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Bruno Procopio

Ensemble Zais

Ensemble Zaïs

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Ensemble Zais

C’est courant 2011 que l’ensemble Zaïs voit le jour, sous la direction de Benoît Babel. Ce jeune claveciniste, formé par Noëlle Spieth, Laurent Stewart, Pierre Hantaï, et Davitt Moroney, a pu collaborer avec de grands professionnels de la musique d’ensemble tels que Jean Tubéry, Michel Laplénie, Marcel Ponseele, etc. et ainsi se perfectionner dans de nombreux styles du répertoire baroque.
Toujours à la recherche de nouvelles découvertes et expériences musicales, c’est lors de sa collaboration avec l’organiste Paul Goussot (premier prix et lauréat de nombreux concours internationaux) que l’ensemble a pu donner son premier concert autour de Handel (concerti pour orgue et airs d’opéra).

L’ensemble réunit de nombreux musiciens issus des plus prestigieuses formations européennes, dans des programmes à géométrie variable : du madrigal italien au pré-classique en passant par les cantates de Bach, ils affirment une musicalité touchante et subtile. Toujours dans un esprit de vérité et d’honnêteté historique, l’ensemble s’efforce de proposer quelque chose d’original et singulier.

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Qatar Philharmonic Orchestra

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L’Orchestre Philharmonique du Qatar
En mars 2009 au Théâtre des Champs Elysées, l’Orchestre Philharmonique du Qatar se produisait pour la première fois à Paris, quelques semaines après s’être produit à Washington. Un orchestre tout neuf, créé deux ans auparavant, sous le patronage d’un grand chef internationalement célèbre, Lorin Maazel. Un projet culturel de longue haleine, qui s’inscrit dans le développement culturel qatari, cherchant à œuvrer en faveur de l’éducation de la jeunesse à travers la musique.

Jean-Charles Gandrille, compositeur

2015 est une belle année pour Jean-Charles Gandrille. Le Festival d’Auvers-sur-Oise en a fait son compositeur invité. Il faut dire qu’il connaît bien cette ville chère aux peintres impressionnistes : il est le titulaire de l’orgue de l’Eglise Notre Dame. Lors de ce Festival, une dizaine de concerts ont mis ses œuvres au programme. Une sorte de consécration pour cet organiste improvisateur et compositeur. Dans la plupart de ses compositions, il garde toujours une place privilégiée à l’orgue, que ce soit dans ses œuvres avec violon, trompette ou (plus inattendu) vibraphone et même accordéon, comme dans ses œuvres religieuses, dont son récent « Stabat Mater ».

Amoureux des musiques françaises, Jean-Charles Gandrille le dit lui-même : « Vers dix ou onze ans, j’ai découvert la composition ; j’ai ressenti une fascination pour l’orchestre. J’ai dévoré les partitions de Ravel et Debussy, le traité d’orchestration de Charles Koechlin. Olivier Messiaen, Henri Dutilleux ont aussi beaucoup compté, puis celui qui a été mon maître pendant un temps très bref mais intense, Jean-Louis Florentz. Et à quinze ans, je me suis lancé dans ma première orchestration – en autodidacte : le  “ Boléro ”  pour orgue et percussion de Pierre Cochereau ».

La mécanique était lancée : une « Symphonie médiévale » pour orchestre avec ondes Martenot, suivie d’un concerto pour piano et orchestre, « Voyage dans l’indicible ». Et c’est le concours d’admission dans la classe d’orchestration du Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris, en 1998. Deux ans plus tard, à dix-huit ans, il est   premier prix d’orchestration à l’unanimité, avec félicitations du jury. Ensuite, ce fut la classe d’orchestration du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Dans les deux cas, il était le plus jeune élève, et sort primé du CNSMDP en 2003. Dès lors, la voix est libre vers la composition.

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La Camera delle Lacrime et le Jeune Choeur de Dordogne

La Camera delle Lacrime

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La Camera delle Lacrime et le Jeune Choeur de Dordogne

La Camera delle Lacrime

Réunis autour de Bruno Bonhoure et de Khaï-dong Luong, les artistes de ctte compagnie fondée en 2004 s’engagent pour la valorisation et la redécouverte des œuvres patrimoniales tout en y insufflant une démarche de création dans le choix de leur interprétation.

Avec le concours de spécialistes et universitaires qui évoluent en périphérie de la formation, La Camera delle Lacrime propose des spectacles ayant pour fondement une source historique et cherche à rendre la musique de répertoire plus intelligible grâce à la réalisation d’un travail dramaturgique.

Nous avons choisi le nom de l’ensemble en hommahe à dante Alighieri, poète et ami des troubadours, qui parle de cette « chambre des larmes » comme d’un lieu où il va surmonter sa désolation et se ressourcer pour en sortir empreint d’une énergie nouvelle.

Bruno Bonhoure – Direction musicale, chant soliste, bombo leguëro

Né à Aurillac en 1971, Bruno Bonhoure porte en lui l’héritage des chants et des histoires qui rythmaient la vie quotidienne des paysans de la Haute-Auvergne. Se consacrant d’abord à l’Histoire des Arts, sa nécessité et son désir de la scène le conduisent à Paris.

Comparé au “bildung” par Carlo Ossola (Professeur au Collège de France) ou à Giovanna Marini par Lionel Esparza (France Musique), la qualité vocale, la présence scénique et la personnalité de Bruno Bonhoure en font l’un des ténors français les plus attachants.

Directeur musical de l’ensemble, ce musicien valorise la langue occitane au travers de spectacles pluridisciplinaires. Ses créations offrent une nouvelle lecture de ces répertoires musicaux historiques et ont été saluées par l’Académie des Arts, Lettres, et Sciences de Languedoc.

Khaï-dong Luong – Mise en scène, scénographie, co-conception artistique

Né au Cambodge en 1971, Khaï-dong Luong est arrivé en France après avoir fui les khmers rouges. Diplômé de l’Agrégation de mathématiques et d’un Master en études cinématographiques, son idée directrice est de proposer une alternative à ce qui est pré-établi. Il restructure ainsi les formats habituels et bouscule les conventions pour surprendre et créer. Sa vision contemporaine de l’interprétation des répertoires de musiques anciennes l’emmène à considérer de nouveaux modes de transmission, à l’image du spectacle participatif autour du Livre Vermeil de Montserrat.

Artiste protéiforme, il a co-écrit à Chicago le documentaire “Someplace Else” sélectionné sur les festivals de Los Angeles, New York, Chicago, ainsi qu’une série de films d’animation sélectionnée au Festival d’Annecy

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Les Lunaisiens

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Nous semblerait-il concevable aujourd’hui, que des auteurs tels que Jacques Brel, Léo Ferré, Barbara, Nougaro, Brassens et d’autres encore, disparaissent à jamais de notre quotidien ? Que du jour au lendemain, les paroles et les mélodies de ces grands artistes ne résonnent plus dans les refrains fredonnés de notre mémoire collective ?

Mais qu’en est-il de ce temps où Charles Cros et Edison n’avaient pas encore inventé le gramophone ?

Les voix se sont tues à jamais…les chansons sont oubliées, éteintes et parfois mortes ; dans le meilleur des cas, cloisonnées dans des recueils délaissés. Et l’on sait pourtant qu’une chanson ne vit que par le temps de son interprétation.

Il s’avère donc urgent de prospecter et d’interpréter tout un répertoire historique de la chanson française. Faire chanter la mémoire, fredonner les paroles des premières « chansons à textes ». Etre convaincus, tout comme Nerval, Chateaubriand, Baudelaire ou Verlaine que la Chanson Française est la garante d’une belle langue, notre langue, la langue française, une langue tout simplement encore vivante.
Sortir des concerts traditionnels, nourrir les individus d’une musique essentielle qui puisse apporter une certaine harmonisation à la Cité. Car la musique, comme les autres arts, n’a pas seulement pour mission le divertissement : elle doit avant tout faire réfléchir l’individu, chose essentielle contre cette industrie de masse, où l’on fait croire à l’être que le seul loisir est la consommation !

Avec ce parcours, cette initiation dans l’univers musical de la chanson, La clique des LUNAISIENS veut proposer au public une découverte, une aventure qui n’est en fait, que la réappropriation d’un art qui appartient à la mémoire collective.
Poursuivre cette quête en s’entourant d’artistes, de musicologues et d’historiens convaincus que la chanson est une passeuse ; qu’elle est gardienne d’une noble poésie, d’une poésie populaire qui chante à nos oreilles et à nos âmes.

Retracer les aventures de cette belle chanson français, montrant ainsi que les textes du passé n’ont rien à envier à ceux de nos contemporains !

Directeur artistique : Arnaud Marzorati

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Cindy Castillo & Aurélie Franck

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Cindy Castillo

Fougueuse et inspirante, Cindy Castillo s’impose sur la scène internationale des jeunes organistes à travers ses concerts et projets. Elle conçoit ses programmes autour de thématiques originales et transporte son public avec ses interprétations engagées. Au-delà de ses concerts dits « classiques », en soliste ou chambriste, Cindy Castillo explore également les dialogues possibles entre l’orgue et d’autres langages artistiques, tels que la danse, le cirque, la vidéo ou la musique électronique. Lauréate des Conservatoires de Bruxelles, Namur, Strasbourg et Paris, lauréate des fondations Rotary, Vocatio, Wernaers et de Lacour, elle a été désignée « artiste en résidence » en 2008-2009 au Sapporo Concert Hall au Japon. Au-delà de son activité de concertiste, Cindy Castillo est programmatrice et présentatrice de Musiq3, la radio classique francophone belge.

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Aurélie Franck

Diplômée en chant du Conservatoire Royal de Bruxelles et de l’INSAS en mise en scène de théâtre, Aurélie Franck a également obtenu plusieurs prix et récompenses (Viñas, Festival de Rheinsberg, Fondation Yamaha, Fondation belge Vocatio…) et est invitée par des salles de concert prestigieuses comme le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, l’Opéra-Comique et l’Auditorium du Louvre à Paris, l’Opéra Royal de Versailles et des festivals d’exception comme celui de Wallonie, de Chamonix, d’Innsbruck ou encore des Musicales de Normandie. Musicienne contemporaine active, elle a eu entre autres l’opportunité de créer la Passio secundum Lucam de Claude Ledoux à la Cathédrale de Bruxelles et le rôle de mezzo-soprano solo dans l’opéra Paulus de Thomas Jennefelt (coproduction avec le Deutsches Theater de Berlin) Mezzo-soprano solo de Kopernikus (Claude Vivier) dans une coproduction entre De Nederlandse Opera, Enoa & Vocaallab, elle a également chanté avec Asko/Schoenberg Ensemble au Concertgebouw d’Amsterdam.

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Ensemble Enthéos

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Enthéos, enthousiasme en grec, est un ensemble créé en 2005 et se consacrant entièrement à la musique de la Renaissance. Tiré de la pensée de Platon ayant profondément influencée cette période, son nom évoque la force qui engagea l’homme du XVIe siècle à découvrir, créer et partager. C’est aujourd’hui le souffle qui porte l’Ensemble.

En révélant et faisant chanter les liens entre musique, littérature, arts et histoire, Enthéos vous invite à retrouver l’enthousiasme des spectateurs du XVIe siècle qui voyaient éclore des œuvres nouvelles, des musiques proprement inouïes. Captivants, instructifs, étonnants et rigoureux, les programmes sont tour à tour joyeux, facétieux, touchants, et toujours poétiques.

Enthéos s’est produit au musée national de la Renaissance d’Ecouen, aux châteaux de Blois, Fontainebleau, Manderen et Joinville, au Conseil d’État, à Nancy, à Metz, à Montmorency, au festival de Nomeny et au festival européen du Clos Lucé… L’Ensemble a été choisi pour clore l’exposition France 1500 au Grand Palais. Lors de ses concerts, la presse remarque le son ample et le souci de mettre la voix au service du sens et du mot. Elle associe Enthéos à la sobriété, la finesse et la transparence.

Enthéos est soutenu dans ses projets par la Drac Lorraine, la Région Lorraine et la Caisse des dépôts et consignation.

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Simón Bolívar Symphony Orchestra

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L’Orchestre Symphonique Simón Bolívar fut créé le 1975 par le musicien et homme politique José Antonio Abreu, au sein de la Fondation d’État pour le Système National des Orchestres, de la jeunesse et des enfants du Venezuela, plus connue sous le nom de Sistema.

Jouer Rameau à Caracas

Les Soloists of Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela , invitent Bruno Procopio à diriger un programme totalement dédié à Jean-Philippe Rameau. C’est pour les musiciens vénézuéliens, une découverte exceptionnelle : celle du baroque français, première incursion dans la musique française du XVIIIème siècle.

“J’ai surtout voulu susciter la curiosité des musiciens de l’Orchestre pour une musique vers laquelle ils ne se seraient pas tournés spontanément ; je souhaitais aussi me confronter à un orchestre qui n’avait pas eu l’opportunité d’aborder la musique baroque française, afin de construire une identité musicale à partir de zéro. J’ai pu ainsi concrétiser toute la vision que j’ai de cette musique et j’ai trouvé un terrain d’accueil dépourvu d’a priori.

Pendant la pause de l’une de nos répétitions, un musicien m’a soufflé à l’oreille : “Maestro, c’est la musique la plus belle que j’ai jouée.” Voilà la récompense d’une telle entreprise.” B.P.

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Mater Dolorosa©Jean-François Mariotti

Ensemble Mora Vocis

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Mater Dolorosa©Jean-François Mariotti

Inspirées par un souffle médiéval, les voix solistes « au féminin » de Mora Vocis partent sur les traces d’une musique d’antan avec un regard d’aujourd’hui.

Pendant plus de deux décennies, elles incarnent avec saveur et en totale collégialité les répertoires sacrés du Moyen Âge et d’aujourd’hui, en créant un espace poétique très personnel. En 2011, Mora Vocis poursuit son chemin sous la direction artistique de la chanteuse Els Janssens-Vanmunster, avec la complicité de la chanteuse et compositrice Caroline Marçot.

Depuis sa création, l’ensemble propose des spectacles à géométrie variable. En donnant une place centrale au corps, l’instrument de la voix, Mora Vocis invite parfois des artistes de cirque et des danseurs-chorégraphes. Ces dernières années et selon les programmes, l’ensemble enrichit son répertoire avec la musique profane, et des comédiens et des instrumentistes viennent compléter les rangs.

L’interprétation sans partitions et une scénographie ‘sur mesure’ pour chaque lieu de concert sont les différences essentielles et subtiles qui distinguent Mora Vocis dans le monde de la musique ancienne et contemporaine. Chaque spectacle de Mora Vocis dans un lieu ancien, d’aujourd’hui ou ‘juste’ atypique devient alors une invitation au voyage. En provoquant une vraie rencontre entre chaque architecture et son acoustique, les pierres se retrouvent intégrées dans les volutes vocales et acrobatiques des artistes.

Quand Mora Vocis devient « Mora Vocis – voix solistes au féminin », l’ensemble met en lumière l’attention particulière pour la musique écrite par des femmes et pour des femmes, quelles soient du Moyen Âge ou d’aujourd’hui. Par ailleurs, plus d’un compositeur ou compositrice de notre temps s’est fait happer par la pensée médiévale. Alors, quand une poésie de Hildegard von Bingen ou une mélodie grégorienne inspire de belles pages, Mora Vocis se fait toujours un plaisir de les interpréter, avec la même rigueur artistique que pour le répertoire ancien. Parmi ces compositeurs se trouvent Petr Eben (CZ), Ivan Moody (GB) ou encore Klaus Huber (CH). Certains ont aimé écrire spécialement pour les chanteuses de Mora Vocis. Parmi eux se trouvent Anne-Marie Deschamps, Jean-Jacques Di Tucci, Daniel Meier et plus récemment Sophie Lacaze, David Eskenazy et Caroline Marçot.

En 2015, Mora Vocis reçoit le label « La Ffabrique Nomade » par France Festivals pour le spectacle « Mater Dolorosa – Femmes au Tombeau » autour d’une œuvre de Caroline Marçot.

Mora Vocis aime depuis toujours se rapprocher de l’univers de la recherche. En 2009, une première collaboration avec des chercheuses de l’Université Paul Valéry Montpellier a donné vie spectacle « Motet » autour du motet médiéval avec une attention particulière pour le Manuscrit H196 dit ‘de Montpellier’. Mora Vocis et le CEMM (Centre des Études Médiévales de Montpellier) ont poursuivi cette collaboration avec une résidence de Mora Vocis à l’université de 2011 à 2014, autour du Manuscrit Torino J.II.9 dit ‘de Chypre’.

La discographie de Mora Vocis – voix solistes au féminin met à l’honneur la musique vocale médiévale et contemporaine et ce, tout particulièrement dans les CDs « L’Amante » et « Sources ». Un DVD est réalisé en collaboration avec l’Université Paul Valéry – Montpellier du spectacle « Motet » (2011). En 2013, Mora Vocis enregistre une musique de scène pour « Le Grand Voyage » spectacle de théâtre (2013) du tour du Cadran. Le spectacle « Mater Dolorosa – Femmes au Tombeau » fera l’objet d’une production discographique en 2017.

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Marie Vermeulin / Pianiste

Marie Vermeulin

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Marie Vermeulin / Pianiste

Premier Grand Prix du Tournoi International de Musique en décembre 2004, Deuxième Grand Prix et Prix du plus jeune finaliste au Concours International Maria Canals de Barcelone en mai 2006, Deuxième Grand prix au concours International Olivier Messiaen en décembre 2007, Marie Vermeulin est sans nul doute l’une des révélations de ces dernières années. Soutenue par plusieurs fondations et l’Institut français pour des tournées à l’étranger, elle a su imposer en peu de temps un jeu remarqué pour sa témérité technique, sa finesse et sa maturité. Elle s’est produite pour nombre de festivals et salles de premier plan où elle a pu mettre en valeur sa personnalité passionnée et singulière dans un large répertoire.

A Paris, elle s’est produite notamment à la Cité de la musique, à l’Opéra Bastille, au Petit Palais, à l’Auditorium du musée d’Orsay, salle Cortot, aux Serres d’Auteuil, à Bagatelle … Elle a également été invitée par l’Opéra de Toulon, l’Equinoxe de Châtearoux, le Grand Kursaal de Besançon, la salle Molière à Lyon, la salle de l’Institut à Orléans, le Centre Pompidou-Metz, l’Agora d’Evry, l’Auditorium Jean-Pierre Miquel de Vincennes, les théâtres de Chartres, de Corbeil-essonnes, de Dreux, d’Etampes, de Pontoise, les châteaux de Solliès-Pont, d’Aulteribe, de Chambord, ainsi que par les festivals Messiaen au pays de la Meije, Piano Folies du Touquet, La Charité-sur-Loire, Rochebonne, Lille Piano Festival …

A l’étranger, elle se produit en Espagne – à Madrid (Circulo de Bellas Artes), à l’invitation de Gérard Mortier et du Teatro Real, mais aussi à Barcelone (Palau de la Musica) et pour les festivals de Sitges et Blanes – ainsi qu’en Italie (festivals de Monopoli et Bari), en Allemagne, (Kulturkreis Geistag de Münich), en Lituanie, en Suisse, en Belgique, en Algérie, en Moldavie, au Monténégro, à Chypre, au Liban, au Vietnam, aux Philippines, en Indonésie …

Parallèlement, elle est amenée à donner diverses conférences et master-classes en liaison avec ses concerts, notamment sur l’oeuvre d’Olivier Messiaen. Depuis quelques années, elle s’investit tout particulièrement dans la musique contemporaine, et travaille ainsi en étroite collaboration avec des compositeurs tels Mauro Lanza, Ramon Humet, Philippe Fénelon, Alain Louvier, Bruno Ducol et, tout récemment, Pierre Boulez.

Elle a interprété le 1er Concerto de Chopin, le Concerto de Schumann et le 1er Concerto de Tchaikovsky avec l’Orchestre philharmonique de Kaunas (dir. Pavel Berman), les Concertos K453 et K488 de Mozart avec l’Orchestre des Musiciens d’ose (dir.Charles Limouse), le concerto K453 de Mozart avec L’Orchestre de chambre de Wallonie (dir.Sir Paul Goodwin), le concerto en sol de Ravel avec l’Orchestre Del Valles (dir. Salvator Brotons), puis avec l’orchestre National du Liban (dir.Claire Levacher), les Concertos Hob.XVIII:4 et XVIII:11 de Haydn avec l’orchestre National de chambre de Moldavie (dir. Didier Talpin), le Concerto de Clara Schumann avec l’Orchestre Symphonique de Mâcon (dir.Eric Geneste), puis avec l’Orchestre de l’opéra de Toulon (dir.Debora Waldman), ainsi que les Oiseaux Exotiques de Messiaen avec l’Ensemble Intercontemporain (dir. Pierre Boulez).

Elève de Jacqueline Dussol, puis de Marie-Paule Siruguet au CNR de Boulogne, elle effectue un cursus complet de 2001 à 2004 au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon, notamment auprès d’Hortense Cartier-Bresson et d’Edson Elias. 
Parallèlement, elle étudie pendant quatre ans avec Lazar Berman qui l’accueille chaleureusement à Florence, puis à l’Accademia Pianistica Internazionale d’Imola. 
Plus tard, elle se perfectionne auprès de Roger Muraro, bénéficiant ainsi de la connaissance profonde du pianiste pour l’œuvre du XXème siècle français.

Au cours de différentes master-classes, elle rencontre des personnalités musicales variées, telles Zoltan Kocsis, Jean-Claude Pennetier, Florent Boffard, Gérard Frémy, Jean-François Heisser, Akiko Ebi, Abdel Rahman El Bacha, Eric Heidsieck, Klaus Hellwig, Tamas Vasary, David Lively …
Son talent a été soutenu par l’action de la Fondation Safran pour la musique, du mécénat Société Générale, de l’Accademia Pianistica Internazionale d’Imola, et de l’Institut Français. En décembre 2009, elle est couronnée du Prix International “Pro Musicis”, association qui vise à offrir des moments musicaux  à un public de personnes handicapées, ou n’ayant pas la possibilité de se rendre à des concerts classiques.

Sélectionnée par Thierry Beauvert pour représenter la France lors du concours des radios francophones en 2006, Marie Vermeulin est, dès lors, régulièrement invitée sur le plateau de France Musique (Emissions de Gaëlle Le Gallic, Arièle Butaux, Jean-Pierre Derrien, Lionel Esparza …).

En 2008, Universal/Deutsche Grammophon demande à Marie Vermeulin de participer à son Intégrale Messiaen, réalisée à l’occasion du centenaire d’Olivier Messiaen. Elle enregistre alors la Fantaisie pour violon et piano aux côtés de Daniel Hope et la Vocalise pour voix élevée et piano, en compagnie de Nathalie Manfrino.
En mai 2013, elle sort un disque dédié à l’oeuvre d’Olivier Messiaen , sous le label Paraty, qui vient tout juste de recevoir les “ffff” de Télérama.

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Ensemble Psallentes

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L’ensemble Psallentes a été fondé par Hendrik Vanden Abeele, en l’an 2000, afin de mener, avec des chanteurs professionnels, des recherches sur le chant grégorien dans ses différents stades d’évolution historique. Les répertoires de la fin du Moyen Âge et de la Renaissance font l’objet d’une attention toute particulière.

Des CD ont été enregistrés autour de la musique de Johannes Brassart (2000), Arnold de Lantins (2001) et Pierre de la Rue (2002 et 2006, Diapason d’Or). En 2006, trois nouveaux CD de l’ensemble sont parus : un CD en collaboration avec la Capilla Flamenca (autour de la musique mariale de Obrecht – Musique en Wallonie), un projet avec l’ensemble français Millenarium (Messe des Fous – Ricercar) et, enfin, une version gantoise du XVe siècle d’un office de la Sainte Trinité dans une version liégeoise du Xe siècle (Ricercar). En 2007, un nouveau CD en collaboration avec Millenarium est paru, autour du Llibre Vermell de Montserrat (Espagne). En 2008, un nouveau CD est paru en collaboration avec Capilla Flamenca, autour du thème de Bellum et Pax.

Psallentes a été invité de nombreuses fois par de grands et de petits festivals en Flandre et en Europe.

Hendrik Vanden Abeele travaille depuis 2004 à un doctorat (section Arts) à l’Université de Leiden (en collaboration avec docARTES, à l’Institut Orpheus de Gand). Il travaille d’autre part à un projet de recherche autour de l’interprétation du grégorien dans les Pays-Bas du Sud entre 1250 et 1550.

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