Bruno Procopio

Diplômée du CNSM de Paris (3ème Cycle – Cycle de Perfectionnement) et du Conservatoire Royal de Bruxelles, Pauline Klaus s’est formée notamment auprès d’Alexis Galpérine et de Shirly Laub.
Elle a complété ses études musicales par un Master de Philosophie à la Sorbonne.
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Passionnée de musique de chambre, elle se produit depuis 10 ans au sein du Quatuor Lontano, avec lequel elle a enregistré deux disques, et partage la scène avec des partenaires tels que Tanguy de Williencourt, Vassilena Serafimova, Juanjo Mosalini, François Salque, Jean-Baptiste Doulcet, Marie Ythier, Sébastien Vichard, Vincent Lê Quang, Amaya Dominguez… Elle a bénéficié des conseils d’artistes comme Tedi  Papavrami, Raphaël Merlin (Quatuor Ebène), Guy Danel (Quatuor Danel), Miguel Da Silva (Quatuor Ysaye), Jeanne-Marie Conquer (Ensemble Intercontemporain)… Elle est  lauréate des Concours Henri Koch (Belgique) et Padova International Competition (Italie).
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Son intérêt pour le répertoire contemporain et la création l’amènent à se produire au sein de nombreux ensembles comme l’Ensemble Intercontemporain, Le Balcon, Regards, Cairn, TM+, Diagonal, Crash Ensemble (Dublin)… en France et à l’étranger. Elle collabore régulièrement avec les compositeurs et est dédicataire de nombreuses œuvres.​

Elle est Professeur titulaire au Conservatoire du 16ème arrondissement de Paris Francis Poulenc.

​Pauline Klaus reçoit le soutien de la Société Générale, du GRP et de la Fondation Léonard Gianadda.

A partir d’une formation à la fois littéraire et musicale, instrumentale et vocale, passionné par l’histoire et attentif aux traditions orales, à l’art de la danse et du théâtre, Martin Gester s’efforce de retisser les liens que les usages séparent, renouant, à sa manière, avec l’idéal du musicien baroque: ouvert, multiple et humaniste.

Après des études littéraires et musicales au Conservatoire et à l’Université de Strasbourg, il fonde, en 1990, le Parlement de Musique  un ensemble inventif, découvreur, modulable et exigeant, à la croisée des styles baroque et classique, du concert et de la scène, aussi préoccupé de détecter de nouveaux talents que de collaborer avec les artistes reconnus.

Martin Gester a pratiqué de nombreux répertoires répartis sur quatre siècles. Actuellement, il dirige aussi volontiers les Vêpres de Monteverdi que les symphonies classiques – et parfois au-delà – préoccupé de souligner ce que la musique de l’âge classique et du premier romantisme doivent au langage baroque.

Il a dirigé le Parlement de Musique sur une quarantaine d’enregistrements discographiques illustrant un répertoire de deux siècles de musique, de T.L. de Victoria à J. Haydn, et s’est produit dans des salles prestigieuses sur quatre continents. Il a aussi dirigé d’autres ensembles et orchestres. Une collaboration toute particulière s’est établie depuis 1998 avec Arte dei Suonatori, orchestre baroque polonais – l’enregistrement récent des 12 Concerti grossi op. 6 de Haendel chez BIS (Suède), a rencontré un accueil international enthousiaste, comme étant l’une des «versions de référence» dans une discographie déjà prestigieuse. Ont suivi le même chemin, les Suites pittoresques et Concerts Polonois de G.F. Telemann (BIS, janvier 2013) et Venetian Christmas (Noël à Venise autour du psaltérion). Plus récemment, Martin Gester a enregistré les Concerti grossi opus 3 de Haendel (BIS, 2019), cette fois avec l’orchestre baroque australien Van Diemen’s Band, un nouveau partenaire. Il est également invité à diriger des productions de l’ensemble Voces Suaves – dans H. Schütz, dans M.A. Charpentier.

Parallèlement, Martin Gester poursuit ses activités d’interprète : organiste et claveciniste en récital ou comme soliste de concertos, ou partenaire de musique de chambre ; au pianoforte, notamment en duo avec Aline Zylberajch (ils ont enregistré l’oeuvre de Mozart à 4 mains), mais aussi seul : son enregistrement des 6 Partitas pour clavecin (Clavir-Übung 1) de J.S. Bach paru chez Ligia, illustre sa recherche des relations entre la musique la plus élaborée et la danse. Suivent : Portraits et Caractères : autour de Jacques Duphly, et Sinfonies au Salon de Johann Schobert, toujours chez Ligia. Avec les 18 Chorals de Leipzig et Variations Canoniques, délivré de la direction du Parlement de Musique et muni de sa profonde expérience des langages baroques, il renoue avec ses débuts remarqués à l’orgue en soliste (Paraty 2025). Plus récemment, il s’intéresse à l’interprétation des oeuvres tardives de C.P.E. et W.F. Bach et de  J. Haydn au clavicorde.

Un goût très prononcé pour le travail avec des chanteurs choisis lui fait explorer l’univers du chant lyrique – cantate, motet ou lied – de Monteverdi jusqu’à Schubert.

Naturellement porté vers la transmission et l’expérimentation, Martin Gester a fondé « son » atelier opéra, Génération Baroque, lieu de détection, de formation et de promotion de jeunes artistes professionnels européens sélectionnés sur auditions et dont les productions annuelles consacrées à des ouvrages souvent rares et confiées à des metteurs en scène à la démarche originale rayonnent au-delà des frontières : en France, en Allemagne, en Pologne, en Belgique et en Italie.

Il a enseigné le clavecin et l’interprétation du répertoire baroque et classique aux chanteurs et instrumentistes (orgue, pianoforte, musique de chambre) et co-dirige encore des productions de l’orchestre baroque de l’Académie Supérieure de Musique et du Conservatoire de Strasbourg. Il a été régulièrement invité à coacher les chanteurs de l’Opéra Studio de l’Opéra National du Rhin dans le répertoire baroque et classique,  et donne régulièrement des masterclasses sur plusieurs continents.

Martin Gester a été nommé Chevalier des Arts et Lettres et élevé à l’Ordre du Mérite par les Ministères de la Culture respectivement français et polonais.

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Formé au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP) auprès d’Isabelle Moretti, et ayant reçu l’enseignement de Germaine Lorenzini, Marcel Cara (né en 1996 à Charleville-Mézières) s’inscrit dans la plus belle tradition de l’école de harpe française. Son jeu, plein de relief et de couleurs, retient immédiatement l’attention.

Il a fait ses débuts en tant que soliste dans des lieux emblématiques tels que le Théâtre du Châtelet, la Fondation Singer-Polignac, la Cité de la Musique de Soissons, l’Opéra de Paris, l’auditorium du Musée Guimet, le British Museum à Londres, le Shiodome Hall à Tokyo, le Merkin Hall de New York, le Qintai Hall de Wuhan, la Sala São Paulo, ou encore le Salon Sully de la Comédie-Française.

Il a également été invité dans de nombreux festivals : Festival Messiaen au pays de la Meije, Giverny, Ancenis, Les Musicales de Colmar, Festival de Pâques à Deauville, et a participé à une tournée organisée par l’AJAM dans plusieurs salles d’Alsace.

De l’orchestre au récital, il explore très tôt toutes les facettes de son instrument. La musique de chambre occupe une place essentielle dans sa carrière, en collaboration avec des musiciens tels que Amaury Coeytaux, Philippe Bernold, Gérard Caussé, Christel Lee, Adrien La Marca, Amaury Viduvier, Emmanuel Coppey, Stéphanie Huang, ou encore le Quatuor Hanson.

Alejandro Bonatto est un compositeur, pianiste et metteur en scène d’origine argentine, doté d’une vaste formation en musique et en théâtre. Il a étudié à Buenos Aires, où il a obtenu son diplôme avec mention à l’Institut d’Art du Teatro Colón, ainsi qu’un diplôme de piano du Conservatoire National de Musique. Il a ensuite poursuivi ses études en Europe, décrochant un Master en composition à Kingston University à Londres et bénéficiant d’une bourse du Goethe-Institut à Berlin.

Son parcours artistique couvre plusieurs disciplines, alliant composition, mise en scène d’opéra et direction théâtrale. Il a dirigé des productions à l’international, notamment Rebecca et Rita au Charing Cross Theatre de Londres, The Human Voice et La Casa de Max au Theater im Delphi de Berlin, ainsi que Il Ritorno d’Ulisse in Patria de Monteverdi à Buenos Aires.

Alejandro a également collaboré avec des metteurs en scène de renom, tels que Graham Vick, sur des productions majeures, notamment Tamerlano à la Royal Opera House de Londres, La Bohème à l’Opéra National de Grèce, et le Cycle de l’Anneau de Wagner à Lisbonne. Son travail se distingue par une approche interdisciplinaire, fusionnant esthétiques classiques et contemporaines.

Ses compositions, comme celles de son dernier album Blued Voices, explorent un univers sonore en constante évolution, mêlant tradition classique et textures électroniques, et retraçant des récits empreints de mémoire, de nostalgie et d’une profondeur cinématographique.