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J-7 avant la sortie de notre prochain album “Au bord du rêve” par Aurélienne Brauner et Lorène de Ratuld !
Aurélienne Brauner, violoncelliste
Aurélienne Brauner a été nommée super-soliste à l’Orchestre National de France en 2021.
Elle se produit sur scène en Europe, aux Etats-Unis et en Asie, notamment à la Philharmonie de Paris, au Théâtre du Châtelet, au Théâtre des Champs-Elysées, à l’Auditorium de Bordeaux, au Palais des Beaux- Arts de Bruxelles, au Suntory Hall de Tokyo, au Théâtre de Tunis, Forum Grimaldi à Monaco, Conservatoire Tchaïkovski et Philharmonie de Moscou, Palazzetto Bru Zane à Venise, ainsi que dans plusieurs festivals en France et à l’étranger (festival de musique de chambre d’Oslo, Journées Ravel à Montfort-l’Amaury, festival d’Aix-en-Provence, festival 1001 Notes, Flâneries Musicales de Reims, Abbaye de Royaumont, Château d’Örbyhus en Suède…).
Révélation Classique de l’Adami en 2007, Aurélienne Brauner se voit remettre en 2009 le prix de la Fondation Del Duca par l’Académie des Beaux-Arts pour récompenser le début de sa carrière musicale. Aux Pays- Bas, elle a été sélectionnée par le « International Holland Music Sessions » en tant que « New Masters on tour » pour un concert au Concertgebouw d’Amsterdam (2010-2011).
En soliste, elle a joué avec l’Orchestre National de Lille, l’Orchestre de la Philharmonie de Baden-Baden, l’Orchestre de Douai/Région Nord-Pas-de-Calais, l’Orchestre National Bordeaux-Aquitaine et l’Orchestre de chambre de Lyon dans les concertos de Lalo, Haydn, Tchaïkovski, Dvorák et le Double concerto de Brahms avec Alexandra Soumm…
En musique de chambre, on a pu l’entendre aux côtés de Patrice Fontanarosa, Paul Katz, Svetlin Roussev, François Salque, Jean-Guihen Queyras, Maxim Vengerov, Thierry Escaich, Sarah Nemtanu… Avec le Trio Gallien, composé de Tristan Liehr (violon) et d’Emmanuel Christien (piano), elle remporte en février 2018 le 3e prix du prestigieux concours de musique chambre « Franz Schubert und die Musik der Moderne » à Graz, et, en septembre de la même année, le 1er prix et le prix du public au 23e concours « Gaetano Zinetti » à Vérone.
En 2016, son enregistrement consacré aux œuvres de David Monrad Johansen pour le label SIMAX Classic en Norvège a été nommé aux Grammy norvégiens (Spellemanprisen).
Lorène de Ratuld, pianiste
Au fil des concerts et des enregistrements, Lorène de Ratuld donne à entendre un vaste répertoire :
centré sur la période romantique et la musique française, il fait aussi la part belle aux compositeurs et compositrices méconnus, aux œuvres rares ou inédites et aux compositeurs d’aujourd’hui (N. Bacri, K. Beffa, S. Bortoli, P. Farago, N. Mondon, F. Mulsant).
Élève de Brigitte Engerer, elle reçoit une riche formation au CNSMD de Paris : après son prix de piano avec mention Très Bien à l’unanimité, elle se perfectionne auprès de Jean-François Heisser (cycle de perfectionnement piano), Christian Ivaldi (musique de chambre) et Anne Grappotte (accompagnement vocal).
Lauréate du Concours International Piano Seiler en 2003, elle obtient en 2004 plusieurs prix au Concours International Piano Campus, dont celui du magazine Classica-Répertoire qui publie son premier récital (CD « Découverte »). En 2005, elle reçoit le Prix Lucien Durosoir avec Geneviève Laurenceau et, en 2011, le Prix Pro Musicis.
En récital ou en musique de chambre, Lorène de Ratuld est l’invitée des festivals d’Auvers-sur-Oise, Piano à Auxerre, Matinales d’Arles, Serres d’Auteuil, Piano en Valois, Festival Berlioz, Festival de l’Epau, Festival 1001 Notes, Journées Ravel à Montfort-l’Amaury, Moments musicaux de Chalosse… et se produit également en Allemagne, Autriche, Belgique, Italie (Fondation Bru Zane), Roumanie, Suède et dans différents pays d’Afrique.
Outre son activité en duo avec Aurélienne Brauner, elle joue aux côtés du violoniste François Pineau-Benois, des chanteuses Roselyne Martel-Bonnal et Valérie Condoluci, et des Solistes de l’Orchestre de Chambre de Paris et de l’Orchestre de Bordeaux-Aquitaine. Attirée par le théâtre, elle participe à plusieurs spectacles du chanteur et comédien Mario Hacquard.
Sa discographie reflète ses choix artistiques et son engagement auprès de différents artistes et labels :
Récital Dutilleux/Beffa (« Coup de Cœur » de l’Académie Charles Cros), Œuvre pour violon et piano de
L. Durosoir (« Gramophone recommends »), Sonates pour violoncelle et piano de C. Franck, G. Fauré et L. Vierne avec Aurélienne Brauner. Récemment ont paru Piano Works de F. Mulsant (« 5 Étoiles » de Classica) et l’intégrale de L’Œuvre pour piano de J. de La Presle (« 5 Diapasons »), inédite au disque.
Marion Fermé est une flûtiste à bec au parcours international. Elle maîtrise avec autant d’aisance les répertoires anciens et contemporains pour la flûte à bec.
Elle est lauréate de concours internationaux (Musica Antiqua à Brugge en trio de flûtes et à Montréal en solo). Elle a joué dans de nombreux festivals dans toute l’Europe avec ses différents ensembles. Marion Fermé est diplômée du Conservatoire Royal de La Haye mais également de la Sorbonne (licence d’anglais et de russe) et de Sciences Po Paris.
Elle est directrice artistique de l’ensemble The Theater of Music depuis 2006, devenu ensemble éponyme en 2013. Adepte des combinaisons instrumentales peu communes, elle a aussi un duo In VENTO, accordéon / flûte à bec qui joue de la musique de Bach, Vivaldi et contemporaine. Engagée pour la musique contemporaine en soliste et en ensemble, elle travaille avec l’ensemble allemand Effusions et collabore régulièrement avec des compositeurs (trices) pour la création de nouvelles compositions pour la flûte à bec.
Elle est professeur de flûte à bec et musique de chambre (Certificat d’aptitude de musique ancienne) au conservatoire Darius Milhaud à Paris (14ème).
Ambre Vuillermoz, accordéon
Elle est membre fondatrice de différents ensembles aux esthétiques variées, dans lesquelles elle tend à valoriser les possibilités riches de son instrument, toujours dans un esprit créatif et exigeant. Elle approfondit le répertoire chambriste original et de transcription avec Avès duo (piano et accordéon), In VENTO (flûte à bec et accordéon), l’opéra (compagnie l’Orpiment) mais également le jazz (Ouroboros) et les musiques du monde (Syrto). En tant que soliste, elle valorise le répertoire de son instrument et travaille régulièrement à son enrichissement en collaborant avec des compositeurs à la création d’œuvres nouvelles. Elle est également particulièrement attachée à la musique de clavecin du XVIIIème siècle dont elle joue les œuvres phares (Bach, Scarlatti…) comme celles de compositeurs moins connus du grand public qu’elle aime redécouvrir à l’accordéon.
Après avoir obtenu un diplôme d’ingénieur, Sophie Lacaze s’est tournée vers la musique. Diplômée de l’Ecole Normale de Musique de Paris, elle a poursuivi ses études de composition à l’Accademia Musicale Chigiana di Siena (Italie) avec Franco Donatoni et Ennio Morricone, suivi les cours de Pierre Boulez au Collège de France et abordé le théâtre musical avec Georges Aperghis au Centre Acanthes. En 2002, elle est invitée en résidence à l’Electronic Music Unit de l’Université d’Adelaide (Australie).
En 2023, son catalogue comporte plus de 80 œuvres, des pièces solos aux pièces pour orchestre, en passant par deux opéras et des œuvres mixtes, qui sont régulièrement jouées en France et à l’étranger.
Parmi ses interprètes, on peut citer l’Orchestre Philharmonique de Radio France (dir. Pierre-André Valade), l’Orchestre National des Pays de la Loire (dir. Aziz Shokhakimov), l’Orchestre National d’Auvergne (dir.Baldur Brönnimann), l’Orchestre de Perpignan Méditerranée (dir. Daniel Tosi), the BBC Symphony Orchestra (dir. Sakari Oramo), I Solisti Veneti (dir. Claudio Scimone), l’Orchestra Națională Radio România (dir. Horia Andreescu), l’Orchestra Filarmonica Mihail Jora di Bacau (dir. Ovidiu Balan), l’Orchestre de Flûtes Français (dir. Pierre-Alain Biget), l’Ensemble Orchestral Contemporain (dir. Bruno Mantovani), le Chœur Calliope (dir. Régine Théodoresco), l’ensemble Mora Vocis, …
Lauréate de plusieurs concours internationaux, Sophie Lacaze a aussi obtenu le Grand Prix Lycéen des Compositeurs (2009) et le prix Claude Arrieu de la SACEM (2010).
En dehors de toute école et de tout courant musical, Sophie Lacaze s’est forgé une esthétique personnelle et originale qui cherche à redonner à la musique ses vocations premières, comme le rituel, l’incantation et la danse, ses liens avec la nature, et dans laquelle le timbre tient une place centrale. C’est au cours de son premier voyage en Australie, en 1996, qu’elle a découvert la culture des Aborigènes. Depuis lors, un retour à l’essence même de l’art musical, à l’épurement fondamental, lui semble essentiel.
Artiste engagée, elle défend la musique contemporaine depuis plus de 15 ans en dirigeant des festivals, comme Turbulences Sonores à Montpellier, Musiques Démesurées à Clermont-Ferrand, et en donnant des conférences. Elle est aussi fondatrice de l’association française des compositrices Plurielles 34.
Jean-Jacques Bédikian est né le 18 août 1991.
En 2010, il obtient le 1er prix Pierre-Barbizet au concours J.S.Bach du CNRR de Marseille; en 2013, il est lauréat du Concours International de Piano de Corbelin.Demifinaliste du concours International de Piano de Lyon, il est sélectionné la même année pour le concours des Virtuoses du Coeur de Paris.
il intègre en Bachelor la classe de Boyan Vodenitcharov au Koninklijk Conservatorium Brussel et se perfectionne également auprès de Fernando Rossano au Crr de st-Maur.
Il étudie en cycle d’Excellence au CRR de Rueil-Malmaison et à Boulogne Billancourt dans la classe de Jean-Baptiste Fonlupt à Paris. Il a également participé à de nombreuses masterclasses et a reçu les conseils de ilja Scheps, Cyril Huvé, Désiré N’Kaoua, ÉricTanguy, Philippe Hersant,Claire Désert.
En 2015, il participe à une série de concerts dirigé par Vladimir Cosma.
En 2019 Il a eu l’honneur d’être invité au jury du Concours International Music Festival Paris.
Il se produit dès lors à en récital à de nombreuses occasions,lors du Festival Chopin-Sand à la Seyne-sur-Mer,au Fort Napoléon, au Festival du Castellet, au 6ème Forum Mondial de l’eau – Pigna (Corse), au Palais Longchamp, à l’Amphithéâtre Mozart d’Avignon,à l’Abbaye Saint Victor, au Musée de la marine à Toulon, au Palais du Pharo,pour le Lions Club, au Centre culturel Sahak Mesrop,à la Maison de la Philosophie de Marseille…
Membre de l’Ensemble de Musique contemporaine,”Da Pacem”, Il pratique également l’improvisation, le jazz et la musique de film.
Depuis 2018, il collabore régulièrement avec le mandoliniste Vincent Beer-Demander pour des concerts, des créations et des enregistrements autour des oeuvres de Vladimir Cosma, Richard Galliano, Jean Claude Petit, Claude Bolling, Mike Marshall…
Profondément attaché à ses racines arméniennes il se produit régulièrement avec le joueur de Doudouk Levon Khozian avec lequel il enregistre en 2019 aux côtés du mandoliniste Vincent Beer-Demander « Mayrig, » Extrait du Film de Henri Verneuil et musique de Jean Claude Petit.
Passionné par la pédagogie, il enseigne le Piano au Conservatoire National à Rayonnement Régional de Marseille.
Diplômée du CNSMD de Lyon dans la classe de Pierre Hamon avec un premier prix à l’unanimité avec les félicitations du jury, Marine Sablonnière a poursuivi ses études à Barcelone avec Pedro Memelsdorff. Elle a également profité de l’enseignement de Peter Holstlag, Walter van Hauwe et Dan Laurin.
Elle a joué sous la direction de Skip Sempé (Capriccio Stravagante), Jordi Savall (Hesperion XXI), Marc Minkowski (Les Musiciens du Louvre), Raphaël Pichon (Pygmalion), Gérard Lesne (Il Seminario Musicale), Hervé Niquet (Le Concert Spirituel), Vincent Dumestre (Le Poème Harmonique), Christina Pluhar (l’Arpeggiata) et Les musiciens du Paradis. Elle joue également en musique de chambre avec l’ensemble Résonances ainsi qu’avec Bertrand Cuiller et l’ensemble Le Caravansérail.
Titulaire des Certificats d’Aptitude de musique ancienne et de flûte à bec, Marine Sablonnière enseigne au CRR de Marseille.
Lorsqu’il quitte Paris pour retourner s’installer à Buenos Aires en 1955, Astor Piazzolla est résolu à « sortir le tango de la monotonie dans laquelle il s’était embourbé », en bouleversant ses codes et ses traditions par la création d’une musique nouvelle. Il s’entoure des musiciens parmi les plus emblématiques du genre (A. Stampone, L. Federico, E. Francini…) pour créer l’« Octeto Buenos Aires », formation éphémère (1955-1958) qui marquera profondément la musique de Buenos Aires et qui restera comme l’une de tentatives les plus avant-gardiste du compositeur. Malgré l’originalité de la proposition, la virtuosité des interprètes et l’écriture flamboyante, le projet ne reçoit pas l’écho espéré auprès du public et des connaisseurs, ce qui conduira Piazzolla à l’abandonner et à détruire l’intégralité des partions de cet immense répertoire.
Par un important travail de recherche et de réécriture, Octetology parvient à reconstituer ce répertoire perdu, jamais recréé depuis sa disparition il y a plus de 60 ans
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Nouvel acteur du paysage musical baroque, l’ensemble Il Caravaggio est un orchestre sur instruments d’époques dirigé par Camille Delaforge. Associé aux plus brillants chanteurs de la jeune génération, il explore les répertoires lyriques français et italiens. À côté des pièces de grands répertoires dont il n’hésite pas à requestionner l’approche, Il Caravaggio porte une attention particulière à la redécouverte d’un patrimoine musical inédit. Il s’attache à la valorisation du travail des compositrices, en créant chaque année au moins un programme permettant de découvrir le travail d’une créatrice oubliée : Isabelle Leonarda, Elizabeth Jacquet de la Guerre, ou encore Mademoiselle Duval, dont il enregistre en 2023 l’opéra « Les Génies » à l’Opéra de Versailles.
Placé sous le patronage spirituel du peintre Le Caravage, le travail de l’ensemble se distingue par son sens de la théâtralité, son expressivité intense, sa spiritualité profondément incarnée, et vise à montrer l’universalité de la sensibilité baroque, d’une vitalité intrinsèque à l’expérience humaine. L’ensemble explore également la porosité entre le répertoire savant et la musique populaire à travers des formats plus intimes : opéra de salon, musique de rue … qui lui permettent un travail de proximité avec le public.
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