchestrale en une forme scénique et instrumentale inventive, sans chant lyrique, mais portée par la narration et une écriture sonore expressive. L’univers du Ring y est raconté comme un grand mythe fondateur, mêlant humour, noirceur et poésie.

La transcription assume pleinement ses partis pris : instruments acoustiques, claviers, orgue indien, basse électrique, objets sonores, traitements électroniques et voix parlées composent une palette timbrale originale, respectueuse de l’esprit wagnérien tout en renouvelant son écoute. Extraits de L’Or du Rhin, La Walkyrie, Siegfried et Le Crépuscule des dieux s’enchaînent dans une dramaturgie fluide, où la puissance tellurique de la musique dialogue avec une dimension intime et théâtrale. Le spectacle privilégie la clarté du récit et la force des situations, rendant l’œuvre accessible à un public large, y compris non spécialiste.

L’interprétation réunit Jessica Pognant à la narration, Sylvie Dauter (piano, orgue indien, harmonium, synthétiseur, mélodica, appeaux), Christine Comtet (flûtes, synthétiseur, mélodica, voix de Loge et Brünnhilde), François Salès (hautbois, cor anglais, voix des géants et de Siegfried), Antoinette Lecampion (violon, alto), Joël Schatzman (violoncelle, voix d’Alberich et de Gunther), Charlie Adamopoulos (basse électrique, voix de Wotan et Hagen), avec Antoine Colonna à la mise en son et aux dispositifs électroniques, et la participation vocale d’Ambroise Salès. Comment Siegfried tua le dragon et caetera s’inscrit ainsi dans une démarche de transmission, de liberté et de réinvention du répertoire lyrique.

‍