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April 2016

SpiriTango Quartet

SpiriTango Quartet

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SpiriTango Quartet

Énergie, harmonie, enthousiasme et créativité : quatre mots décrivant l’essence du SpiriTango Quartet.

En cinq ans d’existence, ils ont exploré un vaste répertoire varié mêlant tango traditionnel, tango nuevo, musique contemporaine et créations.

Après avoir étudié au Conservatoire de Paris notamment avec Ami Flammer et Jean-Noël Crocq, ils sortent en 2013 leur premier album Rage consacré à la musique d’Astor Piazzolla, puis en mars 2015 un deuxième opus Chin Chin, ouvrant leur univers à d’autres compositeurs. Ils se perfectionnent également auprès de Richard Galliano, Hervé Sellin, Juan José Mosalini, ainsi qu’avec le Quatuor Ébène.

Ils se produisent sur des scènes nationales et internationales (les Invalides et la Sorbonne à Paris, à l’amphithéâtre de l’Opéra de Lyon, au Conservatoire Royal de Bruxelles…) et sont invités à jouer lors de nombreux festivals dont le Festival Radio France Montpellier, Pianos Folies Touquet, Piano Campus, les Pianissimes, Le Printemps des Alizés (Maroc), Jeunes Talents, Concerts de Poche… Leur musique est régulièrement diffusée sur les ondes de France Musique, France Inter, RFI , FIP, Radio Classique…

Leur projet artistique s’articule autour d’interprétations originales, en formation acoustique, à la croisée des chemins du tango et de la musique de chambre, les richesses et les exigences de chaque monde rejaillissant sur l’autre.

D’autre part, dans l’optique de développer le répertoire pour cette formation, ils s’attachent à créer et défendre de nouvelles œuvres de compositeurs actuels, en accordant une place importante à la nouvelle génération. Ils ont travaillé avec Graciane Finzi, Alexandre Fontaines, Mathieu Stefanelli, Celia Triplet et prévoient des créations d’Etienne Kippelen, Andrea Marsili et Olivier Calmel. Ils développent également une relation privilégiée avec le compositeur belge Frédéric Devreese, qui a arrangé pour eux une partie de ses oeuvres.

Après une belle collaboration avec le guitariste Tomas Gubitsch la saison dernière, ils prévoient de travailler avec la percussioniste Vassilena Serafimova ainsi qu’avec la mezzo-soprano Cécile Meltzer, tout en ayant des projets de tournée en Asie, et un troisième album en ligne de mire pour 2017…

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Chin Chin

Chin Chin

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Romina et Sofie 2012

Romina Lischka & Sofie Vanden Eynde

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Romina et Sofie 2012

Romina Lischka est née à Vienne en 1982. Son intérêt pour la musique ancienne la mène à la Schola Cantorum Basiliensis, où elle étudie la viole de gambe avec Paolo Pandolfo. Elle y obtient le diplôme de soliste avec distinction en 2006.

Par la suite, Romina se rend à Bruxelles afin de bénéficier de l’enseignement de Philippe Pierlot au Koninklijk Conservatorium Brussel. Elle y obtient un master avec distinction en 2008. Depuis lors, elle développe une activité de concertiste, notamment avec le Collegium Vocale Gent (dir. Philippe Herreweghe), le Ricercar Consort (dir. Philippe Pierlot), Gli Angeli Genève, et se produit en Europe, aux États-Unis, au Japon et en Inde. Elle a enregistré pour les labels Ricercar, Flora, Coro, Christophorus, Musica Ficta et Fuga Libera.

Elle a été désignée « ECHO Rising Star » par BOZAR et le Concertgebouw d’Amsterdam pour la saison 2012-2013, dans la catégorie musique ancienne. Son premier disque, Pièces de viole de Sieur de Machy, a reçu 5 diapasons de la revue du même nom. L’année 2011 a également vu la création du Hathor Consort. Le premier disque de l’ensemble, consacré aux Lachrimae de John Dowland, a reçu un accueil enthousiaste de la presse (IRR outstanding, 10 de Klara, 4 diapasons).

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Sofie Vanden Eynde est née en 1978 en Belgique. Elle étudie le luth et le théorbe avec Philippe Malfeyt au Conservatoire de Gand et avec Hopkinson Smith à la Schola Cantorum Basiliensis. En 2006, elle obtient le Prix de la reconnaissance artistique de Lommel, sa ville natale.

Son ensemble Le Jardin secret remporte le Premier Prix et le Prix du public au York Early Music International Young Artists Competition en 2007. Elle se produit régulièrement avec des ensembles tels que le Hathor Consort, Encantar, Bel Ayre, l’Achéron ainsi qu’en duo avec Romina Lischka et avec Thomas Hobbs. Avec la soprano anglaise Rebecca Ockenden, elle se concentre sur le riche répertoire des lute songs. Leur premier CD (Mistress Elizabeth Davenant, her Songes) paraît en 2011.

En 2013, elle lance Imago Mundi, une plateforme où se rencontrent les musiques anciennes, nouvelles, occidentales et d’ailleurs, qui sort un premier CD, Divine Madness, la même année. Elle a enregistré pour les labels Ramée, Coro, Phaedra, Cyprès, Aeolus, Fuga Libera, Paraty, Ricercar et K617.

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Orpheus’ Noble Strings

Orpheus’ Noble Strings

En Suite : Marin Marais, Sainte Colombe & Robert de Visée

En Suite : Marin Marais, Sainte Colombe & Robert de Visée

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Ensemble Zais

Ensemble Zaïs

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Ensemble Zais

C’est courant 2011 que l’ensemble Zaïs voit le jour, sous la direction de Benoît Babel. Ce jeune claveciniste, formé par Noëlle Spieth, Laurent Stewart, Pierre Hantaï, et Davitt Moroney, a pu collaborer avec de grands professionnels de la musique d’ensemble tels que Jean Tubéry, Michel Laplénie, Marcel Ponseele, etc. et ainsi se perfectionner dans de nombreux styles du répertoire baroque.
Toujours à la recherche de nouvelles découvertes et expériences musicales, c’est lors de sa collaboration avec l’organiste Paul Goussot (premier prix et lauréat de nombreux concours internationaux) que l’ensemble a pu donner son premier concert autour de Handel (concerti pour orgue et airs d’opéra).

L’ensemble réunit de nombreux musiciens issus des plus prestigieuses formations européennes, dans des programmes à géométrie variable : du madrigal italien au pré-classique en passant par les cantates de Bach, ils affirment une musicalité touchante et subtile. Toujours dans un esprit de vérité et d’honnêteté historique, l’ensemble s’efforce de proposer quelque chose d’original et singulier.

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Rameau & Handel : Dom Bedos

Rameau & Handel : Dom Bedos

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Qatar Philharmonic Orchestra

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L’Orchestre Philharmonique du Qatar
En mars 2009 au Théâtre des Champs Elysées, l’Orchestre Philharmonique du Qatar se produisait pour la première fois à Paris, quelques semaines après s’être produit à Washington. Un orchestre tout neuf, créé deux ans auparavant, sous le patronage d’un grand chef internationalement célèbre, Lorin Maazel. Un projet culturel de longue haleine, qui s’inscrit dans le développement culturel qatari, cherchant à œuvrer en faveur de l’éducation de la jeunesse à travers la musique.

Jean-Charles Gandrille, compositeur

2015 est une belle année pour Jean-Charles Gandrille. Le Festival d’Auvers-sur-Oise en a fait son compositeur invité. Il faut dire qu’il connaît bien cette ville chère aux peintres impressionnistes : il est le titulaire de l’orgue de l’Eglise Notre Dame. Lors de ce Festival, une dizaine de concerts ont mis ses œuvres au programme. Une sorte de consécration pour cet organiste improvisateur et compositeur. Dans la plupart de ses compositions, il garde toujours une place privilégiée à l’orgue, que ce soit dans ses œuvres avec violon, trompette ou (plus inattendu) vibraphone et même accordéon, comme dans ses œuvres religieuses, dont son récent « Stabat Mater ».

Amoureux des musiques françaises, Jean-Charles Gandrille le dit lui-même : « Vers dix ou onze ans, j’ai découvert la composition ; j’ai ressenti une fascination pour l’orchestre. J’ai dévoré les partitions de Ravel et Debussy, le traité d’orchestration de Charles Koechlin. Olivier Messiaen, Henri Dutilleux ont aussi beaucoup compté, puis celui qui a été mon maître pendant un temps très bref mais intense, Jean-Louis Florentz. Et à quinze ans, je me suis lancé dans ma première orchestration – en autodidacte : le  “ Boléro ”  pour orgue et percussion de Pierre Cochereau ».

La mécanique était lancée : une « Symphonie médiévale » pour orchestre avec ondes Martenot, suivie d’un concerto pour piano et orchestre, « Voyage dans l’indicible ». Et c’est le concours d’admission dans la classe d’orchestration du Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris, en 1998. Deux ans plus tard, à dix-huit ans, il est   premier prix d’orchestration à l’unanimité, avec félicitations du jury. Ensuite, ce fut la classe d’orchestration du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Dans les deux cas, il était le plus jeune élève, et sort primé du CNSMDP en 2003. Dès lors, la voix est libre vers la composition.

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Qatar Philarmonic Orchestra, Works by Jean-Charles Gandrille

Qatar Philarmonic Orchestra, Works by Jean-Charles Gandrille

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La Camera delle Lacrime et le Jeune Choeur de Dordogne

La Camera delle Lacrime

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La Camera delle Lacrime et le Jeune Choeur de Dordogne

La Camera delle Lacrime

Réunis autour de Bruno Bonhoure et de Khaï-dong Luong, les artistes de ctte compagnie fondée en 2004 s’engagent pour la valorisation et la redécouverte des œuvres patrimoniales tout en y insufflant une démarche de création dans le choix de leur interprétation.

Avec le concours de spécialistes et universitaires qui évoluent en périphérie de la formation, La Camera delle Lacrime propose des spectacles ayant pour fondement une source historique et cherche à rendre la musique de répertoire plus intelligible grâce à la réalisation d’un travail dramaturgique.

Nous avons choisi le nom de l’ensemble en hommahe à dante Alighieri, poète et ami des troubadours, qui parle de cette « chambre des larmes » comme d’un lieu où il va surmonter sa désolation et se ressourcer pour en sortir empreint d’une énergie nouvelle.

Bruno Bonhoure – Direction musicale, chant soliste, bombo leguëro

Né à Aurillac en 1971, Bruno Bonhoure porte en lui l’héritage des chants et des histoires qui rythmaient la vie quotidienne des paysans de la Haute-Auvergne. Se consacrant d’abord à l’Histoire des Arts, sa nécessité et son désir de la scène le conduisent à Paris.

Comparé au “bildung” par Carlo Ossola (Professeur au Collège de France) ou à Giovanna Marini par Lionel Esparza (France Musique), la qualité vocale, la présence scénique et la personnalité de Bruno Bonhoure en font l’un des ténors français les plus attachants.

Directeur musical de l’ensemble, ce musicien valorise la langue occitane au travers de spectacles pluridisciplinaires. Ses créations offrent une nouvelle lecture de ces répertoires musicaux historiques et ont été saluées par l’Académie des Arts, Lettres, et Sciences de Languedoc.

Khaï-dong Luong – Mise en scène, scénographie, co-conception artistique

Né au Cambodge en 1971, Khaï-dong Luong est arrivé en France après avoir fui les khmers rouges. Diplômé de l’Agrégation de mathématiques et d’un Master en études cinématographiques, son idée directrice est de proposer une alternative à ce qui est pré-établi. Il restructure ainsi les formats habituels et bouscule les conventions pour surprendre et créer. Sa vision contemporaine de l’interprétation des répertoires de musiques anciennes l’emmène à considérer de nouveaux modes de transmission, à l’image du spectacle participatif autour du Livre Vermeil de Montserrat.

Artiste protéiforme, il a co-écrit à Chicago le documentaire “Someplace Else” sélectionné sur les festivals de Los Angeles, New York, Chicago, ainsi qu’une série de films d’animation sélectionnée au Festival d’Annecy

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Le Livre Vermeil de Montserrat

Le Livre Vermeil de Montserrat

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Les Lunaisiens

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Nous semblerait-il concevable aujourd’hui, que des auteurs tels que Jacques Brel, Léo Ferré, Barbara, Nougaro, Brassens et d’autres encore, disparaissent à jamais de notre quotidien ? Que du jour au lendemain, les paroles et les mélodies de ces grands artistes ne résonnent plus dans les refrains fredonnés de notre mémoire collective ?

Mais qu’en est-il de ce temps où Charles Cros et Edison n’avaient pas encore inventé le gramophone ?

Les voix se sont tues à jamais…les chansons sont oubliées, éteintes et parfois mortes ; dans le meilleur des cas, cloisonnées dans des recueils délaissés. Et l’on sait pourtant qu’une chanson ne vit que par le temps de son interprétation.

Il s’avère donc urgent de prospecter et d’interpréter tout un répertoire historique de la chanson française. Faire chanter la mémoire, fredonner les paroles des premières « chansons à textes ». Etre convaincus, tout comme Nerval, Chateaubriand, Baudelaire ou Verlaine que la Chanson Française est la garante d’une belle langue, notre langue, la langue française, une langue tout simplement encore vivante.
Sortir des concerts traditionnels, nourrir les individus d’une musique essentielle qui puisse apporter une certaine harmonisation à la Cité. Car la musique, comme les autres arts, n’a pas seulement pour mission le divertissement : elle doit avant tout faire réfléchir l’individu, chose essentielle contre cette industrie de masse, où l’on fait croire à l’être que le seul loisir est la consommation !

Avec ce parcours, cette initiation dans l’univers musical de la chanson, La clique des LUNAISIENS veut proposer au public une découverte, une aventure qui n’est en fait, que la réappropriation d’un art qui appartient à la mémoire collective.
Poursuivre cette quête en s’entourant d’artistes, de musicologues et d’historiens convaincus que la chanson est une passeuse ; qu’elle est gardienne d’une noble poésie, d’une poésie populaire qui chante à nos oreilles et à nos âmes.

Retracer les aventures de cette belle chanson français, montrant ainsi que les textes du passé n’ont rien à envier à ceux de nos contemporains !

Directeur artistique : Arnaud Marzorati

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Capture d’écran 2016-04-21 à 22.16.08

Cindy Castillo & Aurélie Franck

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Cindy Castillo

Fougueuse et inspirante, Cindy Castillo s’impose sur la scène internationale des jeunes organistes à travers ses concerts et projets. Elle conçoit ses programmes autour de thématiques originales et transporte son public avec ses interprétations engagées. Au-delà de ses concerts dits « classiques », en soliste ou chambriste, Cindy Castillo explore également les dialogues possibles entre l’orgue et d’autres langages artistiques, tels que la danse, le cirque, la vidéo ou la musique électronique. Lauréate des Conservatoires de Bruxelles, Namur, Strasbourg et Paris, lauréate des fondations Rotary, Vocatio, Wernaers et de Lacour, elle a été désignée « artiste en résidence » en 2008-2009 au Sapporo Concert Hall au Japon. Au-delà de son activité de concertiste, Cindy Castillo est programmatrice et présentatrice de Musiq3, la radio classique francophone belge.

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Aurélie Franck

Diplômée en chant du Conservatoire Royal de Bruxelles et de l’INSAS en mise en scène de théâtre, Aurélie Franck a également obtenu plusieurs prix et récompenses (Viñas, Festival de Rheinsberg, Fondation Yamaha, Fondation belge Vocatio…) et est invitée par des salles de concert prestigieuses comme le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, l’Opéra-Comique et l’Auditorium du Louvre à Paris, l’Opéra Royal de Versailles et des festivals d’exception comme celui de Wallonie, de Chamonix, d’Innsbruck ou encore des Musicales de Normandie. Musicienne contemporaine active, elle a eu entre autres l’opportunité de créer la Passio secundum Lucam de Claude Ledoux à la Cathédrale de Bruxelles et le rôle de mezzo-soprano solo dans l’opéra Paulus de Thomas Jennefelt (coproduction avec le Deutsches Theater de Berlin) Mezzo-soprano solo de Kopernikus (Claude Vivier) dans une coproduction entre De Nederlandse Opera, Enoa & Vocaallab, elle a également chanté avec Asko/Schoenberg Ensemble au Concertgebouw d’Amsterdam.

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Fragments

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Ensemble Enthéos

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Enthéos, enthousiasme en grec, est un ensemble créé en 2005 et se consacrant entièrement à la musique de la Renaissance. Tiré de la pensée de Platon ayant profondément influencée cette période, son nom évoque la force qui engagea l’homme du XVIe siècle à découvrir, créer et partager. C’est aujourd’hui le souffle qui porte l’Ensemble.

En révélant et faisant chanter les liens entre musique, littérature, arts et histoire, Enthéos vous invite à retrouver l’enthousiasme des spectateurs du XVIe siècle qui voyaient éclore des œuvres nouvelles, des musiques proprement inouïes. Captivants, instructifs, étonnants et rigoureux, les programmes sont tour à tour joyeux, facétieux, touchants, et toujours poétiques.

Enthéos s’est produit au musée national de la Renaissance d’Ecouen, aux châteaux de Blois, Fontainebleau, Manderen et Joinville, au Conseil d’État, à Nancy, à Metz, à Montmorency, au festival de Nomeny et au festival européen du Clos Lucé… L’Ensemble a été choisi pour clore l’exposition France 1500 au Grand Palais. Lors de ses concerts, la presse remarque le son ample et le souci de mettre la voix au service du sens et du mot. Elle associe Enthéos à la sobriété, la finesse et la transparence.

Enthéos est soutenu dans ses projets par la Drac Lorraine, la Région Lorraine et la Caisse des dépôts et consignation.

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Le chant des poètes, Acardelt ou l’Antiquité en musique

Le chant des poètes, Acardelt ou l’Antiquité en musique

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Simón Bolívar Symphony Orchestra

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L’Orchestre Symphonique Simón Bolívar fut créé le 1975 par le musicien et homme politique José Antonio Abreu, au sein de la Fondation d’État pour le Système National des Orchestres, de la jeunesse et des enfants du Venezuela, plus connue sous le nom de Sistema.

Jouer Rameau à Caracas

Les Soloists of Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela , invitent Bruno Procopio à diriger un programme totalement dédié à Jean-Philippe Rameau. C’est pour les musiciens vénézuéliens, une découverte exceptionnelle : celle du baroque français, première incursion dans la musique française du XVIIIème siècle.

“J’ai surtout voulu susciter la curiosité des musiciens de l’Orchestre pour une musique vers laquelle ils ne se seraient pas tournés spontanément ; je souhaitais aussi me confronter à un orchestre qui n’avait pas eu l’opportunité d’aborder la musique baroque française, afin de construire une identité musicale à partir de zéro. J’ai pu ainsi concrétiser toute la vision que j’ai de cette musique et j’ai trouvé un terrain d’accueil dépourvu d’a priori.

Pendant la pause de l’une de nos répétitions, un musicien m’a soufflé à l’oreille : “Maestro, c’est la musique la plus belle que j’ai jouée.” Voilà la récompense d’une telle entreprise.” B.P.

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C.P.E. Bach, Württemberg Sonatas Wq. 49

C.P.E. Bach, Württemberg Sonatas Wq. 49

‘Rameau in Caracas’, Soloists of the Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela

‘Rameau in Caracas’, Soloists of the Simón Bolívar Symphony Orchestra of Venezuela

Rameau, Pièces de clavecin en concerts

Rameau, Pièces de clavecin en concerts

Outre-Mers

Outre-Mers

Portrait d’Iris, suites pour viole de gambe et pièces de clavecin de François Couperin

Portrait d’Iris, suites pour viole de gambe et pièces de clavecin de François Couperin

Sonates pour la viole de gambe et le clavecin obligé de J.S.Bach

Sonates pour la viole de gambe et le clavecin obligé de J.S.Bach

Partitas pour clavecin 5, 2 et 6 de J.S.Bach

Partitas pour clavecin 5, 2 et 6 de J.S.Bach

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Mater Dolorosa©Jean-François Mariotti

Ensemble Mora Vocis

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Mater Dolorosa©Jean-François Mariotti

Inspirées par un souffle médiéval, les voix solistes « au féminin » de Mora Vocis partent sur les traces d’une musique d’antan avec un regard d’aujourd’hui.

Pendant plus de deux décennies, elles incarnent avec saveur et en totale collégialité les répertoires sacrés du Moyen Âge et d’aujourd’hui, en créant un espace poétique très personnel. En 2011, Mora Vocis poursuit son chemin sous la direction artistique de la chanteuse Els Janssens-Vanmunster, avec la complicité de la chanteuse et compositrice Caroline Marçot.

Depuis sa création, l’ensemble propose des spectacles à géométrie variable. En donnant une place centrale au corps, l’instrument de la voix, Mora Vocis invite parfois des artistes de cirque et des danseurs-chorégraphes. Ces dernières années et selon les programmes, l’ensemble enrichit son répertoire avec la musique profane, et des comédiens et des instrumentistes viennent compléter les rangs.

L’interprétation sans partitions et une scénographie ‘sur mesure’ pour chaque lieu de concert sont les différences essentielles et subtiles qui distinguent Mora Vocis dans le monde de la musique ancienne et contemporaine. Chaque spectacle de Mora Vocis dans un lieu ancien, d’aujourd’hui ou ‘juste’ atypique devient alors une invitation au voyage. En provoquant une vraie rencontre entre chaque architecture et son acoustique, les pierres se retrouvent intégrées dans les volutes vocales et acrobatiques des artistes.

Quand Mora Vocis devient « Mora Vocis – voix solistes au féminin », l’ensemble met en lumière l’attention particulière pour la musique écrite par des femmes et pour des femmes, quelles soient du Moyen Âge ou d’aujourd’hui. Par ailleurs, plus d’un compositeur ou compositrice de notre temps s’est fait happer par la pensée médiévale. Alors, quand une poésie de Hildegard von Bingen ou une mélodie grégorienne inspire de belles pages, Mora Vocis se fait toujours un plaisir de les interpréter, avec la même rigueur artistique que pour le répertoire ancien. Parmi ces compositeurs se trouvent Petr Eben (CZ), Ivan Moody (GB) ou encore Klaus Huber (CH). Certains ont aimé écrire spécialement pour les chanteuses de Mora Vocis. Parmi eux se trouvent Anne-Marie Deschamps, Jean-Jacques Di Tucci, Daniel Meier et plus récemment Sophie Lacaze, David Eskenazy et Caroline Marçot.

En 2015, Mora Vocis reçoit le label « La Ffabrique Nomade » par France Festivals pour le spectacle « Mater Dolorosa – Femmes au Tombeau » autour d’une œuvre de Caroline Marçot.

Mora Vocis aime depuis toujours se rapprocher de l’univers de la recherche. En 2009, une première collaboration avec des chercheuses de l’Université Paul Valéry Montpellier a donné vie spectacle « Motet » autour du motet médiéval avec une attention particulière pour le Manuscrit H196 dit ‘de Montpellier’. Mora Vocis et le CEMM (Centre des Études Médiévales de Montpellier) ont poursuivi cette collaboration avec une résidence de Mora Vocis à l’université de 2011 à 2014, autour du Manuscrit Torino J.II.9 dit ‘de Chypre’.

La discographie de Mora Vocis – voix solistes au féminin met à l’honneur la musique vocale médiévale et contemporaine et ce, tout particulièrement dans les CDs « L’Amante » et « Sources ». Un DVD est réalisé en collaboration avec l’Université Paul Valéry – Montpellier du spectacle « Motet » (2011). En 2013, Mora Vocis enregistre une musique de scène pour « Le Grand Voyage » spectacle de théâtre (2013) du tour du Cadran. Le spectacle « Mater Dolorosa – Femmes au Tombeau » fera l’objet d’une production discographique en 2017.

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L’Amante

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